În Evul Mediu pictura a devenit una dintre cele mai importante arte. Modificările din viața societății și noile tehnici au oferit artiștilor posibilitatea de a crea lucrări realiste, penetrante de umanism profund, care au fost destinate să facă o adevărată revoluție în arta vest-europeană.
La declinul erei romane de pictura, rolul secundar al picturii a fost atribuit. Dar odată cu apariția secolului al treisprezecelea, a început dezvoltarea rapidă a civilizației europene, deschizând noi perspective pentru artiști. Palate și castele nobiliare au fost decorate cu maretie fără precedent mai devreme, prospera Paris, Praga, Londra, orașul Italia și Flandra. Toate tablourile noi - la început numai pe subiecte religioase - au fost înspăimântătoare nu numai de aristocrați și miniștri ai bisericii, ci și de oameni de rând care ar trebui să-și facă bine. Odată cu răspândirea cunoștințelor, cererea de literatură seculară a crescut. Cele mai bune exemple de artă de carte, bogat decorate cu miniaturi, au fost destinate regilor și prinților și au fost create nu numai în mănăstiri, ci și de către artiștii profesioniști care aveau ateliere proprii. În ciuda poziției sociale destul de scăzute din viață, numele multor artiști și biografiile lor au devenit proprietatea istoriei.
Noile caracteristici
O nouă gamă de inovații religioase au contribuit la noua atitudine față de pictura. La începutul secolului al XIII-lea, altarele altarului au împodobit altarul, pe baza căruia s-au desfășurat servicii divine. A fost adesea format din două (diptych), trei (triptic) și mai multe pliante, dar a descris un singur grup de personaje sau o scenă. Foarte populară a fost imaginea unui donator (o persoană care a plătit pentru realizarea imaginii altarului și a sacrificat biserica sa), pe care sfântul patron îl reprezintă lui Madonna. Punerea în fața artist sarcini creative dificile, altarului, în același timp, a deschis noi oportunități pentru auto-exprimare în proiectarea spațiului altarului, pe care urma să facă obiectul atenției principale și sentimentele religioase ale turmei.
De asemenea, a apărut și înflorirea picturii în perete, în parte ca urmare a consolidării Sf. Francisc de Assisi Franciscani, pentru care au fost construite un număr tot mai mare de biserici. Cea mai potrivită modalitate de a le decora a fost pictura, deoarece crearea mozaicului a durat mult timp sau a fost considerată un lux inacceptabil pentru Ordin, mărturisind sărăcia și umilința.
O influență puternică asupra viitorului soarte a picturii a avut viața și activitățile Sf. Francis de Assisi (1182-1226). Iubirea sinceră a sfântului față de lumea vieții a ajutat contemporanii săi să realizeze frumusețea existenței pământești, iar din secolul al XIII-lea o nouă viziune asupra lumii a dominat pictura medievală. De acum înainte, artiștii, care nu refuză subiecte religioase, cu o plăcere evidentă au descris lumea materială și au creat într-o manieră realistă și umanistă.
Cultul imaginii profunde umane a Madonnei a avut, de asemenea, un puternic impact umanist asupra religiei și, de asemenea, asupra artei, unde acești subiecți au fost folosiți în mod constant.
Maestrii italieni
Multe dintre tendințele au provenit mult mai devreme în Italia decât în alte țări europene. Doi maestri ai secolului al 13-lea - Cimabue și Duccio - sunt în general recunoscuți ca fondatori ai tradiției realismului vizual în pictura, care a fost destinat să domine arta europeană până în secolul al XX-lea. Ambii descendenți la stânga celebră imagini altar, în cazul în care personajele principale sunt Madonna și copil.
În curând, ambii artiști au fost eclipsați de tânărul lor contemporan Giotto di Bondone (circa 1267-1337). El a fost primul dintre marii maestri florentini care au câștigat faima deșarte, obținând onoare și bogăție. Cu toate acestea, el a fost atât de înaintea timpului său încât multe dintre inovațiile sale au fost înțelese și acceptate de frații săi în perie doar după o sută de ani bune. Eroii săi de carne și sânge stau ferm pe teren, dar în același timp sunt capabili să se miște și să existe în mediul lor natural sau arhitectural și în spațiu cu un anumit indiciu de profunzime. Dar în primul rând înainte de noi trăim oameni care au sentimente și emoții profunde. Abilitatea uimitoare de a transporta toate nuantele experienței umane la făcut pe Giotto un mare artist dramatic.
În crearea panourilor sale, Giotto a aplicat tehnica picturii fresce inventată de italieni. Astăzi numim fresce ca picturi create în această tehnică și, în general, orice pictura în perete. Dar fresca originală este întotdeauna o pictură pe partea superioară a tencuielii proaspete, încă umedă, care servește drept grund pentru stratul de vopsea. Cuvântul foarte italian "frescă" înseamnă "proaspătă". Pe parcursul unei sesiuni a fost vopsită doar o parte a peretelui vopsit cu vopsele, pe care maestrul a avut timp să îl completeze pentru tencuiala încă neșcălită. Aici factorul de timp a jucat un rol decisiv, pentru ca pigmenții aplicați pe stratul umed al tencuielii au intrat într-o reacție chimică cu el, formând compuși stabili. Fresca uscată nu sa desprins și nu sa destrămat, păstrând pentru mult timp frumusețea și strălucirea culorilor. Datorită acestei pauză tehnică enormă după ce ani a fost creat cele mai mari capodopere ale picturii in fresca, inclusiv pictura Capelei Sixtine în perie Michelangelo Vatican.
Setarea adâncimii
Maeștrii, întâlniți întâi cu această sarcină, nu a fost ușor să creați iluzia realității scenei descrise. Aici, acesta este necesar nu numai transferul exact al contururilor externe, dar, oferind, de asemenea, cifrele de volum de corpuri reale, iar suprafața plană a picturii - adâncimea simțirea peisajului așa cum a fost pierdută în depărtare (este vorba despre arta perspectivei). Mai mult de o singură generație de artiști italieni au înălțat această tehnică, adesea distrați de soluția unor probleme cum ar fi crearea de ornamente decorative. Aceeași problemă trebuia rezolvată, iar maeștrii din restul Europei, la momente diferite, au avut o influență puternică a artei italiene.
Până la sfârșitul secolului al XIV-lea, pictorii care lucrau la curțile maeștenilor europeni au creat un stil de pictura mai mult sau mai puțin uniform, ceea ce se numește deseori artă gotică internațională. Reflectând atmosfera rafinată, departe de viața reală a vieții instanțelor, lucrările lor s-au deosebit mai degrabă de sofisticare și rafinament, decât de forța internă. Caracterele i-au dat poze grațioase și, deși perspectiva a fost adesea indicată doar printr-o sugestie, cele mai mici detalii ale anturajului au fost scrise cu precizie bijuteriilor.
Toate aceste trăsături, cu particularitate deosebită, s-au manifestat în manuscrise decorate în miniatură, făcute pentru ordinea familiilor autoritare. Cei mai cunoscuți maeștri ai acestui gen erau Paul Limburg și cei doi frați ai săi, care, după numai 16 ani (1400-16), au dispărut brusc din scena istorică. patron și clientul lor a fost un colectionar remarcabil si cunoscator de arta din epoca lui Jean Duce de Berry, fratele mai mic al regelui francez Charles V. Numele lui carte glorificat, cunoscut în istorie ca „Très Riches Heures du Duc de Berry“.
"Orele" își datorează gloria excelentelor miniaturi create pentru el de frații Limburg. Această lucrare, care a devenit adevărata coroană a muncii lor, a rămas neterminată în 1416, dar am ajuns la 12 miniaturi faimoase pe tema anotimpurilor. Acestea descriu scene de însămânțare, recoltare sau vânătoare, programate în acest sezon sau în acel sezon.
Aspectul vopselelor de ulei
În anii 1430. în Flandra contemporană, deținută de ducele de Burgundia (Belgia astăzi și Țările de Jos), a început să dezvolte un stil cu totul nou de pictură. Ca și Italia, Flandra era marginea orașelor prosperă. Din acest motiv, mulți atribuie un stil realist al artei locale, lipsit de aristocrație accentuată. Și, la fel ca în Italia, înflorirea picturii flamande a fost promovată de cele mai importante inovații tehnice - vopselele de ulei. Pisate cu pigmenti de ulei au fost semnificativ superioare în luminozitate a fost comună apoi la pictura in tempera, care a servit ca bază pentru gălbenuș de ou uscare rapida. Și dacă pentru a scrie rapciuga și de a crea picturi murale a trebuit să rapid, fără a intra în detalii fine, vopseaua de ulei ar putea aplica strat după strat, obținerea de efecte surprinzătoare pitoresc. De atunci, orice artist, care se străduia să perfecționeze, a preferat întotdeauna pictura în ulei.
Scoala flamandă
Fondatorul școlii de pictura flamandă a fost Robert Kampen, dar cel mai faimos dintre reprezentanții săi aparține următoarei generații. Primul dintre marii maeștri ai picturii petroliere europene a fost portarul neegalat Jan van Eyck (aproximativ 1390-1441). Cu ajutorul vopselelor de ulei, el a realizat o transmisie excelentă a jocului de lumină și umbre pe diverse subiecte.
Portretul celor patru Arnolfini, Jan Van Eyck
Un artist neobișnuit de talentat a fost și cel mai tânăr contemporan Rogier van der Weyden (1399-1464). Nu atât pese de detalii ca van Eyck, a preferat culori luminoase bogate, contururi precise și modelarea subțire de volume, creând propriul lor stil unic, capabil de a transmite o gamă largă de emoții - de la calm senină durere fără margini.
școala flamandă a dat arta nu de o generație de maeștri strălucitoare de pictură, și în timpul multor linii de secol XV inerente de a adopta artiști în toată Europa. Numai începând cu anul 1500 au fost înlocuite de un nou curent, câștigând treptat putere asupra lanțurilor alpine - Renașterea italiană.
Articole similare
Trimiteți-le prietenilor: