Eseu pe tema:
Sunet. Melody. armonie
Baza fizică a sunetului
Cuvântul "sunet" definește două concepte: primul este sunet ca un fenomen fizic; al doilea este sunet ca senzație.
1) Când vibrațiile unui corp elastic, de exemplu, un șir, în aerul din jur, apar oscilații de presiune care se propagă în spațiu, datorită proprietăților elastice ale aerului.
Aceste oscilații se numesc unde sonore. Se propagă din sursa sonoră în toate direcțiile (adică fiecare val individual reprezintă o sferă cu expansiune rapidă a presiunii crescute sau scăzute).
2) Undele sonore sunt prinse de organul auditiv și provoacă iritare în el, care este transmis prin sistemul nervos către creier, creând un sentiment de sunet.
Proprietăți de sunet ale muzicii
Percepem un număr mare de sunete diferite. Dar nu toate sunetele sunt folosite în mod egal în muzică. În teoria muzicală, este obișnuit să se facă distincția între sunetele muzicale și sunetele de zgomot.
Sunetele de zgomot nu au o înălțime exactă exprimată, de exemplu, crackling, scârțâit, bâzâit, tunet, șuierat etc. Instrumentele de zgomot sunt folosite numai ca decorațiuni sau dând muzicii bogăție emoțională. Astfel de instrumente includ aproape toate instrumentele de percuție: un triunghi, un tambur mic, diferite tipuri de plăci, un tambur mare etc. Există o anumită cantitate de convenționalitate în legătură cu acest lucru, care nu trebuie uitat. De exemplu, un instrument de percuție, cum ar fi o cutie de lemn, are un sunet cu o altitudine bine definită, dar acest instrument este încă considerat a fi zgomot. Prin urmare, este mai de încredere să distingem instrumentele de zgomot de acel criteriu, indiferent dacă este posibilă realizarea sau nu a unei melodii pe acest instrument.
Natura fizică a unui sunet muzical este determinată de mai multe proprietăți; acestea includ: HEIGHT, VOLUME și TEMBR.
Acum, luați în considerare fiecare proprietate a sunetului muzical separat.
Înălțimea sunetului este determinată de frecvența vibrațiilor corpului vibratoare. Cu cât oscilațiile sunt mai dese, cu atât este mai mare sunetul și invers.
Volumul sunetului este determinat de energia mișcărilor vibraționale, adică de amplitudinea oscilațiilor. Cu cât este mai mare amplitudinea oscilațiilor, cu atât este mai tare sunetul și invers:
TEMBRAM este partea calitativă a sunetului, culoarea sa. Pentru a determina caracteristicile tonul in muzica utilizate cuvinte din domeniul senzațiilor, termenii-metafore, de exemplu, să zicem, sunet moale, ascuțit, dens, de apel, cântând, etc Fiecare instrument sau o voce umană are un ton distinct pentru ea, și chiar unul .. instrumentul este capabil să producă un ton diferit de culoare.
Diferența dintre timbres depinde de compoziția tonurilor parțiale (sunete naturale sau tonuri de ton) care sunt inerente fiecărei surse de sunet.
TONURI PARTIALE, sau, cu alte cuvinte, subtilă - tonul superior - (german) - sunt impuritățile inevitabile prezente în sunetul de orice natură. Frecvențele lor sunt întotdeauna multipli de frecvența sunetului principal, iar numărul și intensitatea lor pot varia foarte mult, datorită căruia se formează o colorare diferită a sunetului.
Durata sunetului - durata oscilațiilor sursei de sunet. Dacă se aude un corp elastic furnizat de inerția proprie (de exemplu, un șir), atunci durata sunetului este proporțională cu amplitudinea oscilațiilor la începutul sunetului.
Desemnarea sunetului prin sistemul de litere
În plus față de numele syllabic al sunetelor, în practica muzicală, metoda de desemnare a literelor este folosită pe scară largă, bazată pe alfabetul latin.
Cele șapte etape principale sunt desemnate după cum urmează:
C, D, E, F, G, A, H (înainte, re, mi, fa, sare, la, si).
În Evul Mediu, când sa format acest sistem, scara a început cu un sunet la, iar sunetul în platoul B era principalul pas. Mai târziu, sunetul B-plat a fost înlocuit de sunetul lui si. Astfel, scara inițială arăta astfel: A, B, C, D, E, F, G (la, B plat, înainte, re, mi, fa, sare). Aceasta explică prezența "ilogică" în notația literei "H".
Pentru a desemna derivatul etapelor, se adaugă silabe literelor: este - ascuțită; isis este un dublu ascuțit; es - plat; eses - dublu-plat. De exemplu: cis - înainte de ascuțire. fisis - fa-dublu-ascuțit. des - plat. geses - plat cu sare dublă.
Excepția este stadiul derivat B-plat, în spatele căruia se păstrează denumirea tradițională cu litera B, b.
Cu vocalele a și e în silabile es, litera e, pentru comoditate de pronunție, este aruncată; se dovedește: E plat nu e. a es; A-flat nu este aes. a as.
Pentru a desemna octave, literele sau cifrele sunt adăugate la litere. Sunetele de octave mari și mici sunt indicate prin litere mari și mici (mari și mici).
De exemplu, pentru o octavă mare, A. sare de octava mică - g. Sunetele de la prima octavă la cea de-a cincea sunt marcate cu litere mici cu adăugarea de numere corespunzătoare numelor de octave sau cu același număr de liniuțe deasupra. De exemplu:
Sunetele contractelor și subcontracturilor sunt indicate prin majuscule cu adăugarea de cifre sau liniuțe către partea de jos. De exemplu:
Melody poate fi definit ca o secvență de sunete, de obicei, asociate în mod specific cu fret (adică, solzi, formate ca urmare a diferitelor aranjament de culori și tonuri în gama octave), centrul tonal și structura ritmică. Melodia nu poate oferi acompaniament - atunci avem de-a face cu o monodie. Dacă melodia este înconjurată de alte melodii care sună simultan, atunci aceasta este polifonie. În cele din urmă, tonul poate fi partea de sus (sau o altă poziție dominantă) voce secvența de armonice poate fi însoțită - în acest caz, este vorba de omofonie.
Principalul lucru pentru o melodie este posibilitatea de a cânta sau de ao juca pe un instrument. Acest factor limitează infinitatea melodiilor imaginabile. Miscari prea mari sau incomode sau sari sunt dificil de cântat; Instrumentele melodice sunt limitate de intervalele și caracteristicile tehnice ale instrumentelor. Pentru cele mai multe melodii, predominanța mișcării de intrare este caracteristică. De obicei, cea mai largă mișcare melodică este ýaceeași octavă (în mod optim - nu mai mare decât a șasea).
Mulți teoreticieni asociat cu melodia scalei și a considerat că anumite tonuri ale scalei sunt mai active decât altele. F.ZH. Fetis, teoretician francez al secolului al XIX-lea. împărțit tonul scalei în "activ" și "pasiv", atribuind această proprietate gravitației lor naturale. Această diviziune a ajutat la determinarea direcției mișcării melodice și, prin urmare, a tonului melodiei. Cu toate acestea, există teorii bazate pe diferite ipoteze, cum ar fi legătura între sunete, salturi în melodie, scheletul estimat armonic, conturul general al melodiei, direcția de mișcare melodice, echilibrul.
Exemple de diferite tipuri de melodii pot fi găsite deja în muzica antică. Vechea cântare greacă ar trebui să fie monodică. Cântărirea bisericii medievale (cântecul gregorian), a cărei origine datează din epoca precreștină, este de asemenea monodică; până în secolul al XVI-lea. acest cântat a fost principalul lucru în cultura muzicală europeană. Gregorian cântând, de asemenea, a servit ca bază pentru multe forme de polifonie timpurie - organum, motet și diferite tipuri de compoziții pe cantus firmus. Multe tipuri de folclor muzical sunt, de asemenea, monolitice (cel puțin în aspectul lor primar). În general, orice muzică poate fi considerată melodică, în care predomină una sau mai multe linii orizontale. În muzica profesională europeană a timpului nou, melodia, ca regulă, este strâns legată de armonie.
Vreau să vorbesc despre toate instrumentele muzicale de la tastatură. Pentru fiecare instrument, voi da povestea despre crearea, dezvoltarea și folosirea sa în prezent.
Instrumentele de tastatură au existat în Evul Mediu. Organul, cel mai vechi dintre ele, este un instrument de vânt (nu are șiruri, dar există o mulțime de țevi) și nu este o rudă directă a pianoforului.
Primul instrument de tastatură, care avea șiruri de caractere, era un clavicord. A apărut în Evul Mediu târziu, deși nimeni nu știe când. Clavicord avea un dispozitiv similar cu cel al unei pianofoane moderne. Cu toate acestea, sunetul său era prea moale și liniștit, astfel încât să poată fi jucat în fața unui număr mare de oameni. Clavicord, fiind mult mai mic și mai simplu decât ruda sa, era destul de popular ca instrument de casă și se găsea cu siguranță în casele compozitorilor barocilor, printre care și Bach. Clavichord avea un dispozitiv foarte simplu. Când apăsați tasta, o mică cutie de cupru numită o tangentă lovește un șir. În același timp, amortizorul a permis șirului să vibreze. Clavichordul avea câte o șir per cheie, în timp ce un pian modern are până la trei corzi pe cheie. Fiind un instrument foarte liniștit, clavicordul mi-a permis să fac crescendo și diminuendo.
Un alt instrument de tastatură - craniul - a fost probabil inventat în Italia în secolul al XV-lea. În acest caz, sunetul este extras de pene de păsări sau de bucăți de piele (ca un mediator). În plus, șirurile de la clapetă sunt paralele cu cheile, cum ar fi pianul modern, și nu perpendicular, cum ar fi clavicordia și pianul modern. Sunetul clavetei este destul de slab, nu este foarte potrivit pentru a juca muzică în săli mari. În piesele pentru harpsichord, compozitorii au introdus multe melisme (ornamente), astfel încât notele lungi ar putea suna destul de mult. De obicei, cipul a fost folosit pentru acompaniament
Al treilea tip de instrument de tastatură cu coarde, jucat în secolele XV, XVI și XVII, se rotește. De fapt, un spinet este un mic craniu cu una sau două tastaturi de patru octave. El era, de obicei, bogat decorat și, prin urmare, era aceeași decorare a casei, precum și mobilier frumos.
La începutul secolului al XVIII-lea, compozitorii și muzicienii au început să simtă brusc nevoia unui nou instrument de tastatură care nu ar fi inferior în expresivitatea la vioară. Mai mult decât atât, era nevoie de un instrument cu o gamă dinamică mare, capabil să tundă fortissimo, pianissimo și tranziții dinamice subtile. Aceste vise au devenit o realitate când în 1709 italianul Bartolomeo Cristofori. care a practicat instrumentele muzicale ale familiei Medici, a inventat primul pian. El a numit invenția sa "gravicembalo col piano e forte", ceea ce înseamnă "un instrument de tastatură care se joacă ușor și tare". Acest nume a fost apoi scurtat și a apărut cuvântul "pian". Ulterior, aceste instrumente au fost create de un profesor de muzică din Germania Christophore Gottlieb Schroeter (1717) și francezul Jean Marius (1716). Aparatul de pian al lui Cristofori era foarte simplu. Acesta a constat într-o cheie, un ciocan simțit și o întoarcere specială. Un astfel de pian nu avea amortizoare sau pedale. O lovitură asupra cheii a făcut ca ciocanul să lovească șirul, provocând vibrația lui, deloc ca vibrația șirului unui cranjac sau a unui clavicord. Repatriatul a lăsat ciocanul să se întoarcă, mai degrabă decât să rămână apăsat pe șir, ceea ce ar fi înnebunit vibrația șirului. Mai târziu, a fost inventată o repetiție dublă, care a permis ca ciocanul să fie coborât la jumătatea drumului, ceea ce a contribuit foarte mult la realizarea de trilogii și la repetarea rapidă a notelor. Cel mai remarcabil lucru despre pianoforte îl reprezintă capacitatea de a rezona și o gamă dinamică. Carcasa din lemn și rama de oțel (inventată mai târziu în secolul al XIX-lea, cadrul pianului Cristofori era din lemn) permite instrumentului să atingă aproape un sunet de clopot la fortăreață. O altă diferență între pian și predecesorii săi este abilitatea de a suna nu numai liniștit și tare, ci și pentru a face crescendo și diminuendo, pentru a schimba dinamica brusc sau treptat. Atunci când pianul sa anunțat pentru prima dată, epoca rococo (1725-1775) domnea în Europa, o perioadă de tranziție de la baroc la clasicism. În timpul perioadei clasicismului, pianul a devenit un instrument popular pentru producția de muzică de casă și spectacolul de concert. Pianul a fost cât se poate de bun pentru realizarea genului sonatei care a apărut la acel moment, un exemplu viu despre care sunt lucrările lui Clementi și Mozart. Apariția pianului a provocat și o schimbare în repertoriul ansamblurilor și orchestrelor. Concertul pentru pianoforte și orchestră este un gen nou care a devenit foarte popular în perioada clasicismului. De multă vreme, cembalful era un instrument de acompaniament, foarte rar acționând ca solist. Posibilitățile dinamice au permis pianoforului să stea într-un șir de instrumente solo, cum ar fi vioara și trâmbița, și să fie în centrul atenției în sălile de concerte ale Europei. Datorită faptului că pianul putea fi auzit acum nu numai în palatele nobilimii, cercul fanilor muzicii de pian a început să se extindă. Din ce în ce mai mulți oameni erau dispuși să plătească pentru a auzi acest solist sau acel solist. Acest lucru a cauzat nevoia de mai multe și mai multe lucrări pentru pianoforte, numărul compozitorilor care au câștigat recunoaștere grație muzicii de pian a crescut. În locul clasicismului vine epoca romantismului, când în muzică și în artă, în general, rolul principal a fost jucat de expresia emoțiilor. Acest lucru a fost exprimat, în special, în piesele de pian ale lui Beethoven și Schumann, Liszt, Chopin. Și aici, posibilitățile expresive ale pianului s-au dovedit a fi foarte utile. Lucrările de reglare a pianului cu patru mâini au devenit foarte populare în această perioadă, când de la pian, în același timp, au fost extrase până la douăzeci de sunete, generând noi culori. În perioada de romantism, pianul era un instrument popular pentru realizarea muzicii de casă. Iubitorii de muzică preferau pianul, pentru că au oferit ocazia de a interpreta melodia și armonie. Creșterea popularității pianului a dus la apariția pianiștilor, virtuozilor. Totuși, trebuie remarcat faptul că, în ciuda căderii popularității sale, cembalpul nu a dispărut deloc din scenă. Sunetul său delicat și astăzi puteți auzi la concerte de muzică veche. Compozitorii continuă să scrie muzică pentru acest instrument, ciobanii sunt produși în cantități destul de mari. Evident, apariția unui pian - un eveniment aparent nesemnificativ - a reprezentat un punct de cotitură în istoria artei. Această invenție a schimbat caracterul tuturor muzicii europene, care este o parte importantă a întregii culturi mondiale. În ultimii trei sute de ani, aproape toți marii compozitori au scris muzică de pian, iar mulți dintre ei sunt renumiți pentru lucrările lor de pian. Astăzi nu puteți găsi un muzician - fie un cântăreț sau compozitor, clarinetist sau violonist - care nu ar avea un pian în casă. În ciuda tinereții, pianul are un impact mai mare asupra societății în ansamblu decât orice alt instrument și trebuie să presupunem că slava lui este încă departe de apus.
Vygotsky, L.S. Psihologia artei. - M. Art, 1986. - 572p.
Garbuzov NA Natura zonală a auzului dinamic. muze. izd-vo., 1955.- 107 de ani.
Erzhemsky G.L. Psihologia conducerii: câteva întrebări legate de interpretarea performantă și creativă a unui dirijor cu un colectiv muzical. - M. Muzică, 1988.-80.
Articole similare
Trimiteți-le prietenilor: