Cele mai importante tendințe ale modernismului, care au influențat cursul și dezvoltarea artei secolului al XX-lea. includ Cubismul, Abstract Art, Dada, suprarealism, arhitectura kostruktivizm, dodecafonie și muzică aleatorii. Influența decisivă asupra dezvoltării literaturii a fost dată de lucrările lui J. Joyce și M. Proust. O atenție deosebită este acordată în continuare impresionismului ca primă etapă în formarea modernismului. Deoarece cubismul și arta abstractă sunt bine cunoscute, ele nu sunt considerate în mod special.
Chiar și o scurtă descriere a principalelor tendințe și școli ale modernismului face posibilă vizualizarea eterogenității sale interne și, în același timp, simțirea unității sale interioare profunde.
Este, bineînțeles, necesar să se ia în considerare faptul că cultura artistică a secolului trecut nu se reduce doar la modernism. Împreună cu el, există, de asemenea, o artă, continuă tradiția culturii anterioare, în special tradițiile realismului, și un tip intermediar de fenomen, care leagă modernismul cu formele de artă tradițională. Până la începutul anilor 30. există, de asemenea, complet diferit de modernism, putem spune opusul artei, arta unei societăți închise.
impresionism
Impresionismul este pragul modernismului. Acesta este începutul mișcării artei de la imaginea obiectelor exterioare la imaginea sentimentelor unei persoane și apoi la imaginea ideilor sale.
Impresionismul (din impresia Impresie - impresie) este o tendință în artele vizuale, literatura și muzica de la sfârșitul secolului XIX - începutul secolului XX. A format în pictura franceză de 60-70 de ani. Secolul al XIX-lea. Numele curentului a apărut după prima expoziție de artiști în 1874, pe care a fost expusă pictura lui K. Monet "Impression, Sunrise". Miezul primului grup de impresioniști au fost O. Renoir, K. Monet, K. Pissarro, Sisley, Degas și alții.
Actualul Romantismul semn de iod, nu sa rupt complet impresionismului departe de acesta din urmă nu este ideal. Pe impresioniștilor au avut un impact direct sau indirect, a unor astfel de idei ale romantismului, ca o renunțare la normele și legile în artă, o proclamație îndrăzneață a libertății principale și numai dreptul său, emanciparea deplină a sentimentelor, o introducere în arta noțiunilor de timp și de mișcare, ideea de independență și individualismul artistului, ideea romantică a completitudinea operei de artă, idei referitoare la om, creativitate, frumusețe și urâțenie etc. Impresionismul era mai sobru decît romantismul, dar în spatele acestei sobrietă exista încă un fundal romantic.
Impresionismul este șubredă și sistemul de telefonie mobilă, compusul romantismului și „naturalismul“ a minții și sentimentele subiective și obiective, poezie și știință, libertate și de drept greu, impuls nestăpânit și limitarea domeniului său de aplicare.
Una dintre sursele care au hrănit impresionismul a fost gravura japoneză de culoare, prezentată în 1867 la Paris. În acest lucru nu este nimic ciudat: chiar și romantismul din nou (după rococo) a atras atenția europenilor către Est. Fascinația cu arta japoneză a fost atât o modă, cât și una dintre semnele timpului, reflectată în gustul erei. Baudelaire, Goncourt, Manet, Degas, Whistler au fost primii cunoscători și colectorii de japonezi printuri, kimonouri, ventilatoare, porțelan. Potrivit Ya Tugendhold în imprimeuri ns japoneze au fost perspectivă geometrică liniară, care a predat Academiei Europene - dar au avut perspectivă aeriană, au transmis în flux raze ale soarelui, vartej ceață dimineața plutit nor blând de abur și fum. În primul rând, japonezii au înțeles instinctiv că natura nu este o colecție de corpuri, ci un lanț nesfârșit de fenomene în continuă schimbare. Ei au fost primii care au descris seriile întregi ale aceluiași peisaj sub iluminare diferită și în diferite momente ale anului. Acestea au fost "100 de specii de Muntele Fuji" Hokusai, "53 de specii de stație Tokaido" Hirosige. Academia a învățat să construiască pista, ca și în cazul în care artistul le portretizat contemplat scena, stând în balconul unui ro fata de teatru și văzând-o în linii orizontale. Japonezii au interpretat compoziția ca și cum artistul ar fi persoana care acționează în scenă descrisă. De aceea au tendința de a avea linii înclinate deasupra liniilor orizontale; de aceea, în prim-planul lor, există adesea o ramură înflorită sau alt detaliu, care ascunde întregul, deși armonios legat de el. Pe exemplul japonezilor, artiștii francezi au înțeles frumusețea asimetriei, farmecul de surpriză, toată magia subestimării. Pe exemplul japonezilor, ei erau convinși de farmecul schițelor luminoase, instantanee luate de mai multe linii și mai multe puncte [1].
Influența artei japoneze asupra impresionismului nu ar trebui totuși să fie exagerată. Japonezii, spre deosebire de impresioniști, nu au scris niciodată direct din natură. Impresionistilor impresii au fost de percepția senzorială directă, în timp ce japonezii - experiența emoțională, împreună cu aderarea constantă la metodele tradiționale.
T. Mann a chemat impresionistul să picteze o "grădină fermecată", subliniind devotamentul său față de idealurile vieții pământești. Pentru descoperirile estetice, impresioniștii erau colțuri mai degrabă modeste ale naturii, pe malurile Senei, pe străzile din Paris. Viața de zi cu zi, credeau ei, este frumoasă, iar artistul are nevoie de rafinament sau de excepție.
Impresionistii contracarată salonul său de artă și frumusețea formală a realității cotidiene - pompos si pretentios pictura salon de frumusețe, bazat pe principii academice. Ei au refuzat să scrie scenele mitologice, a încercat timid de „literarității“ (în cazul în care acest cuvânt a venit pentru prima dată în folosință) asociate acestora cu salon de falsitate, în cazul în care, în conformitate cu G. de Maupassant, ziduri pline cu imagini de imagine sentimentală și romantică, istoric și indecenta, care narat, recitând, învățând, moralizând și chiar corupt [2]. Impresioniștii au evitat sentimentalismul, patriotismul, orice ridicare deliberată a imaginii. Afirmând o nouă viziune a lumii, ei au democratizat noțiunea de frumos.
Comparând impresioniștii cu Wanderersii ruși, care se luptau și cu arta salon-academică, putem spune că rezultatele au fost complet diferite. Wanderersii ruși au respins împreună cu frumusețea salonului de frumusețe și frumusețea picturii în general, insistând în primul rând asupra semnificației morale și revoluționare a artei. Impresioniștii, respingând frumusețea dulce și frumos a salonului, nu au abandonat căutarea frumuseții ca atare, ci în alte forme.
Înainte ca artiștii impresioniști, chiar și cei mai "pitoresti", au completat întotdeauna pânza cu vizibil vizibil. Impresioniștii au căutat, de asemenea, să prindă un moment volatil, apropiindu-se de vizibilitatea pură. Cunoașterea a dat naștere la impresie. Impresionismul este, în primul rând, variabilitatea și mișcarea. Pentru transferul transformărilor instantanee ale lumii, impresioniștii au scurtat timpul creării imaginii, apropiindu-l cât mai aproape de timpul real al fenomenului descris de natură. Conceptul de viteză de creare a unei lucrări a fost asociat cu cerințele pentru gradul de completitudine al acesteia.
Impresionismul a schimbat ideea nu numai a subiectului picturii, ci a imaginii în sine.
Pictorii impresioniști și-au stabilit propriul scop special de incompletență, de schița imaginii și de goliciunea tehnicii de pictură. În același timp, din punct de vedere al cerințelor gradului de decorare, se poate vorbi despre dubla incompletență a lucrărilor impresioniste. În primul rând, este claritatea externă a finisajului, ceea ce adesea trezea nemulțumire între contemporani. În al doilea rând, incompletitudinea de deschidere în întregul sistem pitoresc, lipsa constantă de înțelegere, durata de timp, ca să spunem așa punct la sfârșitul frazei. Din cauza tipului de picturi impresioniste subestimarea este dificil de a descrie în mod clar, dar - le pasa de recurs. Dacă ar fi necesar să se deducă o formulă simplă de impresionism, ar putea fi: "variabilitate, dualitate, reversibilitate, subevaluare".
La mijlocul anilor 80. Secolul al XIX-lea. criza de criză a impresionismului a început. Mulți artiști, care anterior au aderat la curent, au găsit cadrul prea îngust. Discuția a continuat că principiile impresionismului lipsesc imaginea componentelor intelectuale și morale. Și deși în anii '90. impresionism a venit acceptat pe scară largă, a coincis cu începutul dezintegrării sale ca un flux integral și apariția altor zone din Pego. Unii dintre aceștia doreau să modernizeze impresionismul, alții, în general, căutau noi căi. Arta poetică a impresioniștilor, optimist percepția lor, lumina vieții de zi cu zi, capacitatea de a da o culoare lirică schimbătoare, care trece manifestările sale a început să cedeze alte tendințe și starea de spirit.
La curenții care au încercat să modernizeze impresionismul, neo-impresionismul (sau pointilismul) aparține în special. J. Sere a elaborat o tehnică neobișnuită, în timp ce P. Signac a încercat să susțină teoretic noua tendință. Diferențele de neo-impresionism din impresionism au fost semnificative. Cresterea separata, caracteristica impresionistilor, a scazut la puncte; a trebuit să renunțe la fixarea momentului, pentru că pictura, încercând să fixeze un moment, este abia capabilă să vorbească despre veșnicie; spontaneitatea și naturalețea vederii și imaginii, interesul pentru o compoziție atent construită și gînditoare, chiar statică, prioritatea culorii peste lumină, au devenit secundare. Artistul pointilist, creând orice formă sau umbră cu ajutorul unui număr mare de frotiuri punctuale, nu are nevoie de linii, pi în contururi. Adâncimea imaginii este realizată datorită faptului că obiectele din față sunt mai mari și se diminuează treptat, deoarece sunt îndepărtate în perspectivă. La distanță, punctele de culoare se unesc optic, dând o surprinzătoare naturalitate de lumină, umbre, trecerea de la un ton la altul. În opinia lui Seurat, nu un artist cu pensula lui, iar ochiul privitorului trebuie amestecat puncte colorate într-un interval optic de viață.
Neo-impresionismul nu a durat mult. Sa dovedit că noua tehnică era plină de aspecte negative. Ea a echilibrat individualitatea artistului. În plus, neo-impresionismul a proclamat impasibilitatea artistului, a respins caracteristica spontaneității impresionismului. Munca artiștilor Pointillist poate fi dificil de deosebit unul de celălalt. Sensind acest lucru, K. Pissarro, inițial fascinat de acest sistem, a distrus apoi toate picturile sale, executate în acest mod.
Perioada care a durat aproximativ între 1886 și 1906 se numește post-impresionism. Acest termen destul de convențional denotă o perioadă de timp, limitele cărora sunt determinate, pe de o parte, de ultima expoziție impresionistă și, pe de altă parte, de momentul apariției primelor tendințe cu adevărat moderniste, cum ar fi fauvismul și cubismul.
Paul Cezanne a avut o influență foarte importantă asupra formării artei modernismului. Ca un contemporan al impresioniștilor, el a predicat o abordare diametral opusă naturii: nu surprinde starea trecătoare, și pentru a identifica o entitate stabilă. Fluctuatie impresionist, impresionist „momente frumoase“ Cezanne spre deosebire de semnificație îngroșat, durata statului și subliniază constructiv. Pictura Cezanne are voință puternică, construiește o imagine a lumii, cum să construiască o clădire. Elementele sunt date: culoarea, forma volumului, adâncimea spațială și planul imaginii. Din aceste prime principii simple Cezanne construiește lumile sale în care există ceva vnushitelno- grandios, în ciuda dimensiunilor mici ale tablourilor sale și o medie set de subiecți (Mount Saint-Victoire din Aix, un iaz cu un pod, case, pietre, mere și o cană pe pânză de masă).
Cezanne a fost în principal un artist pentru artiști. Nici unul dintre următorii artiști nu a scăpa de influența sa, cu toate că pentru majoritatea publicului non-profesionale este dificil, iar la prima vedere, și plictisitoare în monotonia sa exterioară: el nu are nici un povești interesante sau lirismul sau mangaie paleta de ochi.
Cele naturile moarte de suprafață Cezanne a mesei, deoarece topples privitorul, susținând planul de imagine și fructe pe masa, sunt prezentate dintr-un unghi diferit. „Nailed“ la planul părea să fie amplasate una deasupra celeilalte, volumul de kruglyaschiesya fructe percepute cu o intensitate reînnoită, iar fructele se arate monumentala, curat. În acest caz, artistul ignoră textura obiectelor: merele sale nu unul dintre cei care doresc să mănânce, ei par să fie făcute dintr-un material solid, rece și dens, precum și un ulcior, chiar și o față de masă.
Spre deosebire de impresioniști, Cezanne a fost mai atras de semnificația și grandoarea formei decât de schimbarea jocului de lumină și de umbră. Impresioniștii au pus accentul pe cerința de a termina imaginea într-un singur pas, pentru a avea timp să fixăm pe panza o senzație "instantanee". Cezanne a preferat să se întoarcă de mai multe ori în locul ales, creând o imagine mai elaborată și "artificială". Impresioniștii, încercând să "capteze momentul", au recurs la lovituri moi, aerisite, Cezanne a folosit lovituri puternice, făcând picturile sale mai voluminoase. În refuzul său de a urma orbește legile perspectivei liniare, Cezanne a mers și mai departe. Încercând să deseneze o lume voluminică pe o pânză plată, el a distorsionat proporțiile și perspectiva, dacă principiul compozițional specific la impus.
Cezanne a reușit să creeze un limbaj artistic deosebit. Ideea că imaginea nu este o fereastră deschisă în lume (Renaissance), ci un plan bidimensional cu propriile legi ale limbajului pictorial, a devenit centrală pentru pictura avangardistă a secolului XX. Nu este un accident că Picasso se numește "nepotul lui Cezanne".
În pictura lui Cézanne pândea diferențele tendința dintre valorile plastice (picturale) și valoarea proprietății bărbaților: în ceea ce privește căutarea sa dovedit a fi egal de munte mere, Harlequin, fumător, etc. Cezanne nu a recunoscut instalațiile artistice care erau în contradicție cu propria lui. El nu avea nici cel mai mic interes pentru arta japoneză. Decorabilitatea, stilizarea, culoarea deschisă, conturul, l-au atras pe mulți contemporani, i-au provocat o atitudine negativă. Precum și „spirit literar“ și zhanrizm, sub influența care se crede că Cezanne, artistul „se poate sustrage adevărata vocație - studiu specific al naturii.“ Nu-i plăcea nici lui Gauguin, nici lui Van Gogh, dar nu părea să observe deloc Toulouse-Lautrec.
În doar cinci ani de muncă, Van Gogh a creat aproximativ 800 de picturi și nenumărate desene; majoritatea au fost create în ultimii doi sau trei ani ai vieții sale. O astfel de istorie de pictură nu știa. Van Gogh a fost inspirat ns numai idei impresioniste, dar în stampe japoneze, care l-au ajutat să scape de la naturalism la un mod mai expresiv și precis. Treptat, culoarea în picturile sale devin mai îndrăzneț, și maniera - un program gratuit, energic, ajută artistul să transmită pe pânză copleșească simțurile sale. Spre deosebire de simboliștilor și Paul Gauguin, ale cărui lucrări au arătat influența simbolismului, Van Gogh nu a scris ns lumea ficțională: el nu a fost doar interesat în scris „creaturi improbabile“, picturile sale au avut întotdeauna o bază realistă puternică. Van Gogh a lucrat întotdeauna cu natura, cele câteva picturi, pe care le-a scris, în urma sfatul Gauguin, în amintirea sau imaginație, rezultând într-o ușor. „Exprimă-te“ pentru Van Gogh menit să-și exprime sentimentele, gândurile, asociații, născute din faptul că el a văzut și a observat: oameni, natura, lucrurile.
Nu lăsați niciodată căutarea intensă a lui Van Gogh de sens mai mare în viață determină o combinație rară de dramatică și festivitate, care a marcat lucrarea lui matură. Ea este imbibata de un extaz dureros in fata frumusetii lumii, plina de contraste emotionale. Se găsește într-un limbaj pitoresc, construit pe armonii de culoare contrastante și mai expresiv decât oricând. scrierii de mână Scenic Van Gogh, puteți intra în contact direct cu artistul, să se simtă pasiunea și intensitate mare a sufletului. Acest lucru contribuie, de asemenea, la o modele distincte în rata mare de lucru - a pensulei ca bici cheaguri de colorat zigzaguri discordante, suna ca o exclamație vomitat. Picturile atestă, de asemenea, schimbări clare în starea de spirit a artistului; fiind un om religios, el a observat odată că lumea creată de Dumnezeu este doar schița sa nereușită.
Dacă observați o eroare în text, selectați cuvântul și apăsați Shift + Enter
Articole similare
-
Direcțiile de bază ale perfecțiunii abilităților de scriere și vorbire literare
-
Școala naturalistă - principalele direcții și școli în culturologie
Trimiteți-le prietenilor: