În secolul al XX-lea apar o serie de tendințe și tendințe în cultura artistică, care pentru mult timp vor fi percepute ca tendințe care au abandonat toate tradițiile artistice. Aceste noi direcții sunt denumite de obicei "modernism", "artă nouă", "avangardă artistică". Într-un sens literar, toate aceste denumiri subliniază natura inovatoare a direcțiilor artistice non-tradiționale.
Noua artă a secolului al XX-lea este o varietate de tendințe și tendințe. Activitatea reprezentanților săi individuali nu se încadrează deloc în cadrul oricărei tendințe artistice. În plus, mulți reprezentanți ai avangardei au creat, în diferite momente, lucrări care se clasifică acum printre diferitele tendințe avangardiste.
Nu există unitate de opinie nici măcar în ceea ce privește alegerea desemnării artei secolului al XX-lea. Unii experți preferă noțiunea de modernism (în acest caz, confuzia apare cu noțiunea de modernitate - așa-numitul stil de artă în arhitectură, design, arta aplicată de la începutul secolului al XX-lea). Alți oameni de știință preferă conceptul de "avangardă". În majoritatea cazurilor, modernismul (sau avangarda) este înțeles ca un set de curente neconvenționale. Luați în considerare cele mai renumite tendințe ale modernismului.
Fovismul. Cuvântul "fauvism" a provenit din cuvântul francez care înseamnă "sălbatic" (suna într-unul din articolele critice dedicate expoziției de artă de la Paris din 1905). Cei mai cunoscuți reprezentanți ai favvismului sunt A. Deren, M. Vlaminck, A. Marche, iar cel mai faimos dintre ei este Henri Matisse. Fauvismul a devenit un fenomen care a marcat o ruptură principială și conștientă cu tradițiile artei anterioare - de la Renaștere până la secolul al XIX-lea. Realismul și dorința de a reflecta realitatea au fost eliminate în mod fundamental.
Principalele trăsături distinctive ale fauvismului sunt următoarele:
- utilizarea de combinații colorate luminos, complet independente de culorile obiectelor reale;
- deformarea bruscă a proporțiilor și a formelor obiectelor reale;
- creația prin aceste tehnici artistice de picturi, care nu ar arata ca obiecte reale, și de a crea o stare emoțională specială este unicitatea sa, luminozitatea, colorfulness.
Faviștii au apelat la deformare și culori artificiale luminoase pentru a face privitorul să uite obiecte reale. Matisse a subliniat în mod constant că scopul artei este acela de a aduce bucurie unei persoane cu combinații colorate luminoase, fără a se îngriji deloc, cât de precisă imaginea reflectă realitatea. Matisse a crezut că invenția și dezvoltarea fotografiei realizate boondoggle pictură realistă și a pus pictura în fața necesității de a crea imagini care nu au nimic de a face cu realitatea naturală.
Cubism (P. Picasso, J. Braque, F. Leger, R. Delone). Numele a apărut după expoziția din 1908, de asemenea ca urmare a unei revizuiri malefice în presă. Picturile artiștilor sunt la prima vedere diferite combinații de forme geometrice - triunghiuri, pătrate etc. Artiștii cubiști au pornit din poziția lui Cezanne, că baza naturii se află în volume geometrice simple - o minge, un cilindru, un con.
Cu toate acestea, picturile cubiste nu consta exclusiv din figuri geometrice ideale. Particularitatea lucrărilor este dorința de a transmite obiectele reprezentate cu ajutorul combinațiilor de planuri diferite, imagini ale celor mai schematice, caracteristici ale obiectelor. Cubiștii au crezut că astfel pot transmite elementele spațiale de bază din care sunt compuse lucrurile reale. Picturile cubiștilor pot fi văzute și ca rezultat al dorinței de a arăta esența, baza schematică a obiectelor naturale.
Cel mai faimos reprezentant al cubismului, marele Pablo Picasso (1881-1973). Lucrarea sa "Fetele Avignon" (1907), în care deformarea barbară, combinată cu compoziția clasică, a devenit punctul de plecare pentru cubism. Cubismul include, de asemenea, lucrări ale lui Picasso "Portretul lui A. Vollard", "Trei femei", "Jucător în carduri" etc.
Surrealismul (din franceză - "superreal, depășind realul). Deseori, suprarealismul este privit ca dezvoltarea unui astfel de curent ca "dada" sau dadaismul, care a apărut în jurul anului 1916. Reprezentanții săi, T. Tzara, M. Ernst, M. Duchamp, au văzut principala sarcină în negarea tuturor valorilor și convențiilor culturii și civilizației moderne. Comportamentul reprezentanților Dada a fost sfidător, adesea scandalos. Lucrările lor dadaiste au fost colectate și combinate din gunoi în haldele de gunoi (de exemplu, o aripă de mașină etc.)
Un rol important pentru formarea suprarealismului a fost învățătura lui Freud, și, în special, teoria viselor, în care rolul determinant aparține inconștientului, dorințele umane profunde. În vise, rolul restrictiv al logicii tradiționale slăbește sau dispare. În acest caz, în ciuda naturii lor neobișnuite, ele nu sunt o expresie a haosului, au propria lor succesiune, propria logică. A fost o combinație de logică neobișnuită și un fel de logică misterioasă pe care surrealiștii au început să o folosească în munca lor.
au fost lucrări de Suprarealism combinație extraordinară nu doar să viseze, dar, de asemenea, o combinație de orice gânduri, idei, fantezii, a apărut în minte, sau sentimentele artistului. Iluminația gândirii, fructele imaginației nu au fost prelucrate decât prin bunul simț sau procesare logică, ci prin prelucrarea artistică, talentul și talentul pictorului, poetului, regizorului.
Surrealiștii care au lucrat în pictura au folosit următoarea metodă: detaliile individuale ale tabloului au fost scrise într-un mod realist, descărcate cu o precizie aproape fotografică. Dar combinarea acestor detalii a fost complet neobișnuită. Asemenea artistic: recepția a oferit un efect psihologic suficient de puternic asupra privitorului - o combinație de familiar și necunoscut, tradițional și nou, ușor de înțeles și de neînțeles. Acest lucru este tipic pentru opera lui Salvador Dali.
Reprezentanții surrealismului sunt faimosul regizor de film L. Bunuel, scriitorul A. Breton, poetul P. Eluard, artiștii M. Ernst, R. Magritte
Arta abstractă este o artă irelevantă. (K. Malevich, V. Kandinsky, P. Mondrian, P. Klee). Imaginea abstractă la prima vedere este o combinație de forme geometrice colorate, doar pete colorate. Dar dacă în fovismul și Cubismul, aceste cifre și spoturile coaguleze într-un fel de obiecte reale mondiale, abstracționism aceste combinații nu semăna cu contururile obiectelor reale, de unde și numele - artă figurativă. Dar relația dintre figuri și cele colorate a fost fie profund gândită, fie servită drept expresie a intuiției artistice.
Malevich și Kandinsky au creat nu numai opere de artă, ci și concepte teoretice bine gândite, în care au fost explicate principiile și trăsăturile artei abstracte.
Arta abstractă la naștere a provocat cea mai mare respingere din partea publicului, punând întrebări: ce înseamnă aceasta, cum să o înțelegi, care este punctul? Prin urmare, explicația teoretică a Malevici și Kandinsky au fost necesare, dar care nu a fost explicația lucrărilor individuale și interpretarea principiilor creativității artistice în ansamblu.
Cel mai faimos produs al artei abstracte este pictura lui Malevich "Piața neagră" (1915). Pe o pânză albă era un pătrat negru și nimic mai mult. "Piața Neagră" nu era o operă de artă independentă ca un fel de slogan sau un manifest teoretic (era ceva de genul unei scrisori a unui nou alfabet artistic) al unei noi arte.
Malevich a justificat principiul său neobișnuit, în primul rând prin faptul că o figură geometrică este o lucrare pur spirituală. În natură nu există pătrate, triunghiuri, ovale, conuri, etc. Toate aceste fenomene - .. Rodul activități de informații, pur esență spirituală. Întorcându-se la aceste lucrări, artiștii se îndepărtează de captivitatea obiectelor materiale, naturale. Arta în acest caz devine un fenomen absolut spiritual.
Malevici numita metoda lui creatoare a suprematismul (lat. Cuvântul pentru „creștere în exces“), t. E. Arta se ridica deasupra lucrurilor materiale. Supramatiștii au reprezentat figuri geometrice multi-colorate. Talentul unui artist este de a găsi o combinație armonioasă de forme geometrice, combinația dintre care se datorează intuiția artistului ar putea deveni un simbol al unor fenomene, inaccesibile pentru a percepției vizuale obișnuite.
Ideile teoretice ale lui V. Kandinsky au fost expuse în cartea sa "Despre spiritul în artă". Tablourile abstracte nu reprezintă o combinație arbitrară de culori, forme și linii. În inima fiecărei compoziții se află vocea interioară a artistului, capacitatea artistului de a captura baza spirituală interioară a obiectelor și o întruchipează pentru percepția senzorială. Arta abstractă, conform lui Kandinsky, este o artă spirituală. Lucrările sale nu sunt o conglomerare accidentală de forme și pete, nu un caleidoscop simetric, ci o expresie vizibilă a proceselor spirituale. Numele unor picturi ale lui Kandinsky reflectă înțelegerea sa asupra esenței și scopului artei: "Improvizările Formelor Rece", "Declarația", "Pământul și Roșia", "Stânga" etc.
Arta celei de-a doua jumătăți a secolului al XX-lea.
După sfârșitul celui de-al doilea război mondial, mai multe tendințe avangardiste apar, totuși, ele nu mai produc o astfel de rezonanță publică ca abstractizarea și suprarealismul. În unele dintre aceste direcții nou apărute, se poate observa dorința de a folosi principiile și tehnicile de artă deja descoperite, folosind-le în combinații noi. La mijlocul secolului XX. există un expresionism abstract, ale cărui reprezentanți credeau că opera de artă ar trebui să fie o expresie directă a impulsurilor creatoare ale artistului, fixându-și impulsurile subconștiente într-un anumit material. Astfel, artistul american J. Pollock și-a creat picturile chiar și fără ajutorul unei pensule. Putea vopsa vopsea pe pânză de diferite culori direct din cutii. Drept urmare, imaginile erau o combinație de pete colorate arbitrar.
În arta optică (literalmente - arta optică), obiectele de artă au fost create cu ajutorul unor efecte optice. Ar putea fi, de exemplu, o combinație de fluxuri de lumină provenind din surse diferite de lumină. Arta corporală (literal - arta corporală) este probabil cel mai original și mai ironic curent avangardist. Lucrarea artei corporale este o persoană care trăiește într-o anumită poezie sau mai mulți oameni care compun o anumită compoziție, adică elemente ale artei corpului erau corpuri umane, figuri.
Cei mai cunoscuți reprezentanți ai artei pop au fost Andy Warhol, Robert Rashenberg, Jasper Jones, James Rosenk și alții.
În cei 70 de ani ai secolului XX, postmodernismul câștigă teren (înseamnă literalmente după modernism). În numele acestui curent, se trasează distanța de la alte direcții avangardiste.
În studiile culturale pentru a caracteriza cultura din a doua jumătate a secolului al XX-lea a folosit termenul „postmodern“. De multe ori există o confuzie între noțiunile de „postmodernitate“ și „postmodernism“ (la fel ca în cazul modernității și modernismului). Între aceste două concepte nu există nici o limită clară. Uneori, ele sunt folosite ca sinonime, dar uneori termenul „postmodern“ se înțelege numele epocii (cum ar fi „cultura postmodernă“), iar termenul de „postmodernism“ este folosit cu referire la art.
În general, postmodernismul poate fi considerat principalul filosofie modernă, artă și știință în a doua jumătate a secolului al XX-lea. Trebuie remarcat că postmodernismul avea alte motive filosofice decât modernismul.
Postmodernismul a criticat idealurile de bază ale „Proiectului modern“ (tradiții culturale care provin din Iluminism „). Unul dintre teoreticienii postmodernismului ZH.F Lyotard. El crede că cultura acestei perioade se caracterizează printr-o pierdere de credință în „marele metanarativ“ ( „metanarațiuni“), prin care el înțelege ideile principale ale culturii europene moderne:
- prezentarea cunoștințelor despre cunoaștere ca mijloc de înființare a universului.
Una dintre principalele sale caracteristici este postmodernismul „mediere culturală“ (sau „citationality“), unul dintre principiile de arta eglavnyh - citat. Multe episoade de lucrări postmoderne sunt construite în așa fel încât acestea sunt asociate cu un alt lucru: relația poate fi similaritatea situației, personajele, similitudinea în stilul de prezentare sau de imagine. Uneori, chiar și postmoderniștii sunt citate directe de la alte lucrări. Un exemplu tipic este romanul scriitorului italian, teoretician al postmodernismului Umberto Eco „Numele trandafirului“.
Un alt principiu fundamental al postmodernismului este ironia. în care confuzia generală și batjocura a tot ceea ce domnește supremă. Ironia și citările dau naștere unui gen ca pastiche (din pasticco italiană - o operă compusă din bucăți de alte opere, un potpuriu). Pastistul este diferit de parodie prin faptul că nu există acum nimic pentru parodie, nu există un obiect serios care ar putea fi supus batjocurilor. "După cum scria M. Freidenberg, numai ceea ce este" viu și sfânt "poate fi parodizat. În epoca postmodernă, nimic nu este viu și, cu siguranță, nu este sfânt. "
O trăsătură caracteristică a artei postmoderne - o încercare de a reduce decalajul dintre masă și artă elitistă, între interesele maselor, și de artă, interesant pentru artiști și pentru profesioniști, intelectuali și critici de artă. Acest obicei a recurs la gen popular. de exemplu, la detectiv, comedie, melodrama, utilizați complot, captează atenția publicului, care urmărește cu interes evoluțiile din carte sau pe un ecran.
Articole similare
Trimiteți-le prietenilor: