În 1849, artistul sa stabilit la Barbizon și a trăit acolo până la sfârșitul zilelor sale. Tema vieții și naturii țărănești a devenit principalul lucru pentru Millet. Gravitatea muncii țăranilor, lipsa lor de hrănire și umilință, s-au reflectat în tabloul "Harvesters of urechi". Cifrele de femei pe fundalul câmpului sunt co-îndoite într-un arc scăzut - numai astfel încât acestea vor putea să colecteze urechile rămase după recoltare. Întreaga imagine este plină de soare și de aer. Lucrarea a provocat diverse evaluări ale publicului și critici, care au forțat-o pe maestru să se transforme temporar în aspecte mai poetice ale vieții țărănești.
Imaginea "Anzhelyus" a arătat că Millet a reușit să transmită în lucrările sale emoții subtile emoționale. Două figuri singuratice au înghețat pe câmp - soțul și soția, auzind soneria de seară, rugându-se liniștit pentru cei morți. Tonurile moi maronii peisajului, iluminate de razele soarelui, creează un sentiment de pace.
În 1859, conform ordinului guvernului francez, Millet a scris o pictură "Țăranul, un păstor Korovi". În dimineața geroasă, înghețul de la pământ, femeia urmează încet vaca, figura ei aproape dizolvată în ceața de dimineață. Criticii au numit această imagine drept un manifest al sărăciei.
La sfârșitul vieții, artistul, sub influența barbizonilor, a fost dus de mazăre. În "Peisajul de iarnă cu Voro" (1866), nu există țărani, ei au plecat de mult, abandonând teren arabil peste care cârnații se plimbă. Pământul este frumos, trist și singur. "Primăvara" (1868-1873 gg.) - ultima lucrare a lui Mille. Complet de viață și de dragoste de natură, strălucind culorile luminoase după ploaie, se termină cu puțin înainte de moartea artistului.
Mille nu picta niciodată picturi din viață. Îi plăcea să meargă prin pădure și să facă mici schițe, apoi din memorie reproduse motivul pe care îl plăcea. Artistul a ales culori pentru picturile sale, încercând nu numai să reproducă în mod credibil peisajul, ci și să realizeze armonie de culoare.
Abilitățile de pictura ale lui Jean-François Millet, aspirația fără înfrumusețare pentru a arăta viața satului, au fost paralele cu barbizoanele și artiștii de direcție realistă, care au lucrat în a doua jumătate a secolului al XIX-lea.
ONORE DOMÉ (1808-1879)
În Germania, la sfârșitul secolului al XVIII-lea. a fost inventat un nou tip de grafică - litografie (din greacă "litos" - "piatră" și "grafic" - "scriu", "vopsea"). Impresiile au fost efectuate prin transferarea cernelei sub presiune de pe suprafața plană a pietrei pe hârtie. Maeștrii ar putea folosi această tehnică să transmită multe nuanțe de negru, diverse lovituri și pete și, de asemenea, să simuleze perfect un desen creion și cerneală cu cerneală. Lituania a dat o mulțime de amprente clare și a stăpânit repede industria tipografică.
Daumier nu a primit o educație artistică sistematică, care nu la împiedicat să devină un maestru remarcabil al litografiei. În lucrările sale, el a denunțat ipocrizia, lăcomia și goliciunea spirituală a guvernului (Corpul Legislativ). Eroul constant al artistului a fost regele Louis Philippe, în toate desenele care amintesc de o pereche imensă lentă ("El nu mai este periculos pentru noi", "Noi toți suntem oameni cinstiți, îmbrățișăm"),
Litografie „Ultima întâlnire a foștilor miniștri“, descrie o busculadă Cabi-net de Miniștri al lui Ludovic Filip la vie de fete tinere - figurile alegorice ale Revoluției.
Pe litografia "Franța săracă! Trunchiul este rupt, dar rădăcinile sunt încă puternice. "Franța apare ca un copac înghesuit, cu o ramură îndoită de vânt. Rădăcinile sale ajung adânc în pământ, încercând să găsească sprijin în ea.
Recunoașterea a ajuns la onoarea lui Daumier după moartea sa. În 1901, Parisul a găzduit o mare expoziție personală a maestrului, care a arătat litografiile făcute în cei patruzeci de ani de muncă și picturi. Datorită realizărilor sale, tehnica litografiei a devenit răspândită în rândul maeștrilor francezi și europeni din a doua jumătate a secolului al XIX-lea.
În 1859, Manet a încercat să se arate la salon. El a oferit panza, dar "Absentul Lover" a fost respins de juriu. Fără a mai avea în vedere bunăstarea criticii oficiale, artistul a arătat în 1863 o serie de lucrări ale sale într-o galerie privată. "Lola din Valen-si," cântăreață pe stradă, "Muzică în Tuileries". Acest kaleidoscop al vieții umane a stârnit critici din definiția apreciată critic a unui "amestec pestriț de culori".
În anii 1863 și 1865, Manet a apărut în Salon două poze - "Micul dejun pe iarbă" și "Olympia".
"Micul dejun pe iarbă" - în poiana pădurii sunt bărbați în costume moderne. Vorbesc despre ceva, nu acordă atenție femeilor - goi, ședindu-se alături și alta, scăldând în pârâu. Pictura a provocat un resentiment puternic al publicului, conectat nu-prezent noutate otse cu care artistic NICK rezolvat pur pictural Reversul-chi - imagini cu figuri umane (inclusiv nud) în peisaj, transferul de culori luminoase clorhidric finit de zile. "Olympia" - o variantă pe tema multor compoziții ale vechilor maeștri dedicate frumuseții corpului feminin. Fata goală se sprijină pe pernă și cu îndrăzneală, fără urmă de jenă, privește privitorul. Imaginea expusă în salonul din 1865 a provocat un scandal.
În 1867, Manet și-a deschis propria expoziție în pavilionul de la Plaza de Alma - un fel de raport despre perioada de creație de zece ani. Orașul a devenit un motiv permanent al lucrărilor lui Manet. Mulțimea pariziană, străzile, studiourile, cafenelele și teatrele artistice - peste tot și în tot ceea ce a văzut o viață demnă de întrupare pe pânză. "Portretul lui Emile Zola", "Micul dejun în atelier", "Bal-con".
La sfârșitul anilor '60. creativitate Manet a atras tineri artiști, impresioniști - Edgar Degas, Claude Monet, Auguste Renoir etc. Stăpânul lui a devenit pentru totdeauna centrul vieții artistice. Influența impresioniștilor a făcut pe om să tragă în aer liber și să facă paleta mai strălucitoare. Dar el nu sa alăturat mișcării lor și și-a continuat propria căutare creativă. În anul primei expoziții a impresioniștilor (1874), artistul a lucrat cu Claude Monet în Argenti, pe malurile Senei. Aici au fost scrise cele mai vii, imagini însorite - "Argenti", "Într-o barcă". Manet a scris cu lovituri mari, sa certat pentru o structură clară a compoziției, claritatea imaginii.
Cu un an înainte de moartea sa, Manet a expus una dintre cele mai reușite lucrări - "Barul din Folies-Berger" (1882). În spatele barului, deasupra încăperii de viață a sticlelor și a fructelor, se ridică o mică fată tristă, ascultătoare, ascultarea clientului, care se reflectă în oglindă. Efectul uimitor al imaginii duble oferă imaginii un caracter mistic - pare să atragă ochii privitorului.
În lucrarea lui Manet realizările vechilor maeștri și contemporani sunt uniți și este desemnată una dintre direcțiile de dezvoltare a noii arte.
Impresionismul - direcția artistică care a apărut în Franța în ultima treime a secolului al XIX-lea. La rata pe care, „anonime societății xy dozhnikov, pictori, sculptori, gravori și lithographers“, înființat într-un magazin la Paris, în 1874, a fost reprezentat de o imagine a „Impression lui Claude Monet. Sunrise "(1872) - o vedere a portului, învelită într-o ceață roz, prin vălul din care apare soarele de dimineață. Cu mîna ușoară a criticului ziarului, cuvîntul de impresie "impresie" a dat numele creativității artiștilor care participă la expoziție.
Expoziția de impresioniști a fost prima provocare colectivă a artei academice oficiale, salonului, criticii și publicului conservator. Claude Monet Oscar (1840-1926), Camille Pissarro (1830-1903), Pierre-Auguste Renoir (1841 - 1919), Alfred Sisley (1839-1899), Edgar Degas (1834-1917) și alte câteva artiști au fost bine cunoscute publicului din Paris : deja aproximativ cincisprezece ani și-au demonstrat arta. În 1863, în salonul Les Miserables, Pissarro a fost expus împreună cu Eduard Manet. Zece ani mai târziu, oa doua expoziție, „De la angajamentul de a“ prezentat Dr. Bots Renoir si picturi de Monet, Pissarro si Sisley a aratat ca dealer an arta Paul Durand-Ruel. Contemporanii îi numeau pe acești artisti "rebeli", iar juriul salonului le-a respins în mod constant lucrările.
Una dintre cele mai importante reguli, urmate de impresioniști, a fost munca în aer liber. Mergând pe stradă pentru a întâlni lumina și aerul, Khu-dozhnik se află într-o situație complet diferită de cea a Maestrului. Aici contururile clare dispar, culoarea se schimba constant. Prin urmare, poți imagina doar o impresie formată instantaneu de culoarea și forma obiectului.
Rezolvând această problemă, impresioniștii au ajuns la o metodă complet nouă de pictură. Ei au refuzat din culori mixte, au început să picteze cu culori strălucitoare, aplicându-le dens în frotiuri separate. Tonul corect a fost realizat printr-un amestec optic de culori în timpul contemplarii picturii.
Opt expoziții de impresionism, care au trecut timp de doisprezece ani, au demonstrat exhaustiv diversitatea posibilităților pentru o nouă direcție în artă.
La prima expoziție de impresioniști din 1874, Claude Monet a arătat nu numai renumitul "Sunrise", ci și alte pânze. "Bulevardul Capucinok" (1873) - o privire casual, aruncată de artist de deasupra ferestrei către mulțimea zgomotoasă care umplea bulevardul. O umbra densa de albastru, aruncata inainte, face stralucirea stralucitoare a strazii si radiaza caldura. Auguste Renoir, printre altele, a expus fotografia "Lodge" (1874), asemanatoare cu opera lui Edward Manet. O doamnă frumoasă se uită trist la spectator, în spatele ei un bărbat într-o cocină examinează publicul în binoclul teatral. Pânza "Dancer" (1874) a aceluiași autor a fost mai ușoară și mai directă. Figura argintie roz a fetei aproape se dizolvă în aer. Aici au fost prezentate și lucrările altor impresioniști și artiști din cercul lor, inclusiv Paul Cezanne.
A doua expoziție, înființat în 1876 Durand-Ruel, într-o singură cameră erau lucrări de Monet, Renoir, Alfred Sisley, printre care se afla pe panza „la inundatiile din Port-Marly“ (1876). Humid atmosferă tulbure zi, nori umed grele atârnate deasupra apei, reflexia, ondulații podornutye copaci zheniya și case sub perie maestru convertite în nuanțe mnogochis-lennye de maro, albastru și galben st. În altă încăpere s-au găsit lucrările lui Edgar Degas și Camille Pissarro, reflectând două poli artistice de impresionism. Pictura "Clasa de balet" (1875) Degas este tărâmul mișcării nesfârșite. Rama taie cifrele dansatorilor. Acest lucru întărește sensul unui aspect care pentru un moment se oprește la acțiunea care are loc în sala de repetiție. „Peisaj cu copaci mari“ (1875) Pissaro la minte este umplut cu lumină naturală și aer, care se dizolvă trunchiuri de copaci și figura unei femei.
Aici, prima serie de picturi de Claude Monet (opt picturi), pe care el a numit „Gare Saint-Lazare“ (1877) a fost expus. Artistul și-a stabilit o sarcină dificilă - de a surprinde momentul pe panza de iluminare schimbătoare în același loc. Nori de abur, involburate-Xia în stația spațială, învelirea ghiduri, locomotive și oameni-Esja culcat la pământ pe teren, umplut cu lumina si absoarbe toate culorile elementele-Bame zhayuschih, oțel live scrib motivul principal al picturilor. Degas a arătat o imagine a „Absinthe“ (ochi-lo 1875-1876.) - stadiul de viața de zi cu zi din cafenelele pariziene sărace și Pissarro expuse peisajului „Red Roofs. Satul Ugolok în iarnă "(1877).
Renoir si Sisley nu au participat la a patra expoziție impressionis-ing în 1879 și a schimbat numele asociației: în loc de IMPRESS-INSM înapoi vechea termenul - „independent“. Monet a arătat aici o imagine florală a "Montorgay Street". 30 de vacanță UW-Nya 1878 "(1878), Pissarro - pictura de argint transparent" Drumul sub copaci "(1877), Degas - locul de muncă" Miss La La la Circ Fernando „(1879), pe care descrie acrobatul, înălțându-se în lumini puternice sub cupola circului.
Renoir a obținut pentru prima dată succes în salon, prezentând acolo "Portretul doamnei Charpentier cu copiii" (1878). Artistul a reușit întotdeauna să ilustreze copiii. Compoziția frumos aranjată, căldură și lumină radiantă, lipsită de extravagant excesiv, satisfăcea pe deplin gusturile publicului parizian. Renoir a intrat în societatea seculară și a început să câștige popularitate.
expoziție a șaptea, a avut loc în 1882, a fost ultimul, când au fost împreună-pressionisty (Degas expuse refuzat). Amplasat într-o singură locație, hărți ale HN diferiți artiști au fost remarcabil de similare - aceasta a fost ultima stropire luminos direcție TION, unii membri din care au absorbit cele mai bune realizări ale reciproc. Criticii admirat mării cer peisaje Monet, panza „mac“ (anii '80.), Și a vorbit despre „viziune vindecarea,“ sa, care „este acum izbitor surprinde toate fenomenele de lumină“. Ei nu și-au dat seama că artistul a fost "vindecat" nu de artist, ci de ei înșiși.
Pictura lui Renoir "O fată cu un fan" (1881) a câștigat toată lumea mândria și imediatea modei. Pissarro a prezentat mai multe scene de gen în peisaj. In cei pa-bots, o noua tehnica de a toruyu-numita „Pissarro tricotate“: Artistul aplică o serie de accidente vasculare cerebrale dense, drepte, paralele, uneori străbătând-le pentru a forma o plasă de orez-NOC. Sisley, pe de altă parte, a scris linii subțiri înclinate care păreau virgule ("Luene lângă Marea", 1881). Fratele Edward Manet a exprimat o opinie comună: ". Expoziția din acest an este cea mai bună organizată de grupul dvs. "
În anul următor la Paris, expozițiile solo au avut loc de Monet, Pissarro, Renoir și Sisley. Au primit răspunsuri pozitive de la critici și au atras atenția cumpărătorilor. Impresioniștii s-au obișnuit, în ochii publicului, că artiștii au încetat să mai fie rebeli.
Cea de-a opta expoziție a impresioniștilor din 1886 a fost organizată de Edgar Degas. Monet, Renoir și Sisley, ofensați de faptul că nu li sa permis să o pregătească, au refuzat să participe. Degas a prezentat pasteluri numite "O serie de femei goale care înoată, se spală, șterg, freacă, pieptenează sau își dau un pieptene". Imaginile sunt similare cu cadrele revistei de știri - momentele vieții ascunse de ochi, misterioase și de zi cu zi în același timp. Stăpânul a reușit să realizeze unitatea liniilor expresive și a culorilor. Evenimentul expoziției a fost pictura așa-numitelor neoimpresioniști
* Pastel (pastel francez) - creioane colorate de praf kra-juicy fara cadre; desen sau pictura efectuată de ei.
Georges Seur și Paul Signac, similare cu mozaicurile. Lucrările lui Paul Gauguin au fost prezentate.
Această expoziție a fost ultima. Pe ea au apărut mulți maeștri noi, al căror stil era deja în afara limitelor impresionismului. Istoria mișcării sa încheiat, viața sa a început în istorie. Pe urmele lui impressionis-ing a mers generație următoare xy-dozhnikov: neoimpresionistii și post-impresioniști, a căror talent a fost pe deplin manifestat în două în ultimele decenii ale secolului al XIX-lea.
Articole similare
Trimiteți-le prietenilor: