Arta actorului, arta teatrului, crearea de imagini pitorești. Specificitatea artistică a teatrului - reflectarea vieții sub forma unui act dramatic care are loc în mod direct în fața audienței - poate fi realizată numai prin acțiune. Scopul său este de a influența privitorul, de a provoca o reacție reciprocă. Discursul către public este cel mai important și ultim act al întruchipării rolului și fiecare performanță necesită o reproducere creativă a acestui proces.
actor Creativitatea vine din drama - .. Conținutul său, gen, stil etc. Drama este baza ideologică și semantic de a acționa, dar sunt cunoscute astfel de tipuri de teatru (de exemplu, măști de comedie populară), în cazul în care actorul nu are textul integral al piesei, dar numai o dramă (scenariu) dramatic, concepută pentru arta improvizării.
imaginea actorului convingătoare și estetic nu valoros în sine, ci în măsura în care prin ea și prin ea se dezvoltă acțiunea principală a dramei, dezvăluie simțul ei comun și orientarea ideologică. Artistul fiecărui rol în piesă este, prin urmare, strâns legat de partenerii săi, participând cu ei la crearea întregului artistic, care este producția teatrală. Drama face ca actorul să fie uneori foarte dificil. El trebuie să le îndeplinească ca artist independent, acționând în același timp în numele unui anumit caracter. Punându-se în condițiile jocului și rolului, actorul rezolvă problema creării unui personaj pe baza reîncarnării în scenă. În arta acestui actor - singurul tip de artă în care materialul artistului este natura sa, aparatul său emoțional intelectual și datele externe. Actorul apelează la machiaj, costum (în unele tipuri de teatru - pentru a ajuta la masca); în arsenalul mijloacelor sale artistice - abilitatea de a vorbi (în opera - arta vocală). mișcare, gest (în balet - dans), expresii faciale. Cele mai importante elemente ale actoriei sunt atenția, imaginația, memoria emoțională și motorie, abilitatea de a stadiul comunicării, un sentiment de ritm etc.
Mise en scene (mise en scène franceză - plasarea pe scenă), locația actorilor pe scenă în acel sau momentul piesei. Unul dintre cele mai importante mijloace de dezvăluire figurativă a conținutului interior al piesei, mise-en-scene este o componentă esențială a designului regizorului piesei. În natura construcției mise-en-scene există o expresie a stilului și a genului de reprezentare. Prin intermediul sistemului mise-en-scene, regizorul oferă performanței o formă plastică definită. Procesul de selecție a scenei exacte este legat de opera artistului din teatru, care, alături de regizor, găsește o anumită soluție spațială a piesei și creează condițiile necesare pentru acțiunea scenică. Fiecare misiune-en-scenă trebuie să fie justificată psihologic de actori, să se ridice natural, natural și organic.
Explicația enciclopedică a mise-en-scene nu este completă. Nu se spune că mise-en-scena nu are doar o extindere spațială, dar și temporară, că este conectată nu numai cu artistul, ci are o relație specială cu cuvântul și muzica.
Mise-en-scene este o imagine plastică și sonoră, în centrul căreia se află o persoană vie, activă. Culorile, lumina, zgomotul și muzica sunt suplimentare, iar cuvântul și mișcarea sunt componentele sale principale. Arta mise-en-scene este incheiata in capacitatea deosebita a regizorului de a gandi cu imagini din plastic, cand vede toate actiunile piesei exprimate plastic prin actori. Ca și dansul - limba baletului, deci expresivitatea plastică a lanțului continuu de mise-en-scenes este limba regizorului.
În epoca regulii despotică a directorului în teatru ... regia în avans prin dezvoltarea întregii formulări a planului, el a subliniat, cu excepția, desigur, cu acei participanți la performanță, contururile generale ale imaginilor pitorești și subliniat toți actorii de așteptare. În prezent, lucrarea creatoare a regizorului trebuie să fie realizată în colaborare cu actorii, nu înainte sau în legătură cu ea.
Scena mise en este locația actorilor de pe scenă în raport cu ceilalți și cu mediul lor.
Scena mise en este întotdeauna o imagine a mișcărilor și acțiunilor personajelor. Aceasta este o imagine plastică și sonoră, în centrul căreia există o persoană vie.
Scena mise en are propria sa scenă de mise en tempo ritm. O bună imaginativă mise-en-scene nu apare niciodată singură și nu poate fi un scop în sine pentru regizor, este întotdeauna un mijloc de soluționare complexă a unei serii întregi de sarcini creative. Aceasta include dezvăluirea acțiunii transversale și integritatea evaluării imaginilor și a bunăstării fizice a actorilor și a atmosferei în care are loc acțiunea. Toate acestea formează o scenă mise en. Mise-en-scene este cel mai important mijloc al creativității regizorului. Misterios, dacă este exact, atunci există o imagine. O mise-en-scene bine construită poate elimina neajunsurile abilității actorului și o poate exprima mai bine decât a făcut-o înainte de nașterea acestei mise-en-scene.
Atunci când construim o piesă, trebuie să ne amintim că orice schimbare a scenei mise înseamnă o schimbare de gândire. Tranzițiile și mișcările frecvente ale interpretului zdrobesc gândul, ștergând linia de acțiune în timp ce vorbesc în felul propriu.
În mod deosebit cu prudență, trebuie să vă ocupați de scenariul mise en, atunci când artiștii interpreți sau executanți sunt în prim plan. Căci chiar și cea mai mică mișcare este considerată o schimbare a mise-en-scene. Strictețea, simțul proporției și gustului sunt acei consilieri care pot ajuta directorul în această situație. De îndată ce limba mise-en-scena devine o expresie a vieții interioare a eroului, supertascul, el dobândește bogății și diversitate.
Știm avion, adâncime, mise-en-scences, construite orizontal, vertical, diagonal, frontal. Scena mise en este rectilinie, paralelă, cruce, spirală, simetrică și asimetrică.
Scena mise en nu este o etapă specială în activitatea regizorului, divorțată de toată munca sa anterioară cu artiștii interpreți sau executanți. Mise-en-scene sunt născute din acele acțiuni organice pe care interpreții performanței le fac. Mise-en-scena este un mijloc de întruchipare și o expresie scenică a ideii piesei. Tot ce a fost găsit de către interpret de-a lungul liniei adevărului vieții își găsește expresia într-o scenă strălucitoare și expresivă.
Mise-en-scena este un concept mai larg. Nu numai tranzițiile actorilor și ale plasamentului, ci și toate acțiunile actorului, gesturile și detaliile comportamentului său, totul este, de asemenea, scena tuturor.
Orice mise-en-scène bine conceput trebuie să îndeplinească următoarele cerințe:
1. Ar trebui să fie mijlocul de exprimare plastică cea mai vii și completă a conținutului principal al episodului, stabilirea și fixarea acțiunii principale a interpretului, găsită în etapa anterioară de lucru pe piesă.
2. Este necesar să se identifice corect relația actorilor, lupta care are loc în joc și, de asemenea, viața interioară a fiecărui personaj în momentul vieții sale scenice.
3. Fii adevărat, natural, vital și dramatic expresiv.
Arta construirii de scene luminoase, expresive, veritabile depinde de nivelul cultural general al regizorului. Din gustul său artistic, din cunoașterea vieții sale, din înțelegerea sa a marilor opere de pictură și sculptură. Ele pot servi ca modele de mise-en-scene, deoarece se bazează pe ideea clară de acțiune organică.
Deci, decizia figurativ-plastică a spectacolului teatral este una dintre cele mai importante sarcini de direcție, iar mise-en-scena este unul dintre cele mai puternice mijloace expresive de direcție.
Înainte de a vorbi despre importanța ritmului și a ritmului în arta teatrală și despre metodele practice de a le stăpâni, este necesar să clarificăm conceptele înseși, la care sunt atașate diferite semnificații. Luate din vocabularul muzical, termenii ritm și ritm au devenit ferm stabiliți în practica teatrală și pedagogie pentru a desemna anumite proprietăți ale comportamentului uman.
Tempo este gradul de viteză al acțiunii care se efectuează. Puteți acționa încet, moderat, rapid etc., ceea ce va necesita utilizarea unor costuri diferite de energie, dar nu va avea întotdeauna un impact semnificativ asupra statului intern. Astfel, un regizor neexperimentat, care dorește să ridice tonul piesei, îi face pe actori să vorbească și să acționeze mai repede, dar o astfel de accelerare mecanică externă nu dă naștere unei activități interioare.
Un alt lucru este ritmul comportamentului. În cazul în care se spune, de exemplu, că „jocul nu este în ritm“, atunci se înțelege nu numai viteza, dar intensitatea acțiunii și experiența actorilor, care este, tensiunea emoțională interioară, în care evenimentele etapă. În plus, conceptul de "ritm" include ritmul, adică acea sau acea dimensiune a acțiunii, organizarea ei în timp și spațiu. Când spunem că un om se mișcă ritmic, vorbește, respiră, lucrează, ne referim la o uniformă, alternanță lină a momentelor de tensiune și relaxare, precum și eforturile de pace, în mișcare și sa oprit. Pe de altă parte, este posibil să se vorbească inimii unui pacient aritmie lui, mers șchiop de vorbire, încâlcită bâlbâindu despre munca spasmodic, prost organizat, și așa mai departe. N. Ambele, adică, ritmul și denivelările este, de asemenea, inclusă în conceptul de ritm și determină caracterul dinamic al acțiunii, modelul său extern și intern.
Astfel, prin termenul "ritm" se înțelege atât intensitatea, cât și dimensionalitatea acțiunii care se desfășoară. În același ritm rapid, acțiunile pot fi complet diferite și, prin urmare, au ritmuri diferite.
Ritmul și ritmul conceptului sunt interdependente, astfel încât Stanislavsky adesea le unește împreună, folosind termenul tempo ritm. În multe cazuri, acestea se află în dependență directă între ele: un ritm accelerat accelerează procesul acțiunii și, dimpotrivă, un ritm inferior determină încetinirea acestuia. Tempo-ritm al spectacolului - conform lui KS Stanislavsky - sinteza ritmului și ritmului spectacolului; creșterea sau scăderea, accelerarea sau decelerarea, fluxul neted sau dezvoltarea rapidă a acțiunii scenice.
Ritmul și tempo-ul sunt interconectate, deoarece caracterizează o unitate elementară de acțiune preluată pe o unitate elementară a timpului de scenă. Ritmul determină tempo-ul, dar schimbările în tempo (menținând structura unității ritmice) determină modificări ale naturii ritmului. De aceea, ambele fenomene există practic simultan, făcând împreună un singur concept de tempo - ritm.
Dezvoltarea ritmului tempo al spectacolului este un proces ondulat, în care suișurile și coborâșurile sunt compuse din suma tempo ritmurilor acțiunilor, episoadelor, scenelor. În general, ritmul performanței este un indicator al intensității funcționării sale. KS Stanislavsky a afirmat: "Ritmul tempo al întregii piese este un ritm - ritmul acțiunii sale și al subtextului de la sfârșitul la sfârșit".
Tempo-ritmul performanței este o caracteristică dinamică a compoziției sale plastice. Și după cum a spus Stanislavsky, ". joacă Tempo-ritm și redare - nu este doar una, ci o serie de complexe mari și mici, viteze diverse și disparate și dimensiuni îmbinate armonios într-o singură unitate mare.
Până în prezent, este foarte comună opinia că există două tipuri de ritm: interne și externe. Ideea a ritmului intern este asociat cu „spiritul uman rolul de viață“, precum și prezentarea ritmului extern al unei „viață a corpului său uman.“ Între timp, știința ne spune că viața spiritului și viața corpului sunt combinate într-un singur etape de proces, în cazul în care ponderea prima sosire a două părți, ponderea cea de a doua - a treia. În acțiunea etapă primele două etape au loc în mintea actorului, iar al treilea cuvânt este detectat în sau în mișcare - în (motor) manifestare verbală sau solidă de acțiune. Care este relația dintre aceste trei părți de acțiune depinde de circumstanțele obiectivul acțiunii propuse, și proprietățile subiective ale persoanei și în cazul acțiunii etape - identitate artistoroli. Aceste proprietăți sunt: puterea proceselor nervoase de bază (iritante și inhibitoare), echilibrul acestor procese între ele și mobilitatea acestora. Astfel, vorbind despre primele două etape ale acțiunii actorului într-un rol, trebuie să ținem cont nu numai de viteza reacției, ci și de puterea și stabilitatea ei. Pur și simplu pune, natura personajului este revelat nu numai în ce acțiuni el realizează, dar, de asemenea, cât de repede se evaluează fiecare fapt, în fiecare situație, precum și cât de puternică și determinarea sentimentelor și intențiile legate de percepția situației sale. Datorită acestor calități depinde de răspunsul său, exprimat în cuvânt sau în mișcare.
Astfel, actorul în orice moment al vieții scenice a eroului său are nevoie: să evalueze ceva, să ia o decizie și să pună în aplicare această decizie în acțiune, verbală sau motorie.
Acțiunea nu este verbală, însă fizica - pe care o vom numi motor - este asociată cu mișcarea în spațiul scenelor și se desfășoară și în timp scenic. Acest lucru este deja suficient pentru a confirma dependența acțiunii motorii de ritmul tempo al acțiunii ca atare. Deoarece în fiecare rol există niște ritmuri tipice care predomină pentru acest rol, ele se manifestă atât în acțiunea fizică, cât și în cele verbale. Dacă cineva este soluții specifice lente, ele sunt exprimate în mod egal încet și în cuvinte, și în mișcările și propriu cuiva răspuns rapid este rapid și să strige verbale, și expresie plastică.
Și ca tempo-ritmuri de acțiune constă în tempo-ritmul vieții etapă a fiecărui personaj al piesei, astfel încât tempo-ritmuri de doi sau mai mulți membri ai episod, scena se dezvoltă tempo și ritmul fiecărui segment prin acțiunea piesei. Dacă doi sau mai mulți oameni fac un singur lucru, atunci acțiunea fiecăruia este egală în timp cu acțiunea celuilalt. Dacă doi ar fi hotărâți să-l convingă pe al treilea într-un fel, îl vor convinge, îl vor convinge, îl vor inspira, vor dovedi până când cel de-al treilea va fi de acord cu argumentele lor. Și cel puțin asigurați-vă că nu prezinte argumentele lor la unison, și, la rândul său, se încheie impactul lor global asupra absolut același timp partenerului - în momentul în care el va fi convins de ei, și într-un fel în care constată. Pe de altă parte, rezistența de a convinge, de asemenea, durează exact atâta timp cât a durat un impact convingător: acțiune și de reacție sunt arii egale. Contrapartida se naste ca raspuns la impact, simultan cu acesta - si in acelasi timp cu acesta, cand lupta lor duce la un rezultat.
Astfel, toate acțiunile îndreptate simultan către același scop sunt egale în timp unul cu celălalt și egale cu acțiunea rezistenței. Prin urmare, cu toate că fiecare dintre ele în mod individual pot avea o structură ritmică diferită, ele sunt zona cantitativ egale, astfel încât mai multe diferite tempo-ritmuri fuzioneze într-un singur tempo-ritm al scenei, scena a piesei.
Din tempo-ritmul episodului, care determină lungimea pauzei depinde de numărul, viteza, dimensiunea și intensitatea mișcărilor care alcătuiesc acțiunea motorului și, în consecință, caracterul său ca (bruschete, claritate, rapidității sau - moliciune, netezime, etc), și în analiza finală - o scenă mise en.
Trimiteți-le prietenilor: