Ajungem la următorul aspect al actului creativ, indicat în întrebarea: cine sau ce participă la această întâlnire intensivă? O întâlnire este întotdeauna o ciocnire a doi poli. Polul subiectiv este persoana însuși în procesul creativității. Dar ceea ce în această legătură dialectică servește drept pol obiectiv? Deși acest lucru poate părea prea simplu, aș folosi următoarea formulă: este o întâlnire a unui artist sau a unui om de știință cu lumea. În acest caz, nu înțeleg lumea ca pe un mediu, "întreaga sumă" a lucrurilor; nu este vorba despre un obiect care se află în jurul unui subiect. Lumea este un set de legături esențiale în care o persoană trăiește și trăiește. Nu există nicio îndoială că există o realitate obiectivă, dar nu atât de importantă. Pacea și omul sunt întotdeauna interconectate. Între lume și "Eu" și între "Eu" și lumea există un proces dialectic constant; una afectează cealaltă, iar una nu poate fi înțeleasă dacă nu este luată în considerare cealaltă. Din același motiv, creativitatea nu poate fi niciodată definită ca un fenomen subiectiv; Nu poate fi cercetat decât prin prisma a ceea ce se întâmplă în om. Polul obiectiv este o parte integrantă a procesului creativ. Ceea ce se manifestă ca creativitate este întotdeauna un proces, un proces sau mai degrabă un proces în care se realizează interrelația dintre individ și lume.
Felul în care artistul merge să întâlnească lumea, vedem în lucrările fiecărui pictor cu adevărat creativ. Din mai multe exemple posibile, voi alege bine-cunoscut expoziție de picturi de Mondrian, care a avut loc la Muzeul Guggenheim din New York # 8209; New York, la sfârșitul anului 1957 - începutul anilor 1958 a lui. Din primele lucrări realiste în 1904 și a lui 1905, iar mai târziu la forme geometrice, dreptunghiuri și pătrate treizeci de ani urmărite încercarea de a găsi forma ascunsă a obiectelor prezentate, în special copaci. Părea că iubește copacii. În imagini, din 1910, copaci, care se uita la început ca un Cezanne, mai mult și mai aproape de esența lor ascunse: buturuga crește organic din pământ, care sunt rădăcinile; rătăcite ramuri groase se întind spre alți copaci și în sus, sunt pictate în maniera și stilul cubismului. Aici este bine ilustrat faptul că pentru majoritatea dintre noi este chintesența copacului. În lucrările de mai târziu, vom vedea cum Mondrian încearcă să pătrundă mai adânc în „forma originală“ de natură în picturile sale sunt mai puțini copaci și forme geometrice mai atemporal ca forma originală a universului. În cele mai recente lucrări, el preferă în mod constant pătrate și dreptunghiuri, care sunt deja o formă de artă abstractă. Impersonal? Probabil. Individul "Eu" a fost pierdut. Dar nu reflectă cel mai bun mod posibil lume Mondrian - lumea douăzeci și treizeci de ani, lumea a dat naștere fascismului, comunismului, conformismul, militarismul, o lume în care individul este nu numai propriile lor sentimente, dar, de fapt a pierdut, înstrăinat de natură, de la alte persoane și de la tine. Pictura lui Mondrian exprimă forțele creatoare ascunse în această lume, acceptându-le, în ciuda "pierderii" personalității. În acest sens, munca sa este o căutare a principiilor individualismului, datorită cărora ar fi posibil să se reziste tendințelor anti-umaniste în societate.
Este absurd să credem că artiștii descriu pur și simplu natura, anacronice "fotografiind" copaci, lacuri și dealuri. Natura este pentru ei un mediu, o limbă prin care își deschid lumea. Sarcina artistului adevărat este să sublinieze fundamentele psihologice și spirituale ascunse ale legăturii lor cu lumea; astfel încât în lucrările marilor pictori se exprimă starea emoțională și spirituală a unui om din epoca sa. Dacă doriți să înțelegeți spiritul psihologic și spiritual al unei perioade istorice, este bine să cunoașteți temeinic și cuprinzător arta acestei perioade.
Este în artă faptul că spiritul unei anumite epoci este exprimat direct prin simboluri. Și nu este faptul că artiștii își edifică moralizarea sau înclinația propagandistică. Dacă ar fi așa, atunci aceasta le-ar afecta expresia creativă și legătura cu nivelele de cultura inexpuse, "inconștiente" ar fi rupte. Artistul este capabil să descopere semnificația ascunsă a fiecărei epoci, deoarece în natura artei artistul întâlnește o întâlnire intensă și plină de viață cu lumea. Unul dintre exemplele cele mai remarcabile ale unei astfel de întâlniri a fost expoziția de lucrări a lui Picasso din New York, în 1957, în cinstea celei de-a șaptesprezecea aniversări a artistului. Înzestrat cu mai mult temperament decât Mondrian, Picasso este parexellența timpului său. Deja în opera sa timpurie, din 1900, puteți vedea un talent mare. Imagini puternice și realiste ale țăranilor și ale oamenilor săraci, desenate în prima decadă a acestui secol, vorbesc despre reacția sa pasională față de suferința umană. În lucrările sale ulterioare, vedem o reflectare a spiritului din următoarele decenii.
De exemplu, în anii '20, Picasso a portretizat figurile grecești clasice de "călători pe plajă". Deasupra acestor picturi este spiritul de evadare. Dar nu a fost 20 de ani, primul deceniu după primul război mondial, într-adevăr o perioadă de evadare în lumea occidentală? La sfârșitul anilor douăzeci și începutul anilor treizeci, aceste figuri de baieti sunt înlocuite cu bucăți de metal, mecanisme, oțel gri, albastru curbat. Este foarte frumos, dar impersonal, fără suflet. Având în vedere spectacolul de imagine, ne aflăm dintr-o dată în strânsoarea un semn sinistru, avertizând despre vremurile în care oamenii devin obiecte impersonale cu numere de serie, de timp, care marchează dominația „om # 8209; un robot.“
Apoi, în 1937, a creat un mare „Guernica“, o cifră pe care am risipit, la distanță unul de altul, toate înmuiate în culori pure alb, gri și negru. Acest tablou exprimă durerea și furia lui Picasso au protestat împotriva planurilor naziste barbare bombardeze orașul Guernica în timpul Revoluției Spaniole. Dar aici există un înțeles mai profund. Aceasta este una dintre cele mai puternice simboluri ale atomizare, fracționate omului modern fragmentarizatsii, această predicție conformismului, de goliciune și disperare. În anii treizeci și patruzeci, portretele lui Picasso devin mai robot, oamenii devin literalmente metal. Fețele devin neformate. Se pare că persoana a încetat să mai existe; Locul ei a fost luat de monștri dezgustători. Fotografiile nu mai au nume - ele sunt pur și simplu numerotate. Culorile strălucitoare pe care artistul le-a folosit în perioada anterioară și care erau atât de delicioase, acum aproape au dispărut. În sălile de expoziție unde se află aceste picturi, vă simțiți ca și cum la amiază întunericul a coborât la pământ. Ca și în romanele lui Kafka, există un sentiment deprimant al pierderii totale a omenirii. Când am examinat mai întâi această expoziție, am fost atât de copleșit de imaginea profetică a unui om care și-a pierdut fața lui, personalitatea și umanitatea, precum și estimarea sosirea erei de roboți care nu se mai putea uita la ea și a trebuit să plece în grabă sala și ieși.
Poate că tot acest timp Picasso și-a salvat sănătatea mintală prin "joc" în pânze și sculpturi care ilustrează copii și animale. Cu toate acestea, este clar că scopul principal al artei sale este acela de a reflecta spiritul erei moderne, care în psihologie a făcut Rysman, Memford, Tillich și alții. În general, acesta este un portret de neuitat al unei persoane moderne, care este în proces de a-și pierde personalitatea.
În acest sens, adevăratul artist este atât de strâns legat de timpul său încât, în afară de acest timp, este incapabil să comunice. În acest sens, situația istorică determină creativitatea. Prin urmare, un nou nivel de conștiință găsit în procesul creativității nu este extern <.> percepția obiectivă, dar o întâlnire cu un nivel de înțelegere în care divizarea într-un subiect și un obiect nu are importanță. Dacă formulam definiția noastră într-un alt mod, ar putea suna așa: "Creativitatea este o întâlnire a unei persoane profund conștiente cu lumea sa".
Articole similare
Trimiteți-le prietenilor: