Este posibilă predarea creativității

Este posibil să predați creativitatea?

Gloriosul regizor de teatru G Tovstonogov spune: "Viitorul pictor poate fi învățat elementele de bază ale perspectivei, compoziției, dar nu puteți învăța o persoană să fie un artist. Și în afacerea noastră. "







Dacă această afirmație este înțeleasă în așa fel încât pentru a deveni un artist, aveți nevoie de o înzestrată specială, de creativitate, atunci este imposibil să argumentați cu acest lucru. Astăzi, nu este neobișnuit ca părinții talentați - artiști, compozitori etc. să încerce să-i facă pe copii să urmeze pe urmele lor. Cu toate acestea, ele fac adesea o greșeală și, deseori, distorsionează soarta copiilor lor. Faptul că există o lege de regresie la nivelul mediu (. Vezi mai multe: Bow AP Psihologia creativității - 1978 AM.) Legea nu spune că descendenții unei persoane talentat degenerează în mod necesar. Dar aceeași lege spune că doar într-un număr foarte mic de cazuri este la fel de talentat ca și părinții. Descendenții câștigătorilor Nobel nu sunt recompensați cu premiul Nobel (excepție - fiica lui Pierre și Marie Curie și fiul lui Niels Bohr). Cel mai adesea abilitățile puilor sunt la jumătatea distanței dintre nivelul mediu și nivelul părinților. Din legea de regresie la nivelul mediu cu nevoia de a se muta la descendenții grupurilor profesionale, care includ părinții, la alte grupuri profesionale care necesită un talent deosebit.

Dacă nu puteți face un artist din fiecare persoană, poate, de la toată lumea, puteți aduce o persoană creativă? Majoritatea oamenilor de știință dau un răspuns pozitiv la această întrebare. Mai dificilă și mai discutabilă este întrebarea despre locul în care această educație aparține proceselor de predare, învățare, școală în sensul cel mai larg al cuvântului. În viitor, vom vorbi despre o școală de artă, o școală pitorească.

Există un punct de vedere conform căruia școala împiedică identificarea potențialului creativ al personalității artistului. Expresia cea mai extremă a acestei poziții se găsește în declarația Derain, pictor francez, unul dintre „sălbatic“ (fovismul), „Exces de cultură - el crede - cea mai mare amenințare la art. Un artist adevărat este o persoană nevăzută. " Poziția artistului rus A.N. Benoit: "... totul e rău, dacă îl înveți! Este necesar să lucrezi cu vânătoarea, plăcerea, hobby-ul, să iei ceea ce se întâmplă, să iubești munca și să lucrezi pentru a studia imperceptibil ".

Chiar și cei care sunt pentru școală, pentru știință, nu pot să nu înțeleagă contradicțiile obiective dintre regulile de predare, legile și creativitatea. Atunci când un maestru rus MA deosebit. Vrubel și-a început studiile la Academia de Arte cu renumitul și "talentat profesor general al artiștilor ruși" (în cuvintele lui Stasov) PP. Chistyakov, i sa părut că "detaliile tehnologiei", cerințele unei școli serioase sunt în centrul atitudinii sale față de artă.

Faptul că învățarea conține în mod inevitabil, elemente de „natură schematică, care - în conformitate cu Vrubel - scandalizat de un sens real, astfel încât să-l oprimat că ... te simți teribil de inconfortabil și nevoia de a forța veșnică te la locul de muncă, care este cunoscut, ia jumătate din calitatea sa. " Desigur, în același timp sa realizat un anumit scop - detalii tehnice au fost asimilate. Dar atingerea acestui scop nu poate să-i aducă aminte de enormitatea pierderii: "Vederea naivă, individuală, este întreaga forță și sursă a plăcerilor artistului. Deci, din păcate, se întâmplă uneori. Apoi spun: școala a câștigat talent. " Dar Vrubel "a găsit drumul înverzit înapoi la el însuși". Acest lucru sa întâmplat pentru că principalele prevederi ale sistemului pedagogic Chistyakov, așa cum am înțeles mai târziu artistul, „au fost nimic mai mult decât formula de atitudinea mea față de natură vie, pe care am investit.“ Concluzia este aceeași: aveți nevoie pentru a construi un sistem de educație, școală, astfel încât nu numai că nu s-ar interfera cu dezvoltarea personalității creatoare a artistului, dar în orice mod a contribuit la aceasta.

De remarcat în acest sens sunt gândurile sculptorului remarcabil A.S. Golubkina a exprimat într-o carte mică, „Câteva cuvinte despre meseria de sculptor“ (1923). Sculptorul consideră, de asemenea, că, începe să învețe, autodidact în școală își pierd sinceritatea și spontaneitatea lor, și se plâng de școală, ea este ucis în ele. "Acest lucru este parțial adevărat." Adesea, înainte de a merge la școală, există mai mult de un fel de lucru în lucrări, iar apoi devin "incolore și stereotipate". Pe această bază, unii chiar refuză școala. "Dar acest lucru nu este adevărat ..." De ce? În primul rând, pentru că nici o școală autodidact în cele din urmă a produs un șablon, și „ignoranța de modestie se transformă în antren de ignoranță.“ Ca rezultat al podului până la arta reală nu poate fi. În al doilea rând, imediarea inconștientă a ignoranței nu poate rezista mult timp. Chiar și copiii vor începe foarte curând să-și vadă greșelile și că se va termina imediata lor. Înapoi la inconștiență și imediate nu există nici un drum. În al treilea rând, școala poate și trebuie să fie organizate astfel încât să neutralizeze nu numai aspectele negative asociate cu necesitatea de a stăpâni meserii, abilități, reguli sau modele, dar chiar și în procesul de învățare a ambarcațiunii, în același timp, pentru a „preda“ creativitatea.

Care sunt principalele puncte ale organizării procesului educațional care contribuie la formarea personalității creatoare a artistului? În acest sens, pedagogia artistică mondială și națională a acumulat o anumită experiență. O mulțime de valoroase, de exemplu, este conținută în sistemul pedagogic Chistyakov, Stanislavski, Neuhaus și altele. Motivul este acela că (printre altele) că profesorii restante recunosc, uneori intuitiv, și de multe ori, teoretic, în mod conștient legile importante psihologice ale activității creatoare.

Creativitatea este liberă, imprevizibilă și individuală. Cum poate fi combinat acest lucru cu necesitatea de a îndeplini anumite sarcini (exerciții), în conformitate cu regulile (principiile etc.) comune tuturor celor care studiază în această școală? În sistemul pedagogic al PP. Chistiakov, așa cum își amintește artistul V. Baruzdin, a fost principiul: "Una era pentru fiecare o lege și diferite modalități de abordare a sarcinii au fost oferite individualității elevului". Diferența dintre metode se datorează două circumstanțe, pe care Golubkina le scrie bine.

Primul și cel mai important lucru: să lucrezi trebuie să procedezi deliberat, să vezi în sarcină ceva interesant pentru tine. În cazul în care un astfel de interes nu va, nu va funcționa, și „exercițiu lent“, care nu sunt acoperite de interes numai anvelope și artistul stinge. Dacă vă uitați la sarcină cu interes, va exista întotdeauna ceva complet neașteptat. Desigur, abilitatea de a vedea interesant în mare parte înnăscută, dar „poate dezvolta într-o penetrare mare“, și aici un rol important aparține profesorului, imaginația lui, abilitatea lui de a lua în considerare individualitatea elevului.







Cea de-a doua circumstanță, care determină posibilitatea unor abordări diferite pentru îndeplinirea aceleiași probleme tehnice, constă în faptul că mâinile, ochii, sentimentele și gândurile fiecărei persoane sunt diferite de oricine altcineva. Prin urmare, "tehnica" nu poate fi decât individuală "dacă nu conține un outsider, depersonalizând-o". Care este sarcina profesorului în această privință? PP Chistyakov a avut dreptate că nu este necesar să se predea "originalitatea" sau "manierele" tehnologiei, este inerentă fiecăruia "prin natură". Dar este important să subliniem atenția elevului față de îndeplinirea individuală a unei sarcini obligatorii și identice, pentru că aceasta este deja concluzia că V.D. Kardovski (student al lui Chistyakov, un grafic binecunoscut) la descris ca o "premoniție a artei".

Chiar și mai mult o astfel de "premoniție" nu era obligatorie, ci în sarcini creative, practicată pe scară largă și diversă în sistemul de învățământ al lui Chistiakov. A existat mult mai mult spațiu pentru libertate, imprevizibilitate și auto-exprimare individuală a elevului.

În procesul de predare a creativității, profesorul trebuie să cunoască principalii "inamici" ai dezvoltării creative, factorii de inhibare. Psihologia creativității afirmă că cel mai important dușman al creativității este teama. Frica de eșec înfrunt imaginația și inițiativa. AU. Golubkina în cartea pe care am menționat-o deja despre sculptorul scrie că un adevărat artist, un creator, trebuie să fie eliberat de frică. "Și nu știu cum, și chiar să-ți fie frică, e nefericită".

În legătură cu ceea ce sa spus, apare o întrebare practică foarte importantă cu privire la oportunitatea examinărilor și a evaluărilor în procesul de învățare a creativității. De exemplu, P.P. Chistyakov a crezut că, deoarece "forțele tinere iubesc concurența", performanța misiunilor de evaluare este, în principiu, utilă și poate stimula succesul în învățare. Cu toate acestea, el a considerat că munca constantă "pe număr", adică pentru examen și concurs, este dăunătoare. O astfel de muncă este în mod inevitabil legată de teama de a nu respecta termenul limită. Studentul este distras de soluția creativă a problemei și îl înlocuiește cu respectarea regulilor obligatorii. "Formalitatea" este observată, dar cazul se înlătură; este pus pe al doilea plan. Grănindu-se pentru a termina lucrarea pentru examen, artistul scrie "aproximativ semi-dimensional", și nu-l puteți învinui pentru asta.

Astăzi, mulți educatori în cauză, astfel încât în ​​procesul de învățare (de exemplu, limbi străine), în același timp, pentru a dezvolta, a construi personalitatea creatoare a unui student ajuns la concluzia că, în general, este necesar să se elimine evaluarea performanței sistemului și upgrade la definirea dinamicii de performanță de testare. Rezultatele testelor sunt importante pentru profesor, pentru persoana care gestionează procesul de învățare și dezvoltare. Studentul ar trebui să știe că el avansează. Chistyakov, de exemplu, a subliniat în mod constant că o evoluție treptată și constantă trebuie să fie simțită de un tânăr artist. Locul fricii ar trebui să aibă emoții pozitive - un factor puternic în dezvoltarea creativă.

Un alt dușman al creativității este autocritica prea înaltă. devenind o persoană creativă, teamă de greșeli și imperfecțiuni. Un artist tânăr trebuie să înțeleagă cu fermitate cel puțin două circumstanțe. În prima circumstanță a spus bine și poetic artistul francez Odilon Redon: „În artistul trebuie să aibă reședința nemulțumire ... Frustrare - o nouă enzimă. Reînnoiește creativitatea ... "O idee interesantă despre beneficiile neajunsurilor a fost exprimată de faimosul pictor belgian James Ensor. Apelarea tinerilor artiști nu se tem de greșeli, „realizările de sateliți normale și inevitabile, el a spus că într-un anumit sens, și anume în ceea ce privește lecțiile învățate, deficiențe chiar“ avantaje interesante, «ei nu au» aceeași perfecțiune „sunt diverse - acestea sunt foarte viata, ele reflecta personalitatea artistului, caracterul sau.

Golubkina a subliniat a doua circumstanță foarte precis. Tânărul artist, crede ea, este important să poți găsi și prețuiești binele în munca ta. "Este la fel de important ca abilitatea de a vă vedea greșelile." Bine, poate nu atât de bine, dar pentru o anumită perioadă de timp este mai bine și ar trebui protejat "ca un pas" pentru mișcare ulterioară. Nu vă fie rușine că admirați și apreciați locurile bine luate în lucrările voastre. Ea dezvoltă gustul, află tehnica inerentă artistului dat. Nu puteți trata în mod egal tot ceea ce face artistul. Dar nu se va auto-mulțumire, oprirea de dezvoltare, să dezvolte în acest caz? Nu trebuie să se teamă, pentru că ceea ce este bine acum, într-o lună, nu merită. Prin urmare, artistul "a depășit" acest pas. "La urma urmei, dacă vă bucurați în binele vostru, vă veți simți mai rău, chiar mai rău, în care nu există niciodată un deficit."

Al treilea inamic grav al dezvoltării creative a individului este lenea, pasivitatea. Împotriva unui astfel de inamic nu există un antidot mai bun decât o abilitate, un profesor de artă pentru a trezi și a menține interesul elevilor în muncă, atenția și energia folosind, provocări interesante, chiar și atunci când predarea tehnologiei „elementare“. Și studenții ar trebui să fie învățați acest lucru. Chistyakov le-a spus: "Să nu pictezi niciodată în tăcere, ci să te întrebi în mod constant o sarcină". "Este necesar să complicăm treptat și în mod constant sarcinile și să nu le repetăm ​​mecanic". Chistyakov, de exemplu, a folosit contrastul - "exercițiu în mod drastic invers": imediat în loc de viață încăpățânată scrie un cap. Scopul acestor tehnici este de a menține interesul, tonul emoțional. "Pentru a conduce pământul într-o roabă", a spus Chistyakov, "poate fi liniștit, măsurat și monoton; învățați aceeași artă, astfel încât să nu puteți. Artistul trebuie să fie energie (viață), efervescență „Ca un testament pentru tinerii artiști sunt cuvintele unui profesor:“ Nu Dally în lucrările, și de a face ca și în cazul în care pentru o perioadă, dar încet și nu ceva de genul „“ cu toată puterea lui, cu toate suflet, indiferent de sarcina, mare sau mică ... "

Metode pedagogice Chistyakov merită multă atenție și, fără îndoială, poate fi aplicat în orice fel de creație artistică, nu numai în pictura.

În capitolele anterioare, am acordat o atenție deosebită empatiei ca fiind una dintre cele mai importante abilități necesare pentru personalitatea creativă a artistului. Nu este greu de ghicit că, pentru a preda cu succes creativitatea, este necesar să se creeze condiții favorabile pentru dezvoltare, formarea abilităților creative, inclusiv a celor empatice. Să analizăm pe scurt ceea ce spune știința modernă despre acest lucru.

Stabilit experimental (în principal, în studiile străine în țara noastră, studiul experimental de empatie abia începe să se dezvolte) relația dintre îndemnul de empatie (simpatie) și imitație îndemnare. Discrepanța este observată în răspunsurile la întrebări, mai întâi și apoi la ce. O mare influență asupra puterii empatiei este asemănarea dintre profesor și student. Rolul este, de asemenea, jucat de credința în ceea ce spun alții despre similitudinea stagiarului cu modelul. Se observă: cu cât sunt mai imitați, cu atât mai mult văd similitudinea. Asemănarea este deosebit de eficientă în empatie nauchenii când este atractiv pentru cel care învață, atractivitatea modelului (cum ar fi un profesor sau student), cu care există o identificare, este adesea descris ca un sentiment special de iubire este principalul motivațional empatia pârghie. Există o sarcină de cercetare - cum să îmbunătățiți predarea iubirii. Dragostea este una dintre legile învățării creativității. În plus, este motive importante, cum ar fi „îngrijire“, „cauză comună“ a grupului căruia îi aparține sau dorește să aparțină studentului. În acest tip de grup (un grup de referință așa-numitul) mecanism de deplasare acționează experiență sau experiențe de înlocuire în mod eficient. Elevul se identifică cu alți studenți și se simte empatic cu ei (așa-numita "identificare a rolului"). Există și mecanisme eficiente de încurajare ("întăriri"). Nu este doar empatie studentului cu profesorul, dar, de asemenea, capacitatea profesorului de a intra în lumea imaginației și a experienței studenților. Unele dovezi sugerează că imitarea, identificarea dau satisfacție în sine și fără ele.

Printre obiectele de identificare, atunci când se preda creativitatea, se acordă un loc important cazului, în care este implicat grupul de referință. Identificarea cazului este calea către formarea unei personalități creatoare cu o motivație mai înaltă, o personalitate matură, care se auto-actualizează.

Identificarea, în special la o vârstă fragedă, subliniază eficacitatea învățării imitative (imitative) în anii următori.

Când formarea creativă persoană artist de o importanță deosebită sunt metode, tehnici (de exemplu, recuperarea și personificare al.) Facilitarea identificării cu o formă de artă. prin intermediul expresiei (linii spațiale forme de culoare și colab.), materialul și uneltele (tăietor pensula, vioara si p. m.) creativitate.

S-ar putea indica multe rezultate experimentale legate de formarea abilităților empatice. Cunoașterea acestor date este necesară pentru creșterea eficienței creativității. Este necesar doar să ne amintim că multe dintre teoriile de formare artistică și educație în Occident și în țara noastră este de multe ori abordare caracteristică funcționalistă. Singura unilateralitate a acesteia este că formarea și educația în acest domeniu nu este tratată ca formarea personalității artistice și creative ca integritate. Exerciții și modul în care numai anumite (deși importante) abilități, motivații și care au vizat restrâns, astfel încât. N. O mai productivă nu este dezvoltarea abilităților individuale și de personalitate ca integritate, precum și cu abilitățile ei. În acest sens, în opinia noastră, este necesar să se pună accentul în practica formării potențialului creativ al unei persoane artistice.

Distribuiți această pagină







Articole similare

Pagina anterioară

Pagina următoare

Trimiteți-le prietenilor: