Text: Maria Mikantieva
Un fragment din filmul despre Jackson Pollock "51", (1951)
Istoricul de performanță adoptat de futuriștii plumb (cu condiția ca în performanța futurista timpurie a fost mai șocant decât arta în sine) sau de către dadaiști cu Cabaret Voltaire lor. Primul se lupta cu inerția obtuz și altfel provocat un public respectabil, vin la seara futuriste (fondatorul Futurismul, Filippo Tommaso Marinetti a sugerat, de exemplu, pentru a vinde bilete mai mult decât camera poate găzdui, strat scaun cu clei și se toarnă pudra lor, provocând mâncărimi și strănut).
Acesta din urmă sa opus războiului - a fost prima lume - și, nu doresc să folosească mijloacele tradiționale de exprimare (pentru unii nu sunt pur și simplu în măsură să descrie groaza de ceea ce se întâmplă, în timp ce alții s-au mutat la serviciul propagandei militariste), aranjate într-un mic teatru în reprezentarea elvețiană neutră cu recitarea „lipsit de sens“ poezie, piese de teatru obscen și interpretarea muzicii de zgomot. In 1920, am preluat ștafeta de performanțele suprarealiste fantasmagorice (aici este de remarcat Jean Cocteau, Alfred Jarry, Antonin Artaud) și participanții la „Bauhaus“, a studiat mecanica de balet - și totuși cea mai mare parte a experimentelor lor respective teatru.
Prima reprezentație în sensul modern al cuvântului este adesea numit executarea piesei lui John Cage „4'33“ „(1952) - este important ca acesta sa realizat: Exit pianistului, așezat în fața sculei, pus pe un suport muzical note, publicul a înghețat în anticiparea primele acorduri în pictură. apoi a luat amploare pictura acțiune - Jackson Pollock, Willem de Kooning și alți artiști a fost convertit în procesul de prezentare a crea picturi abstracte în Europa și Yves Klein a experimentat cu „antropometrie.“ - lucrări create cu participarea organismelor umane, în același timp, -. în 1955-lea y - filosoful britanic al limbii J. L. Austin a inventat și a introdus utilizarea cuvântului „performativă“ pentru a descrie situațiile care nu raportează nimic, dar creează o nouă realitate.
Diferența dintre acțiune, întâmplă și performanță este destul de arbitrară,
deoarece una dintre proprietățile artei -
frontiere iluzorii
Până în anii 1960, arta occidentală sa maturizat pentru un "turn performativ" - ștergerea largă a limitelor dintre diferitele forme de artă și apelul lor la forma piesei. Aceasta a fost parțial datorită răspândirii ideilor stângi (criticii capitalismului au apreciat performanța pentru faptul că nu pot fi vânduți, spre deosebire de o pictură sau sculptură), în parte pentru că arta primei jumătăți a secolului al XX-lea, a eliminat în mod constant necesitatea de a descrie și de a crea ceva, astfel încât artiștii să poată lucra acum cu experiențe și comunicări subiective, plasând spectatorii în situații speciale special create. Anii 1960 - timpul spectacolelor mișcării Fluxus, acționismul de la Viena și primele întâmplări ale lui Allan Caprou, adică tot ceea ce este acum considerat un "clasic al genului".
Diferența dintre acțiune, întâmplări și performanțe mai degrabă arbitrare, pentru că una dintre proprietățile artei - natura iluzorie a frontierelor, care sunt în permanență supuse încălcări și revizuirea (și, prin urmare, orice definiție există atâta timp cât nu va fi contestată). Dar, în ordine, de la un început de ceva, putem fi de acord că acțiunea - este în primul rând un gest de indraznet, radical explodează de zi cu zi, schimbarea percepției care afișează arta din muzeu si galerie ghetoul. Performanță - mai multă cameră, intimă, care necesită de la audiență un anumit eveniment, adesea asociat cu testul posibilităților corpului uman și experiența spirituală. Acțiunea poate fi comparată cu un slogan, performanța - cu un spectacol sau un ritual. Happeningul este similar cu un joc: este crearea unei situații absolut aleatorii fără un plan clar pe principiul "Ce se întâmplă dacă. “.
Confuzia termenilor este clar văzută în exemplul acționismului vienez: prin acțiuni, participanții la mișcare numesc ritualuri complexe în etape, cu elemente ale misterelor religioase. Dacă, totuși, acțiunea este considerată o acțiune care are mai degrabă un caracter "poster", atunci, ca exemplu izbitoare, pot fi citate câteva lucrări ale unor artiști ruși făcuți în estetica unui discurs politic. De exemplu, grupul "Nest" în timpul acțiunii "Demonstrație". Arta masei "(1978) a mers de-a lungul străzii cu un banner roșu și alb, care, în loc de slogan, era un fragment al compoziției abstracte a artistului Franz Klein" Accent Grave ". "Au mai avut probleme mai târziu", își amintește criticul Catherine Tar, "dar acțiunea era, de fapt, în esență nepedepsită. Și aceasta înseamnă că principala sarcină artistică conceptuală a fost rezolvată - pentru a se evita interpretarea lipsită de ambiguitate și a pune în discuție toate semnificațiile ".
În 1982, artistul Josef Boyce și-a început cea mai mare acțiune: de câțiva ani a planificat să aterizeze în Kassel 7 mii de stejari, însoțind fiecare steloi de piatră. Această acțiune poate fi văzută ca un răspuns la urbanizarea rapidă ca o modalitate de a afecta starea prin arta (artistul a trebuit să se confrunte cu politicieni de opoziție) ca „poartă frumusețe maselor“, și în cele din urmă, ca o modalitate de a crea noi relații între oameni (regizorul Georg Genaux a reamintit că Planul lui Boise a ajutat la reconcilierea a doi vecini care nu mai vorbeau de mai mulți ani - s-au alăturat acțiunii ca voluntari și au plantat un stejar împreună).
Reenaktment
Documentare și reperformanță
Acțiunea a fost mai mult o parodie, dar artistul și cercetătorul de performanță Liza Morozova, care a fost prezent la club, a atras atenția: "Pentru fată ucraineană a fost o performanță reală. O mult mai abruptă decât pentru Abramovici, pentru că ea era deja în timpul Bienalei de la Veneția deja arsă și frenetică și tocmai a jucat tema, a ilustrat-o. Tânărul interpret a păstrat de asemenea fiecare os ca un copil - tremurător, ca și cum leagăn, meditând pe ea cu o perie - absolut absurd și nu funcțional, așa cum a fost conceput, acțiune. Cred că în această privință era mai aproape de frumoasele heroine ale lui Pina Bausch, care sunt în permanență într-o stare de neliniște existențială: dragoste, disperare și speranță în același timp. Dar pentru a percepe, pentru a vedea, a fost necesar. stați la doi metri distanță și țineți cont de ceea ce se întâmplă. Să urmeze expresia sinceră, sublimă și pură a chipului fetei (cred că Abramovici nu a avut o astfel de expresie în copilărie) ".
12 ani mai târziu, același lucru făcut de grupul „ETA“, numai de data aceasta în Piața Roșie, cu taxele în participantul secundar al acțiunii „ET“ Anatoli Osmolovsky a răspuns categoric: „Faptul că grupul“ Amanita „deja am făcut ceva de genul asta, în opinia noastră, nu numai că nu [cota] valoare desființa, ci dimpotrivă, dă o mare simbolism - ceva ce folosit pentru a fi fabricat în zăpadă trei oameni în pădure, manifestat într-un loc public și a provocat un scandal politic. Cu acest gest, sa manifestat o regulă postmodernă standard: valoarea principală a artei contemporane este tocmai locul și timpul găsit, și nu noutatea formală ".
Yves Klein "Antropometria perioadei albastre" și "Pictura în foc", (1960)
Un act performativ este întotdeauna un act fizic. Corpul este atât un instrument cât și un material; creează o situație care pune în aplicare un fel de violență asupra ei (nu neapărat fizică, deși uneori ajunge la rău corporală). Corpul poate fi îmbrăcat sau gol, sexualizat sau nu, întreg sau deteriorat, activ sau pasiv, puternic sau slab, cu accent pe fiziologie sau capacități funcționale. Corpul poate fi obiectul central al operei, dar chiar și atunci când performanța sau acțiunile sunt dedicate temelor departe de corp, corpul este încă prezent și afectează percepția spectatorului.
Primii care au înțeles acest lucru au fost Yves Klein și Piero Manzoni. Klein încă la sfârșitul anilor 50 a făcut lucrarea din amprentele corpurilor umane pe pânză (amprentele, desigur, au fost făcute de "International Blue Klein"); Manzoni, în prezența spectatorilor, și-a pus semnătura pe cadavrele modelelor goale, transformându-le în sculpturi vii, și a sugerat că oricine dorea să devină opere de artă, stând pe "piedestalul magic".
artiști
Yoko Ono "Taie o piesă", (1965)
"În spectacol există un sentiment că sunteți aici și acum împărtășiți acțiunile cu spectatorul. Acest sentiment nu este în nici un alt fel de artă ", - a remarcat într-unul din interviuri artistul Gluklya (grup" Fabrica de haine gasite "). Publicul este o parte obligatorie a spectacolului sau a acțiunii, dacă nu în momentul evenimentului, apoi cel puțin ulterior (totuși, ei primesc doar documentația - totuși, în acest caz artiștii abordează documentația în special în mod responsabil).
Spectatorii pot fi participanți cu drepturi depline în cadrul acțiunii - de exemplu, celebrul performanță de Yoko Ono «Cut Bucata» (1965) a fost că prezenta unul câte unul apropiat de artist și tăiat bucăți de rochia ei (cu atât mai mult - cu atât mai mare și mai mare). Ei pot interveni în mișcarea sa - cum sa întâmplat, de exemplu, cu Josef Boise în timpul acțiunii "Kukei, jakpee - Nein. Braunkreuz, Fettecken, Modellfettecken "(1964), când cineva a spart nasul artistului pe motiv de dezacorduri politice.
Cu toate acestea, chiar și atunci când rămân observatori indiferenți, spectatorii formează o comunitate specială - nu există pentru mult timp, doar în timp ce performanța durează, dar tot acest timp există relații speciale bazate pe experiența împărtășită.
realitate
FOTOGRAFII: Getty Images
Citiți de asemenea
O poveste proastă: De ce știm atât de puțini artiști?
Cum supermuseum-urile au schimbat arta contemporană
10 prelegeri care vă vor ajuta să înțelegeți arta secolului al XX-lea
8 prelegeri pentru a vă ajuta să înțelegeți arta clasică
Artistul Milo Moire a fost arestat în timpul spectacolului din Londra
Articole interesante
Pentru doamne frumoase: Cum "Matilda" sărbătorește patriarhia
Artistul lui Popescu: Cum au învățat Malikov și Galkin rețelele sociale și au câștigat
"Cazul lui Weinstein": Cum actrița a fost condusă de producătorul principal al Hollywood-ului
Trimiteți-le prietenilor: