Arhitectura barocă este o perioadă în dezvoltarea arhitecturii în Europa și America (în special în Europa Centrală și de Sud), acoperind aproximativ 150-200 de ani. Perioada a început la sfârșitul secolului al XVI-lea și sa încheiat la sfârșitul secolului al XVIII-lea. Barocul (ca stil) a îmbrățișat tot felul de artă, dar cel mai clar reflectat în pictura, teatru (și literatură, muzică) și arhitectură.
Rădăcinile barocului intră în arhitectura Renașterii. Primul ansamblu cu adevărat mare și maiestuos a fost creat în Vatican de Bramante. Aceasta curte întindere Belvedere de la 300 de metri, care a fost construit în același stil păstrând în același timp diferitele funcții ale clădirilor (Belvedere cu sculpturi antice, grădină regulate, Biblioteca Vaticanului, și teatru în aer liber.) Dar toate formele de arhitectură destul de potolit. Nu este baroc încă.
Ideea lui Bramante de a crea un ansamblu de mai multe clădiri a fost luată de Vignola (1507-1573). Nu avea oportunități ca Bramante să folosească multe materiale de construcție și pătrate. Prin urmare, ansamblul său de Villa Julia pentru Papa Iulius al III-lea (Pontiful în 1550-1555) este de dimensiuni mici. Ville este deja inerent în toate caracteristicile barocului - un singur ansamblu cu pavilioane, o grădină, o fântână, trepte de diferite tipuri, care leagă terase de diferite nivele. Vila este încă puternic separată de mediul înconjurător, închisă în sine, la fel ca cele mai multe clădiri renascentiste, iar arhitectura sa este echilibrată, la fel ca majoritatea clădirilor renascentiste.
Mărimea tensionată, gigantică și saturația emoțională a arhitecturii. Este în lucrările lui Vignol și a lui Michelangelo târziu că cercetătorii văd originile arhitecturii baroce.
Barocul ca un stil al trecutului și cel mai clar manifestat în Italia. Această țară în secolele XVI-XVIII a constat dintr-o serie de state mici, politică externă și a cărei situație economică a fost caracterizată de complexitate și instabilitate. Baza materială de construcție a fost limitată. Rolul principal în dezvoltarea arhitecturii aparținut Bisericii Catolice, Vaticanul, care a căutat să mențină prestigiul prin construirea de numeroase biserici, nu atât de mare în dimensiune, dar decorate întotdeauna extrem de impresionant și impresionant emoțional.
Barocul a provenit deja din Italia în timpul Renașterii târzii. Principiile sale au fost pe deplin dezvoltate în secolul al XVI-lea. în lucrările arhitecților din Roma. Din a doua jumătate a secolului al XVI-lea. există clădiri rezidențiale mai complexe din punct de vedere artistic. Proprietatile manastire, care indeplinesc cerintele de securitate si in acelasi timp sunt manoruri convenabile, au un caracter deosebit. În mod obișnuit, aceasta este în patru laturi în ceea ce privește construcțiile cu turnuri de colț sau geamuri.
Monumentele cele mai izbitoare și caracteristice ale barocului în Italia, asociat cu cei mai mari maeștri ai secolului al XVII - Lorenzo Bernini, Guarino Guarini, Francesco Borromini, Carlo Rainaldi, Baldassare Longhena și altele.
La mijlocul secolului al XVIII-lea, arhitectura Italiei și a altor țări europene a marcat deja tranziția la clasicism.
Următoarea generație de arhitecți baroci vor educa marele arhitect italian Borromini.
Un mod interesant ca arhitect al barocului a trecut Juvara. A început ca designer și asistent în restructurarea clădirilor teatrale. Nu toate proiectele sale și-au găsit întruparea. Dar de la clădire până la clădire a câștigat experiență. Dacă Domenico Fontana (1543-1607) și Francesco Karatti (? -1675) folosit tip de bloc palat alungit fără un joc de volume, Juvara sporește expresivitatea palatele lor construcții diagonale, risalits, jucând diferite volume. Decorul devine mai restrâns, nu evită rugina, pilaștrii și coloanele, atât de familiare cu clasicismul. Dar clădirile nu devin modele de clasicism, păstrând măreția, diversitatea și frumusețea barocului. O distincție importantă a stilului arhitectural al SEAR devin siluete extrem de expresive ale clădirilor (Stupinigi Castelul, Palatul Regal din Madrid, în special Bazilica Superga). exemple - Palazzo Carignano (arhitectul Gvarino Gvarini), Palatul Regal din Madrid, Stupiniji lângă Torino, Palatul Mafra din Portugalia
Mulți maeștri ai Italiei nu au găsit acasă nici comenzi, nici aplicarea cunoștințelor lor. Participarea maeștrilor din Italia este cunoscută în construirea catedralelor gotice din Franța. În secolul al XVII-lea, arhitecții Italiei au realizat noi idei arhitecturale în toată Europa de Vest.
20 Sculptura de baroc italian pe exemplul de creativitate Lorenzo Bernini.
(bernini) Giovanni Lorenzo (1598, Napoli - 1680, Roma), arhitect și sculptor italian, cel mai mare reprezentant al stilului baroc. A studiat cu tatăl său, P. Bernini, un faimos sculptor. El a fost influențat de pictura școlii din Bologna, precum și de sculpturile din epoca elenistică.
Span pictura din secolul al XVII-lea.
Pictura spaniolă a secolului al XVII-lea. Pictura din Epoca de Aur a Spaniei, epoca barocului - epoca gloriei artelor spaniole. Spaniolă cercetător art Tatiana Kaptereva observă următoarele caracteristici caracteristice picturi ale acestei perioade: predominanța observarea vizuală a naturii asupra imaginației artistice să se concentreze asupra persoanei, cu excepția celorlalte straturi de percepție a realității (acest lucru a dus la dezvoltarea slabă a peisajului și aparte, dezvoltarea vnesyuzhetnomu de gen).
Imaginea unui bărbat a fost limitată, în cea mai mare parte, la teme religioase, iar singurul gen secular care a fost încurajat a fost un portret.
Un factor important în formarea artei spaniole a fost ideologia. În această perioadă, un mare număr de ordine monahale au funcționat în Spania, care avea o mare putere spirituală și materială. Aceștia erau clienții principali ai operelor de artă. În plus, la etajul 1. Secolul al XVII-lea a reprezentat fresce artizanale slab dezvoltate, iar înlocuirea ei cu decorarea bisericilor a reprezentat pictura de șevalet.
În timpul formării picturii spaniole - este sfârșitul 16 - primul sfert al secolului al 17-lea, atunci când în curs de dezvoltare în mod activ școlile locale (Sevilla, Francisco Pacheco, Alonso Vazquez, Antonio Moedano, Juan de Roelas, Juan de Castillo Pablo Lehota, Francisco Herrera cel Bătrân ,. Cristobal Ramirez.
, Valenciană Francisco Ribalta, Juan de Ribalta, Ribalta School, Husepe Ribera, Jerónimo Jacinto Espinosa, Esteban martie, Miguel martie așa mai departe.), Precum și pe solul spaniol și să penetreze în mod activ se adapteze tehnici karavadzhizma.
Crearea lui Diego Velasquez.
Portretele curtenilor, prieteni, studenți Velasquez acumulate și sintetizate observațiile sale, selectate instrumentele vizuale adecvate. În aceste pânze, de obicei nu există accesorii, gesturi, mișcări. Fundalul neutru datorită raportului subțire al portarilor are adâncime și aerisire; Tonurile întunecate ale articolelor de îmbrăcăminte îndreaptă atenția spectatorului către fețele luminate uniform. Rezultate pentru fiecare portret combinații unice de nuanțe gri-argintiu, de măsline, de culoare gri-maro cu o gama totală de reținere a crea un sistem individual de imagini (portrete: Juan Mateos, despre 1632 Galerie de imagini Dresden; -Duke grafic Olivares despre 1638 Hermitage, St. .Petersburg, „Doamna cu un ventilator“, despre 1648, colecția Wallace, Londra, o serie de portrete ale Infante, Luvru, Prado).
imparțialitate înțelept și omenirea întruchipat de Velazquez în portretele sale ale bufonii regale și piticii (El Bobo de la Korii, El Primo, așa-numitul Juan de Austria, Sebastian Mora si altele, toate - 1631-1648, Prado, Madrid). Gama proiectat în mod subtil și precis de nuanțe roșu și roz - cheia emoțională a imaginii hard-veridică Inocențiu X papei (1650 Galleria Doria-Pamphili, Roma), al cărui portret Velasquez a scris în a doua excursie în Italia la sfârșitul lui 1648 - mijlocul anilor 1651 a lui.
Pentru această perioadă aparține „Venus cu o oglindă“ (1650, National Gallery, Londra), în care un dispozitiv de compoziție neobișnuită (persoana lui Venus poate fi văzut doar într-o oglindă) conferă prospețime și claritate a imaginii de flexibil, subțire, plin de farmec viață a corpului feminin gol, precum și două peisaje „Villa Medici“ (1650-1651, Prado, Madrid, pe de altă părere - despre 1630), într-un neobișnuit de largă pentru stilul său de pictură timp recrea imaginea completă a naturii.
În ultimii ani ai vieții sale, Diego Velasquez a scris două dintre cele mai faimoase picturi ale sale. În pictura „Las Meninas“ ( „Servitoare de Onoare“, 1657, Prado, Madrid) episod privat al vieții instanței (în prim-plan - Infanta Margarita înconjurat de femei și pitici, în apropiere - artistul însuși pentru executarea de portrete ale cuplului regal spaniol, reflectată într-o oglindă, în partea din spate a camerei ), prezentat la rândul său spațial cu caractere aldine, apare ca unul dintre momentele de curgere generală a vieții în toată complexitatea sa de manifestări interconectate și în continuă schimbare. Frumusețea captivantă și diversitatea scenică a realității întruchipat în imagini gri-perla colorat cu tușe largi aplicate de albastru, roz gri, inchis, accidente vasculare cerebrale transparente maronii.
În caz contrar, o cheie coloristic-cheie majore scrise „Spinners“ (1657, Prado, Madrid), scena în atelierul covor regal cu figuri spinnerelor în prim-plan și de iluminat lumină solară puternică plasate în profunzimea compoziției, în cazul în care doamnele de la curte inspectați covorul finit care ilustrează mitul Arachne - un țesător care a depășit în îndemânare zeița Athena. Contraste de lumină „cu două straturi“ structura spațială a compoziției, un fel de praf de aur invaluindu figuri Spinning create în film o atmosferă specială comună pentru toate personajele sentimentul care combină toate mișcările, gesturile, impulsurile lor emoționale.
În mai târziu funcționează Velazquez a afectat cel mai mult pe deplin caracteristicile sale creative metoda: înțelegerea profundă a vieții în toată bogăția și incoerența manifestările sale, integritatea variantei sale în formă de plastic, unirea tuturor elementelor de o formă de artă. Pictorul Diego Velázquez a scris fara schite preliminare, direct pe pânză, organic conectat direct la impresiile naturii, cu o compoziție bine gândit puternic, ajungând la o experiență, s-ar părea, improvizație liberă și, în același timp, o generalizare largă. Creativitatea artistului Velazquez este vârful picturii spaniole din secolul al XVII-lea și unul dintre cele mai strălucite fenomene ale artei mondiale.
Articole similare
Trimiteți-le prietenilor: