Comorile Galeriei din Dresda (despre unele picturi ale galeriei)

Înființarea faimoasei galerii din Dresda datează din secolul al XV-lea. Orașul Dresda era apoi capitala Saxoniei; Elector de Saxonia, în visteria lui, care a fost numit „Kunstkammer“, colectarea de diverse bijuterii, arme ceremoniale, scoici rare, pietre și alte minuni: a fost acolo cateva imagini, dar ele nu sunt evaluate mai sus, restul comorii „Kunstkammer“.






Gloria Galeriei din Dresda incepe cu secolul al XVIII-lea. La acea vreme în Europa exista o modă pentru a decora palatele cu opere de artă. Împărații și prinții au văzut în asta unul cu altul. Saxonii au început să cumpere picturi de artiști celebri. Din aceste lucrări și a fost construită o galerie de curte și o sută de ani, din secolul al XIX-lea, Galeria Dresda a fost transformată într-un muzeu. În ea au fost colectate picturi ale celor mai renumiți artiști din diferite țări și ea a devenit faimoasă în întreaga lume.
Cu puțin înainte de sfârșitul Marelui Război Patriotic, unele părți ale Armatei Sovietice s-au apropiat de Dresda. Acest oraș a fost bombardat de mult timp de aviația americană, multe clădiri frumoase, palate, muzee au fost distruse. De îndată ce trupele sovietice au ocupat Dresda, un batalion a fost trimis în grabă la clădire, unde se afla faimoasa galerie de imagini - mândria întregii umanități culturale. Clădirea clădită, arsă, era goală, pictura dispărută. După căutări persistente, a fost posibil să se deschidă un pasaj cu pereți sub clădirea muzeului până la subsol, iar acolo, în acest subsol, documente criptate și planuri de ascundere a locurilor în care erau ascunse imaginile. Conform acestor planuri, au fost găsite imagini. Unii - într-un tunel abandonat, alții - într-o scurgere inundată a minei de calcar și alții - în podul unui vechi castel. Abordările la cache-uri au fost exploatate: fasciștii au vrut să arunce în aer, să distrugă aceste comori ale artei! Această monstruozitate teribilă a fost împiedicată de soldații armatei sovietice. Dar chiar și fără explozia picturilor amenințate cu moartea dacă au rămas mult timp în secret. Pentru picturi, mai ales umezeala veche, periculoasa si intunericul. Arborele se umflă și se deformează, pânza este umedă, un strat de vopsea acoperit cu crăpături și mucegai corosiv.
Picturile au început deja să se prăbușească. Comanda sovietică a luat măsuri urgente pentru a le salva. Au fost chemați specialiștii-istorici de artă și restauratori de artă: ei au oferit "primul ajutor" picturilor. Pentru a opri distrugerea, toate tablourile au fost șterse cu compuși speciali, cu ajutorul unui lipici special au pus tencuieli protectoare pe ele, iar transportul a devenit inofensiv fotografiilor.
Comisia, care a inclus reprezentanți ai publicului din Dresda, a compilat cu atenție un inventar al tuturor imaginilor și a fost trimisă spre păstrare în Uniunea Sovietică, unde nu mai erau amenințați de șansa și pericolul de război. În toamna anului 1955, galeria salvată a fost transportată la Dresda.
Și înainte de aceasta, mai mult de 500 de picturi ale Galeriei din Dresda au fost expuse la Muzeul de Stat pentru Arte Frumoase din Puskin. Unele dintre aceste imagini sunt prezentate aici. Despre ei, de asemenea, va fi un discurs.

"Portretul unui băiat" a fost scris în secolul al XV-lea de către artistul italian Pinturicchio. Nu stim acum cine este acest baiat si de ce a fost pictat un portret de la el. Dar imaginea a atras atenția tuturor pentru mai mult de cinci secole. Uită-te la portret! Artistul a reușit să spună că la băiat aceasta este o schimbare importantă și importantă. Fața copilului este gravă, ochii lui sunt atenți. Este evident că a luat în timpul vieții, atunci când capetele lipsite de griji din copilărie și să devină mai în vârstă, în mod serios și să se gândească profund despre viața. Pinturicchio a pictat băiatul pe fundalul peisajului: râu liniștit, munți albastru, copaci - subțire, de primăvară-cum ar fi transparente, cum ar fi tinerii, ca un băiat. Se simte că vitalitatea nouă este trezită atât în ​​natură, cât și în om.
Pinturikkio a trăit la începutul acelei ere, numită în istoria Renașterii. Timp de mai multe secole, oamenii au fost constrânși de puterea bisericii, de cerințele crude ale religiei. Tot ceea ce era pământesc era considerat ceva păcătos, despicabil: atât frumusețe, veselie, cât și știință. Renașterea este numit astfel deoarece oamenii din acel timp sa ridicat împotriva oprimării bisericii și feudali, și omenirea, eliberat de multe superstiții, reînviat la viață. Înflorirea științei și a artelor a început.
Imaginea caracteristicilor inerente ale Renașterii din Pinturicchio - interes pentru oameni, pentru viață, atenție la sentimentele și experiențele unei persoane.
Unul dintre cei mai mari artiști ai Renașterii este Raphael Santi. Chiar și în timpul vieții sale, faima lui Raphael a fost atât de mare încât nimeni nu la numit după numele său. Când au spus "Raphael", toată lumea a înțeles despre cine vorbește, deși acest lucru nu este un nume rar în Italia. Și de multe secole, oamenii din toate țările o numesc pur și simplu pe nume: Raphael.

Cea mai faimoasă pictură a lui Raphael este așa-numita "Madonna Sistina". Rafael a pictat deseori imaginile Fecioarei sau, așa cum se spune în Italia, Madona.
Trebuie să ne amintim că în acele zile influența religiei asupra oamenilor era încă puternică. Artiștii au luat adesea parcele din legendele creștine, pentru că erau familiare tuturor. Dar artiștii renascentist în picturile lor au re-folosit temele religioase. Ei au încercat să le transmită oamenilor o mare idee morală, să povestească despre sentimente înalte, nobile: despre credincioșia față de credințe, despre dragostea față de oameni, despre compasiune. Ei au reprezentat trăsăturile caracterului oamenilor obișnuiți care trăiesc.
"Madonna Sistina" - această imagine spune despre fapta mamei. Potrivit legendei, fiul Madonnei Hristos, de dragul oamenilor, sa dus la o moarte dureroasă. Uită-te atent la Madonna Raphael, în fața ei. Cât de blând și ferm își ține fiul, cum îl iubește, cât de mândru de el! Dar în ochii ei mari, frumoși, era o tristețe. Îi este frică de soarta fiului ei și știe că suferința este înaintea lui. Și totuși ea nu ascunde băiatul, ea o duce oamenilor, le dă cel mai prețios lucru pe care-l are, copilul ei. Și copilul se uită în mod serios, în mod intenționat și fără teamă.
În partea de sus a imaginii Rafael a pictat perdea care, dacă ar fi tocmai despărțit, și a devenit văzută ca vorbind cu oamenii Madonna cu Pruncul în brațe, ușor și rapid pas cu pas pe nori mici picioarele goale.
Atât mama, cât și copilul sunt impregnate de sentimentele umane cele mai ușoare, pure și nobile - sacrificiul de sine, pregătirea pentru eroism, iubirea pentru oameni. Artistul cu o asemenea forță și veridicitate a exprimat frumusețea acestor sentimente, că imaginea lui este înțeleasă și dragi pentru toți oamenii.

În galeria din Dresda există imagini ale unui alt artist italian, Paolo Veronese, care a trăit și a lucrat în Veneția puțin mai târziu decât Raphael. Iată o reproducere a picturii sale "Madona cu familia din Kuchchina". În acel moment, locuitorii bogați și notabili au comandat adesea portrete de portrete grupate unor artiști renumiți. A fost obișnuită reprezentarea familiei în rugăciune, și pentru a vedea cine se ruga, sfinții au fost imediat descriși. La fel și Veronese. În stânga în imaginea sa este Madonna, în dreapta este familia Kuchchin. Cele trei femei din fundal sunt figurile alegorice ale celor trei virtuți: Credință, Speranță și Iubire.






Cu puterea geniului său, Veronese a transformat această temă, obișnuită pentru acea vreme, într-o poveste interesantă și plină de viață despre oameni. Uită-te la micul Kuchchina. Veronese. Madonna cu familia din Kuchchina. Unul dintre ei pare să se fi obosit să stea în picioare, rugăciunea este plictisitoare pentru el. Se ascundea în spatele coloanei și se uită în jur. Al doilea băiat se comportă liniștit și decent, după cum spunea mama lui. Și cel mai tânăr nu este deloc interesat de ceea ce fac adulții. Îi place câinele, sa așezat pe podea și a ajuns pentru ea.
Asemenea detalii de zi cu zi, de zi cu zi, pe care Veronese le plăcea să le prezinte chiar și în picturile pe care le-a scris pentru biserici și mănăstiri. Pentru aceasta a fost atras de curtea bisericii, instanța Inchiziției. Veronese, deși nu condamnat să fie ars pe rug, dar a fost supus unei lovituri, neobișnuit de grea pentru artist: forțat să rescrie imaginea pentru a modifica gustul clienților săi călugări.
Două secole mai târziu, Veronese a trăit în Veneția Giovanni Canaletto, un minunat pictor peisagistic. Îi plăcea mai ales să-și descrie orașul natal. Veneția nu este ca alte orașe. Totul este plin de canale. Există străzi fără trotuare și fără trotuare, pereții caselor se ridică direct din apă, iar oamenii de pe aceste străzi înoată cu bărci, numite gondole.

Tabloul Canaletto "Piața din fața bisericii lui G. Giovanni e Paolo" ne duce în Veneția secolului al XVIII-lea. În pătrat oamenii merg pe jos. Gondolele alunecă de-a lungul canalului, iar barjele de marfă plutesc încet. Canalul cu gondola este partea stângă a imaginii. Și în partea dreaptă puteți vedea monumentul condotatorului - comandantul mercenar - Colleoni. O copie a acestui monument este în Moscova, în Muzeul de Arte Frumoase.

Pentru minunatele tablouri de artiști germani din secolul al XVI-lea, care a păstrat mai mult în „Kunstkammer“ din alegători săsești, împreună cu scoici temporale ciudate și cutii muzicale viclene referă scris de Lucas Cranach cel Bătrân „Portretul Ducesa Catherine de Mecklenburg“. Cranach scrie cu atenție rochie cu model bogat și bijuterii ale ducesei, abundența de subliniind ce poziție pe care îl ocupă. Acest portret arată că era obișnuită să poruncească să fie mândră, arogantă. Fața ei reflectă aroganța rece și secreția.
Un personaj complet diferit ne este dezvăluit în portretul lui Charles de Moretta, scris de un alt artist german, Hans Holbein cel Tânăr.

Charles de Morett, trimisul francez în Anglia, a fost un om cu o forță excepțională de caracter și abilități versatile. Contemporanii admirau curajul cu care conducea odată trupele prin trecerea cea mai periculoasă de munte. Charles de Morette a fost, de asemenea, un comandant abil al flotei, un diplomat talentat și inteligent. Portretul scris de Holbein ne arată atât curajul, mintea calmă, cât și voința fermă a lui Moretta.
Aici puteți vedea lucrările celui mai mare artist din Germania - Albrecht Durer. Acesta este un portret al unui tânăr despre care nu ne-a ajuns nicio informație. Nimeni nu știe ce se numește el, cine era. Pictura lui Durer este pur și simplu numită "Portretul unui tânăr". Dar când te uiți la el, se pare că știi totul despre cine este reprezentat aici.

El este un om care este dedicat cu entuziasm convingerilor sale, hotărât, energic, încrezător în atingerea scopului său. Acesta nu este un prinț, nu un prinț. El este un om al poporului. Dürer a trăit în acel timp turbulent și tulburat când Europa a fost înghițită de flacăra unui războinic țărănesc. Și liderul național al acelor timpuri, vă imaginați-vă, ca un tânăr în portretul lui Durer.
Astfel, în portretele vechi ale marilor artiști, personajele epocale și umane se reflectă în toată bogăția și diversitatea.
În galeria din Dresda au fost colectate multe picturi minunate de artiști olandezi din secolul al XVII-lea. Secolul al șaptesprezecelea este perioada de apogeu a picturii olandeze. După ani de luptă eroică, olandezul a obținut independența națională, a expulzat cuceritorii spanioli, a răsturnat sistemul feudal și a înființat prima istorie burgheză.
A venit o pace lungă. Olanda, o republică de comercianți și artizani, a devenit bogată și prosperă, iar artiștii olandezi au portretizat în imaginile lor această abundență abundentă, această viață pașnică.
În imaginea artistului Willem Geda nu există oameni: nici eroi, nici martiri, nici comandanți. Plăci, linguri, ochelari răstălmăși și o vază de argint, care aruncau neglijent un ceas de buzunar de aur și un tort răsucite, cu o crustă delicioasă de prăjit, umplute cu mure. Imaginea este numită: "Micul dejun cu o plăcintă de mure".

Cine a mâncat această plăcintă? Cine a aruncat un ceas neglijent, o plăcintă pe jumătate mâncată pe o placă de argint?
Artistul nu ne spune despre asta. El vrea ca noi să admirăm frumusețea lucrurilor cu el, piesa și strălucirea vinului în pahar, reflexia în farfuria picioarelor vasei, pliurile lenjeriei decolorate.
Artiștii din acea vreme au pictat adesea astfel de imagini - "vieți de odihnă". Cuvântul înseamnă "natură neînsuflețită".
De asemenea, le plăcea să deseneze schite pe o viață simplă, de zi cu zi. Păreau în sine o viață interesantă și minunată, chiar dacă nu există incidente neobișnuite.

Fața lui Saskia respiră cu fericire, tinerețe, bucuria vieții. Lumina cade de sus, ilumineaza doar partea inferioara a fetei. Fruntea și ochii la umbra, care sunt aruncați de câmpurile capacului. Dar această umbră este pătrunsă de lumină. Lumina pare să se lupte cu ea, trecând prin câmpurile pălăriei, reflectând din sub rochia de lumină. Umbra strălucește și fluturează și cu cât priviți mai mult, cu atât mai vie și mai schimbabilă pare. Deci, nici o lumină sau o umbră, așa cum a spus Rembrandt, nu ar putea fi transmisă de vreun artist înainte sau după el.
În acei ani ca Rembrandt, în țara vecină a Olandei, Flandra, a trăit un alt pictor celebru, Peter Paul Rubens. Viața lui era diferită. A obținut atât recunoașterea, cât și succesul, bogăția și o poziție înaltă în societate.

Picturile sale - mari, concepute pentru sali de palat, - strălucesc cu culori strălucitoare, chipuri frumoase, forță și frumusețe ale corpurilor umane. Îi plăcea să arate oameni sănătoși - frumoși, eroi puternici, așa că adesea lua povestiri din mituri și legende antice. Scenele din tablourile sale sunt pline de mișcări violente. Deoarece în forța fizică forța fizică este cel mai bine manifestată. În filmul "Vânătoare pentru mistrețul", oamenii, caii, câinii sunt purtați de un vânt sălbatic de mișcare.

Rubens avea mulți studenți. Cel mai talentat dintre ei este Anthony van Dyck. A pictat portrete minunate. Aici este plasat "Anthony van Dyck, un portret al unui războinic în armură cu un bandaj roșu". La rândul său, mișcarea capului, energia tânără, puterea, curajul sunt simțite. Contururile de îmbrăcăminte strălucitoare și părul moale de păr se pierd în umbră. Din acest motiv, fata este deosebit de viu, atrage ochiul spectatorului.
Din picturile spaniole ale Galeriei din Dresda este o pictură foarte interesantă Ribera "Sfânta Inessa".
Potrivit legendei, Inessa a fost decapitată pentru că a refuzat să-și schimbe credința. În Spania, chiar și în secolul al șaptesprezecelea, puterea bisericii era foarte puternică, religia era deținută de mințile oamenilor și este normal ca artistul să aibă un astfel de subiect. Dar, folosind această legendă, Ribera a arătat o fetiță spaniolă viu, cu un caracter înălțat și o inimă curajoasă.

Инесса Риберы este totuși absolut fata, la ea de treisprezece-paisprezece ani, dar nu se teme de călăi. În fața morții, ea dezvăluie cu neînfricarea și liniștea oamenilor că adevărul este mai presus de toate, că este mai puternică decât forța și cruzimea.
Lucrările unor maeștri mari dau oamenilor o bogăție inepuizabilă de impresii. Și când vă uitați la frumoasele picturi colectate în Galeria Dresda, Schitul, Luvru sau Muzeul de Arte Frumoase din Puskin, veți vedea cât de multă lucrare de inspirație a fost investită în aceste creații.
Ele reflectă viața poporului; ele sunt create de popor și trebuie să aparțină poporului. Fascistul german nu a putut să-i scoată de pe urma umanității. Comorile salvate de trupele sovietice trăiesc din nou, aducând bucurie oamenilor, consolidând credința în triumful justiției, în puterea geniului uman.

Trimiteți-le prietenilor: