Arta moderna - cultura si arta

1. Modernitatea ca precursor al artei moderne

3. Nașterea și dezvoltarea artei moderne

Lista literaturii utilizate

Arta modernă în forma sa actuală a fost formată la începutul anilor 1960 și 1970. Aspirațiile artistice ale acelor timpuri pot fi caracterizate ca o căutare a alternativelor la modernism (adesea aceasta a dus la negare prin introducerea unor principii direct opuse modernității). Aceasta a fost exprimată în căutarea de noi imagini, mijloace noi și materiale de exprimare, până la dematerializarea obiectului (spectacole și întâmplări). Mulți artiști au urmat filosofii francezi care au propus termenul "postmodernism". Putem spune că a existat o trecere de la obiect la proces.







Sfârșitul anilor 1970 și 1980 a fost caracterizat de "oboseală" din arta conceptuală și minimalism și revenirea în interesul figurativ, color și figurativ (înflorirea unor astfel de mișcări ca "New Wild"). La mijlocul anilor '80, timpul de mișcare a mișcărilor care utilizează în mod activ imaginile culturii de masă-camping, arta satului East, câștigă forță în neo-pop. În același timp, înflorirea fotografiei în artă se întâmplă - tot mai mulți artiști încep să se refere la ea ca pe un mijloc de exprimare artistică.

Să analizăm în detaliu toate cele de mai sus.

1. Modernitatea ca precursor al artei moderne

Primele moderne, neobișnuite și, probabil, șocante arzătoare ale noilor tendințe în artă erau stilul Art Nouveau.

Creșterea strălucitoare Art Nouveau (ing. Și fr. Art Nouveau, acesta. Jugendstiel) a durat un pic mai mult de zece ani, dar la rândul său, din secolele XIX și XX a fost dominată de forme organice în toate tipurile de arte plastice si design.

În 1895, un autohton din Germania și un dealer de fotografii Samuel Bing au deschis o galerie de artă la Paris. Fiind expert și cunoscător al artei japoneze, el a deschis ușile la cele mai noi tendințe în șevalet și genuri aplicate și a numit creatia sa "Art Nouveau" - "New Art".

La prima deschidere, a fost afișată o bogată colecție de picturi, sculpturi, grafică, ceramică, sticlă de artă și mobilier, cu o varietate de stiluri. Cu toate acestea, pentru toată această diversitate, multe expoziții ale galeriei au avut două trăsături comune - respingerea tradițiilor realismului în favoarea exoticii simbolice și închinarea potențialului decorativ al biciuirii, ca și cum ar fi lovit un bici.

De la Renaștere, realismul a domnit suprem în arta occidentală. Maeștrii de neegalat de a crea iluzia spațiului tridimensional au fost considerați drept Caravaggio (1571-1610) și urmașii săi. În secolul al XIX-lea, publicul apreciază în imagini, în primul rând, o imagine fiabilă a realității, onorând cea mai înaltă laudă pentru fotografiile scrupuloase fotografiate ale unor astfel de maeștri precum Ingres (1780-1867). Chiar și rebelii împotriva academicismului strictual, impresioniștii au încercat un transfer extrem de precis la pânza percepțiilor lor senzoriale.

Omnipotența realismului a ridicat pictura de șevalet la poziția "regina artelor", împingând genurile decorative și aplicate în umbră, astfel încât artiștii cei mai talentați au gravitat spre ea. Drept urmare, artele aplicate și o ornamentație abstractă caracteristică s-au găsit în curte, iar la mijlocul secolului al XIX-lea, sa format un adevărat golf între pictorii de șevalet, care erau considerați adevărați artiști și stăpâni de artă decorativă, care au trăit în poziția de artizani.

Punctul de cotitură al acestei tendințe, care a jucat un rol decisiv în formarea modernității, a fost, de fapt, lucrarea unui om - William Morris (1834-96). Resimțit de gustul nefast al bunurilor de consum în masă, Morris credea că arta și ambarcațiunile sunt inseparabile, iar toate obiectele învecinate ar trebui să fie marcate de sigiliul artistului.

După ce a stăpânit profesia de cabinetmaker, suflantă de sticlă și imprimantă, Morris a fondat în anii 1860. ateliere, în ale căror produse s-a manifestat o fuziune creativă a artelor și meșteșugurilor. Morris însuși nu știa nici egal în crearea de ornamente pentru tapiserii și țesăturile de tapet, inspirându-se din motive de plante ale faunei sălbatice. Multe ornamente ale lui Morris sunt populare astăzi.

Unul dintre tovarășii lui Morris a fost Edward Burn-Jones (1833-98), al cărui stil decorativ a fost format sub influența prerafaeliților. Eleganța subtilă a țesăturii lineare Bern-Jones adoptată din manuscrisele iluminate medievale. Fiind o consecință directă a muncii maestrului în grafica cărții alb-negru, această manieră sa manifestat în mod clar în picturile sale, ale căror efecte ornamentale erau complet străine de academismul de atunci. Mișcarea artelor și a meșteșugurilor a avut o influență puternică asupra dezvoltării stilului Art Nouveau.

În alte părți ale Europei, fundațiile de artă au fost atacate de poziții complet diferite. Prin interogarea valorilor estetice ale impresionismului, artiștii din anii 1880-90. stropi pe pânza de idei și sentimente care le-au copleșit. De la evadarea realitatea vizibilă, aderenții simbolism și „Navi“ membri ai grupului umplut subliniat vopseluri dimensionale picturale dezordinilor spațiu vortex și cum ar fi Morris si Burne-Jones, utilizat pe scară largă din plastic bogăție model liniar.

Creativitatea Beardsley a creat furori în lumea artei, iar grafica lui linia ondulată a început să apară în lucrările unor artiști, designeri și arhitecți din întreaga Europă. Este în acest fel a creat picturi in miniatura olandezul Jan Toorop (1858-1928), în Vol. H. penetrat prin perturbarea simbolismul „Trei Miresele“ (1893), iar la Berlin norvegian Edvard Munch (1863-1944) a fost capabil să-și exprime abisul de mizerie și disperare în pictura "Scream" (1893).

În arhitectura unuia dintre cele mai strălucitoare reprezentanți ai noului stil a fost belgian Victor Horta (1861-1947), a aplicat la proiectarea de metode pentru a studia caracteristicile structurale ale sticlă și oțel într-o serie de vile construite de la Bruxelles, hoteluri și clădiri de birouri. Una dintre primele sale creații a fost conac Tassel, în cazul în care ritmul de musca, ca biciul de bici, linie transformă o simplă construcție a unei case de apartamente într-o compoziție artistică armonioasă. Pentru prima dată, care apare pe partea din față a motivului plantelor mobil trece prin lobby-ul pe scara principală, mărunțire pereți, tavane, parchet și parapet, repetând ecouri de piese turnate din fonta, muluri si picturi.







În casele lui Victor Horta, grafica liniară a lui Beardsley sa transformat în plastic organic de liane târâtoare. Acest stil a fost preluat cu succes de arhitectul parizian Hector Gimar (1867-1942), care a câștigat faima pentru proiectele stațiilor de metrou din Paris. Chiar și cei mai simpli dintre ei cresc din pământuri turnate din fontă, închizând arcuri deasupra intrării. Un bărbat cu o bogată imaginație va vedea în ele capuri uriașe de varză din sticlă și oțel. Asociații similare produc și multe alte clădiri ale lui Guimard din Paris, precum și mobilierul creat prin schițele și decorațiunile sale interioare.

Un alt lucru este interiorul și mobilierul. Forme mici și materiale mai maleabil inspirate de meșterii moderniste pe finisaje mai riguroase și bine gândite, și designeri, cum ar fi Henry Van de Velde (1863-1957), a creat modele spectaculoase de elemente de interior decor - birouri, sfesnice, lămpi și tacâmuri. Un astfel de zbor de fantezie neîngrădit nu era pe gust. Un adept al lui Morris, Walter Crane numit Nouveau „boală ciudată decorativ“, și multe găsit imagini grotești urâte Beardsley, Munch și grabă, forme exagerate de Guimard și Gaudi.

Asemenea probleme estetice nu au îngrijorat cel puțin pe Charles Rennie Mackintosh (1868-1928). În opera sa, partea japoneză extrem de restrânsă a modernității a fost expresia mai degrabă decât experimentele decadente ale lui Beardsley și ale urmașilor săi.

Împreună cu soția sa, Margaret McDonald, sora ei Francis și soțul sorei ei Herbert McNair, McIntosh a creat un stil rafinat, rece și simplu în arhitectură, decor și mobilier. "Cvartetul" a lucrat în principal în Glasgow, punând în aplicare proiecte precum "Willow Tea Rooms", ale căror pași sunt decorate în stil japonez, cu figuri feminine țesute în motive de plante stilizate pe un fundal monocrom plat. Aceleași motive rafinate ale plantelor se repetă în ferestre vitrate în formă de ușă, lămpi de mobilier și ceai, subliniate prin legături verticale de metal.

Cu o forță specială, acest stil sa manifestat în cea mai mare creație a Mackintosh - clădirea Școlii de Artă din Glasgow. Întregul său design este monumental dur și practic, fără a aduce aminte de formele organice ale lui Guimard și Gaudi. Cu toate acestea, aici din nou stilizate motive de plante apar în contururile de casting decorative.

Stilul rectilinie de Mackintosh și asociații săi au avut o influență puternică asupra activității pictorului austriac Gustav Klimt (1862-1918), probabil artistul cel mai consistent de Art Nouveau. În cel mai faimos pînza înconjurat Klimt a creat „cvartet“ model feminin figura pâlpâirea alungite de forme abstracte și vopsele multicolore cu reflexie metalică, ceea ce duce la perete de memorie policrom ceramică de Antonio Gaudi. Referindu-se la tehnica mozaic, Klimt a făcut un efect orbitor în picturi murale sale pentru Palatul Stoclet din Bruxelles (1905-1911).

Până în 1910, aproape toți titanii modernității au apelat la alte stiluri artistice, iar în locul lor au venit epigoane mediocre. Și totuși, în ciuda unui secol scurt, acest stil dinamic a avut o influență durabilă asupra artei, iar patrimoniul său arhitectural este încă plăcut pentru ochii noștri.

Stilul Art Nouveau înlocuiește Art Nouveau. Formele geometrice bizare de "ar deco" au fost ultimul cuvânt în proiectare în anii 1920 și 1930. Dispunând de lux și sofisticare, stilul Art Deco a influențat apariția aproape a totului - de la cutii de praf până la căptușeli oceanice.

„Art Deco“ sa născut în ajunul primului război mondial, când dominat de forme subțiri, flexibile, inerente în modernitate, sau „Ar nuzh“ (în franpuzski «Art Nouveau» - «nouă artă"). "Art Deco", cu liniile sale ascuțite și pline de dragoste, a fost, de fapt, opusul complet al modernității. Primele semne de schimbare au apărut în 1909, când baletul rus acționa la Paris cu triumf. , costume și decoruri pline de culoare Bold Leon (Leul) Bakst parizienilor a lovit și prins de couturier Paul Poiret, rapid a câștigat simpatia publicului. De-a lungul timpului, picturile cubiste și arhitectura modernilor au influențat și designul deja popular, făcând o tendință de modă spre linii simple și stricte.

Aceste tendințe, împreună cu dorința de după război pentru tot ceea ce este frumos și nou, a luat amploare în anii 1920, în stilul original al Art Deco. Principala caracteristică a acestuia a fost îndrăznețe forme, ordonat, luminos, de culoare curat și - cel mai important - materiale moderne, cum ar fi crom lustruit si plastic (de obicei, în timp ce bachelită). Plasticul a fost pictat în culori strălucitoare și, ca și cromul, a fost lustruit într-o strălucire. Suprafețele radiante netede au devenit unul dintre principalele semne de "art deco". Sticlă, țiglă, smalț, bronz și fier forjat au fost, de asemenea, utilizate pe scară largă. Produsele tipice realizate în acest stil au fost Panna, iluminat și obiecte personale, cum ar fi cutii pentru pudră, ceasuri de mână și cazuri de țigară.

Geometria „Art Deco“, pot fi urmărite în mai multe clădiri 1920-30, de exemplu, în forma și decorarea orizont (Empire State Building si Chrysler Building din New York) și sediul British Broadcasting Corporation (BBC Si) la Londra. "Geometria" a devenit, de asemenea, un semn distinctiv al modei. Eliberați din corsete, femeile au căutat să-și schimbe aspectul natural, să-și taie părul într-un izbitor și să facă bustul cât mai plat posibil. În plus, pălării în formă de hood, rochii drepte și fuste scurte au creat un efect vizual de creștere mai mare; chiar contururi clare și ruj îndrăzneț este aplicat sub formă de „arcul lui Cupidon“ poate fi privit ca o manifestare pură a stilului „Art Deco“.

Simbolismul strict "ar deco" a fost deosebit de eficient pentru unele tipuri de desen. Soarele și razele sale, fulgerările stilizate de zigzag de fulgere și obiecte în trepte (de exemplu, piramide) au fost folosite foarte des. Un nou bloc-geometric schiță a literelor a fost de asemenea nou, creând efectul tridimensionalității; deseori pe fațadele magazinelor, fabricilor și stațiilor de metrou, literele au fost executate în relief și montate separat unele de altele.

Astăzi lucrurile din stilul Art Deco devin colecții de expoziții rare și costisitoare, clădirile sunt reconstruite sau demolate, dar interioarele anilor 20 și 30 pot fi văzute în multe filme mai vechi. Chiar și fotografiile introductive, reprezentând logo-ul studioului, pot fi tipice "art deco" - de exemplu, un glob de sticlă rotativ și sistemul solar al companiei "Universal Pictures". Peisajul filmelor featuring Fred Astaire și Ginger Rogers - camere de hotel de lux, săli de dans, baruri cocktail - servesc drept exemple vizuale ale stilului. Clădirile în sine ale cinematografelor adesea sforăiește detalii ale interioarelor caracteristice ale acelei perioade.

Aceste afișe reflectă disponibilitatea călătoriei, precum și dorința de lux, viteză și tehnologie nouă, tipică pentru anii interbelici, când poluarea mediului prin transport nu a devenit încă o problemă globală.

, mașini simple elegant, trenuri, avioane și nave navale au fost stilistic destul în spiritul „Art Deco“, și în același timp transportul la scară de clase (niveluri de confort) a condus la mobilierul înflorirea cabina avionului, aburitoare compartiment de cabină și trenuri. elemente decorative, cum ar fi cifrele din manșoanele de mașini, sunt acum subiectul de colectare, precum și expoziții contemporane de „Art Deco“, puteți vedea de multe ori interior restaurat cu atenție și complet, cum ar fi o mașină de cale ferată.

Plăcerea experimentat din vecinătatea modernității și nostalgie, ajută la explicarea Aprofundat și nu se usuce și până astăzi farmecul „Art Deco“, rămâne unul dintre stilurile de design cele mai proeminente ale secolului XX.

Mai mult: Nașterea și dezvoltarea artei contemporane

Informații despre lucrarea "Artă contemporană"

Magnus Sharmanoff (1964) a încercat să prezinte în lucrările sale istoria artei finlandeze și occidentale în general. În fotografiile de producție reproduce lucrări clasice ale artei finlandeze sau subiecte din mitologia antică. Arta modernă a Finlandei sa îndreptat din nou spre grafică - atât tradițională, cât și în combinație cu fotografia. De asemenea, interesul publicului în desen este în creștere - expoziții.

avem încă o șansă să ne gândim la ceva mai puțin ciudat și obișnuit. În viață, dimpotrivă, suntem sortiți să fim loviți de neobișnuit. Funcția pe care Muzeul de Artă Modernă o îndeplinește astăzi - de a rămâne ultimul loc protejat cultural pentru comunicarea individuală cu normalitatea, plictiseala și mediocritatea de zi cu zi, presupune de asemenea că arta păstrează unele.

peisaj arhitectural și port de agrement ca o varietate de gen de peisaj). Există noi genuri sintetice (de exemplu, o combinație a unui gen domestic cu un peisaj, un portret de grup cu un gen istoric). Relevanța artei moderne. Este cauzată de rolul crescând al culturii și artei în condițiile societății postmoderne ca fiind cele mai importante mecanisme de auto-dezvoltare și auto-cunoaștere a unei persoane în ea.







Articole similare

Pagina anterioară

Pagina următoare

Trimiteți-le prietenilor: