Expresionismul abstract

Numele lucrării: Abstract expressionism

Specializarea: cultura și istoria artei

Descriere: Portret și vis Portrit nd Drem 1953 Paște și Ester Totem II Totem 1953 Gray Ocean Ocen îndulcit amărăciunea 1953 Depth Deep Mark Rothko emigrației către familia Statele Unite ale Americii Capitolul Rothkowitz temându-se că copiii să fie luat pentru a servi în armata imperială a decis să emigreze în Statele Unite, în urma exemplul multor familii de evrei fug de pogromuri. În America a plecat deja doi frați Jacob Rotkovicha care sa stabilit în Portland, Oregon și angajate în producția de îmbrăcăminte. Munca timpurie.

Mărime fișier: 44.38 KB

Lucrarea a fost descărcată: 3 persoane.

Expresionismul abstract # 151; școală (mișcare) a artiștilor. desenat repede și pe pânze mari, folosind curse ne-geometrice, perii mari, vopsele uneori picurând pe panza, pentru a detecta cât mai mult emoțiile. Metoda expresivă a picturii aici are adesea același înțeles ca și desenul. Scopul artistului cu această metodă creativă este exprimarea spontană a lumii interioare (subconștient) în forme haotice care nu sunt organizate de gândirea logică.

Expresionismul abstract este considerat prima tendință americană veche în artele vizuale, care a câștigat recunoașterea în întreaga lume. Mulțumită lui, New York a devenit unul dintre centrele artei mondiale împreună cu Parisul. Expresionismul abstract combină intensitatea emoțională a expresionismului german și estetica școlilor europene de abstractizare. cum ar fi futurismul. Bauhaus și cubism. Unul dintre cei mai străluciți reprezentanți ai acestei tendințe este Jackson Pollock.

câmp de culoare și pictura hard-margine este foarte aproape de expresionismul abstract și, împreună cu alte fluxuri formează cea de a doua generație de expresionism abstract american. Ca răspuns la aceste tendințe în domeniu originea artei pop americana.

Paul Jackson Pollock

În primele lucrări ale lui Pollock, vezi influența artiștilor mexicani Diego Rivera și Jose Clemente Orozco. pe care la admirat la momentul respectiv. După ce ia cunoștință de lucrările lui Pablo Picasso și suprarealiștilor, opera sa devine mai simbolică. În anii 1930, a călătorit extensiv pe teritoriul Statelor Unite. Cu toate acestea, în 1934 sa stabilit la New York.

De mult timp, Pollock încearcă să facă față depresiei cu ajutorul psihanalizei. care provoacă interesul său pentru teoria lui Karl Gustav Jung despre arhetipuri. a avut un impact puternic asupra lucrării sale din 1938 # 151; 1944 de ani.

Viața în Arcuri și crearea unei tehnologii unice

În 1944, Pollock sa căsătorit cu Lee Krasner și în 1945 sa mutat la Springs din East Hampton. În Springs, cumpără o fermă tipică cu două etaje, cu o șopron în apropiere, în care Pollock organizează un atelier. În 1947 Pollock a inventat o noua tehnica, el începe să lucreze pe panza dimensiuni uriașe, răspândindu-le pe podea, și spray-uri vopsea cu o perie fără să le atingă la suprafață. Ulterior, această tehnică a devenit cunoscută sub numele de picurare sau stropire. Deși artistul însuși a preferat termenul de tehnică care curge. Din acest motiv, el primește porecla Jack Dripper.

Pollock era familiarizat cu așa-numita pictura de nisip # 151; Obiceiul ritual al indienilor Navajo de a crea picturi de nisip. El a văzut expoziția din Muzeul de Artă Modernă în anii 1940, pe lângă faptul că se putea întâlni cu ea în timpul călătoriei sale în Occident, deși această chestiune nu a fost clarificată pe deplin. Alte influențe asupra tehnicii sale de stropire # 151; acestea sunt râurile menționate mai sus și Orozco, precum și automatismul suprarealist. Pollock nu a recunoscut existența evenimentului. el avea de obicei idei specifice pentru a crea o imagine. Aceasta a fost întruchipată în mișcările corpului său, pe care le controla complet, în combinație cu un flux dens de vopsea, forța gravitației și modul în care vopseaua a fost absorbită în pânză. O combinație de gestionate și neangajate. Aruncând, aruncându-se, stropind, se mișca energic în jurul pânzei, ca și cum ar fi dansat și nu sa oprit până nu a văzut ce voia să vadă.

Hans Namuth, un fotograf tânăr student, a devenit interesat de munca lui Pollock și a vrut să-i facă o fotografie despre el la locul de muncă și să facă un film. Pollock chiar a promis să înceapă un nou loc de muncă special pentru fotografia, totuși, când Namut a sosit, și-a cerut scuze și a spus că lucrarea a fost deja încheiată.

Prima expoziție a lucrărilor lui Pollock în Galleria Batty Parsons în 1948 a fost o senzație și a avut un succes financiar. Pollock a reușit să achiziționeze un atelier mai mare și acolo a creat în 1950 o serie de șase lucrări, care mai târziu au devenit cele mai renumite. În 1949, revista Life Magazine numea Pollock cel mai mare artist american.

Anii 1950 și mai târziu

După 1951, lucrarea lui Pollock a devenit mai închisă în culori, adesea chiar negru, iar din nou au apărut elemente figurative. Pollock a început să prezinte lucrările sale în galerie, axat mai mult pe un succes comercial, iar acestea sunt în mare a cererii de către colecționari de artă modernă. Sub această presiune, perversa lui Pollock pentru alcoolism a crescut.

Lucrarea sa "Uite ca o maimuță" în 1952 a fost vândută în 1973 pentru două milioane de dolari, la acel moment era un preț record ridicat pentru o piesă de artă contemporană.

Activitatea lui Pollock a împărțit întotdeauna criticii în diferite tabere. Harold Rosenberg a vorbit despre transformarea picturii într-o dramă existențială, ce apare pe pânză # 151; aceasta nu este o imagine. dar cazul. Un eveniment important a fost decizia de a picta pentru a "trage doar". Mișcările corpului lui Pollock în jurul pânzei # 151; este mișcarea eliberării de valori. politic. estetic. morală.

Clement Greenberg a proclamat expresionismul abstract, și în special Pollock, o expunere concisă a valorilor estetice. Astfel, lucrările lui Pollock păreau a fi cea mai bună pictură din acest moment, culminarea tradiției artistice care se întorcea la lucrările cubiștilor și Cezannei lui Monet. în care pictura devine mai curată și mai concentrată.

Aripile stângi ale criticilor au considerat munca lui Pollock într-un context politic și și-au explicat succesul ca o valoare ideologică în cadrul imperialismului american. Ei au atras atenția asupra faptului că expoziția postumă Pollock a fost sponsorizat de CIA și a concluzionat că clasa conducătoare a ales Pollock ca mijloc de combatere a influenței Parisului, spre deosebire de realismul socialist. Astfel, Pollock a fost susținut și promovat ca o "armă în războiul rece" [1].

Feministele, de asemenea, sa uitat la dezaprobare Pollock, văzând în modul de funcționare și dans pulverizare fanteziile falocentrică de sex masculin peste panza simbolic întinsă.

Alți critici, precum Craig Brown, au fost uimiți că "aceste imagini de fundal" pot avea ceva de-a face cu istoria artei și pot să stea lângă lucrările lui Giotto. Titian și Velasquez.

Titlul "Reynolds News" ("Reynolds News") din 1959 a citit: "Aceasta nu este o artă # 151; aceasta este o glumă. și un gust prost "[1].

Salvador Dali asa a descris în lucrarea sa "Jurnalul unui geniu", „Pollock: abstract Marseillaise. Un romantic de sărbători și focuri de artificii, cum ar fi primul taco senzualist al lui Monticelli. Nu e la fel de rău ca Turner. La urma urmei, nu este nimic mai mult decât nimic. "

Muncă semnificativă

1942 # 151; "Bărbat și femeie"
1943 # 151; "Luna-femeie taie cercul"
1942 # 151; "Figura stenografică" ("figura stenografică")
1943 # 151; "She-Wolf" ("She-Wolf")
1943 # 151; "Albastru (Moby Dick)" ("Albastru (Moby Dick)")
1946 # 151; "Ochii în căldură"
1946 # 151; "Cheie" ("Cheia")
1946 # 151; "Cupa de ceai"
1946 # 151; "Substanța strălucitoare" ("Substanța strălucitoare")
1947 # 151; Full Fathom Five
1947 # 151; "Catedrală" ("Catedrală")
1947 # 151; „Convergență» ( «Convergență»)
1947 # 151; "Pădurea încântată" (Pădurea Enchanted)
1948 # 151; «Numărul 5, 1948»
1948 # 151; «Pictura» ( «Pictura»)
1948 # 151; "Numărul 8" ("Numărul 8")
1948 # 151; „Vara. numărul 9 A »(« Ora de vară: numărul 9A »)
1950 # 151; "Numărul 1" ("Numărul 1, 1950 (Lavender Mist)")
1950 # 151; "Ritmul toamnei" ("Ritmul toamnei: nr.30, 1950")
1950 # 151; "Unul: Numărul 31" ("Unul: Nr. 31, 1950")
1951 # 151; "Numărul 7" ("Numărul 7")
1952 # 151; "Coloanele Albastre" ("Polonezii Albi: Nr. 11, 1952")
1953 # 151; "Portret și un vis" (Portret și un vis)
1953 # 151; "Paștele și Totemul" (Paștele și Totemul)
1953 # 151; "Oceanul gri" ("Oceanul gri")
1953 # 151; "Deep"

Emigrarea în SUA

șef Rothkowitz al familiei, temându-se că copiii să fie luat pentru a servi în armata imperială, a decis să emigreze în Statele Unite, urmând exemplul a numeroase familii de evrei care fugeau pogromuri. În America a plecat deja doi frați Jacob Rotkovicha care sa stabilit în Portland. Oregon și angajat în producția de îmbrăcăminte. Marcus a rămas în Rusia cu mama ei și sora mai mare.

În 1913, Markus a intrat în școala generală de învățământ și a fost transferat din clasa a treia în clasa a cincea. La vârsta de 17 ani, a absolvit cu onoruri de la Liceul Lincoln. El a învățat perfect limba engleză (a patra limbă a lui Mark) și a început să participe activ la viața comunității evreiești locale, în special în cadrul discuțiilor politice.

Mark a intrat la Universitatea Yale. unde a studiat mai întâi obținut grație pentru acordarea certificatului excelent, iar mai târziu, atunci când subvenția sa încheiat, el a lucrat la plata pentru studiile sale. Universitatea Mark, împreună cu prietenul său Aaron Director, a produs o revista satirica, cu scopul de a expune viciile WASP comunității universitare ( «alb anglo-saxon protestanți"). Curând, Mark a renunțat la universitate și sa întors acolo abia după 46 de ani, pentru a primi un doctorat onorific.

Creativitatea timpurie

În toamna anului 1923 Rothko, vizitează un prieten la Scoala de Arte din New York (Arta Liga Studentilor din New York), am văzut artiști de model pictat. Așa cum a spus el mai târziu Rothko, în acel moment sa născut ca artist. Ceva timp mai târziu, sa înscris la „New School of Design“ din New York, în cazul în care unul dintre profesorii săi a fost unul dintre fondatorii „Suprarealismul abstract“ Arshile Gorki. În toamna aceluiași an, Rothko a participat la cursurile "Ligii studenților de artă din New York" lui Max Weber. a cărei influență se reflectă în lucrările timpurii ale lui Rothko. Din acel moment a început să perceapă arta ca un instrument de auto-exprimare emoțională și religioasă.

Prima expoziție solo din New York

Stil propriu

În 1936, Rothko a început să scrie o carte care nu a fost niciodată terminată, despre principiile similare ale desenelor și lucrărilor copiilor artiștilor contemporani. În opinia lui Rothko, "faptul că arta începe cu un desen # 151; deja o abordare academică. Începem cu culoarea » # 151; a scris artistul, comparând influența culturilor primitive asupra moderniștilor cu premisele imediate ale creativității copiilor. Rothko credea că modernist, ca un copil și un om de cultură primitivă, aceasta ar trebui să influențeze în performanța ideală și optime, exprimă sentimentul interior al matriței fără intervenția rațiunii. Aceasta este o experiență fizică și emoțională, nu o experiență intelectuală. Rothko a început să folosească câmpurile de culori în acuarele și peisajele urbane, tocmai atunci subiectul și forma în lucrările sale pierd sarcina semantică. Rothko a căutat în mod conștient să imite desenele copiilor. Din 1929, pentru mai mult de 20 de ani, a predat copiii la Centrul Evreiesc din Brooklyn. În 1938, el a solicitat cetățenia americană și a început să lucreze sub pseudonimul Mark Rothko abia în 1940, scurtându-l pe Marcus Rotkovich. La începutul anilor 1950, a simplificat și mai mult structura picturilor sale, creând o serie de "multiforme" # 151; modele formate din mai multe planuri de culoare. Artistul însuși și-a formulat sarcina ca "o simplă expresie a unui gând complex". Lucrările, care deja îl glorifică deja, # 151; aceasta este o pânză dreptunghiulară de dimensiuni mari, plutitoare în planurile de culoare spațială pictura "câmp de culoare".

În același timp, el a spus: "Nu trebuie să considerați picturile mele ca fiind abstract. Nu am intenția de a crea sau accentua relația formală de culoare și loc. Abandonez imaginea naturală doar pentru a întări expresia subiectului conținut în titlu. " Dar majoritatea picturilor sale abstracte nu aveau nume.

Criticii consideră cea mai importantă lucrare a lui Rothko o serie de 14 picturi pentru capela Bisericii Ecumenice din Houston, Texas. [2]

MUNCA. Alb peste roșu. Albastru, Verde și Brown. Untitled, 1949. Untitled, 1951-55. Orange și Galben, 1956. Numărul 10, 1950. Nr. 61 (Rusty and blue).

Willem de Kooning

Un nativ din Rotterdam. în 1926 a plecat ilegal în Statele Unite. pentru următorii 70 de ani a trăit și a lucrat în New York. A fost prietenos cu Arshile Gorky și a experimentat influența lui.

Modul individual de Kooning sa dezvoltat la începutul anilor 1930 și 1940. sub influența lui Picasso și a lui Miro. În 1943 sa căsătorit cu faimoasa artistă Helen Fried. În anii 1950. de Kooning urmărește calea primitivizării. dezvoltă așa-numitele "abstracții figurative". O figură singură, feminină, sub influența loviturilor violente și paste pe panza de Kooning, se transformă într-un fel de totem pitoresc. deschis la examinarea radicală freudiană.

De-a lungul timpului, pânza de Kooning umplută cu motive de peisaj devine din ce în ce mai puțin obiectivă. Gravitația pentru decorativitatea deliberată predomină în lucrările perioadei sale târzii, complicate de alcoolism și boala Alzheimer. În ciuda naturii ambigue a lucrării lui de Kooning, a devenit primul artist care a acordat Premiul Imperial.

MUNCA. În cer. Spoletto.

Biografie și creativitate [editați]

Stilul său recunoscut se caracterizează printr-un accent deosebit pe linii, rețele, câmpuri de culoare subtilă. Minimalist în formă, această pictura a fost diferită în spirit de la munca colegilor minimaliști, artistul a evitat intelectualismul în direcția personale și spirituale.

Picturile, interviurile și articolele ei reflectă adesea un interes în filosofia estică, în special în taoism. După 1967, aspectul spiritual a început să-și domine munca, așa că a preferat să fie numită "expresionist abstract". Sa distanțat în mod deliberat de viața publică, care a atras atenția publicului asupra altor artiști. În ultimii 50 de ani de viață, artistul nu a citit ziare.

Ontogenia integrităților mamifere și umane reflectă evoluția lor în funcție de tipul de arhahalație. Ontogenie scheletul axial recapitulez etape filogenetice umane majore ale dezvoltării sale: într-o perioadă de acord neurulation stabilite inlocuieste ulterior cartilajului si apoi osoase si a coloanei vertebrale. Violarea ontogenia schelet axial la om poate fi exprimată astfel atavic ca și malformații procesele spinoase ale vertebrelor nonunion rezultând un defect de spin bifid a canalului rahidian. embrionul omului posedă.

Din aorta dorsală, sângele prin sistemul capilar revine prin venele în aorta abdominală. În conformitate cu arterele de sârmă de ieșire, sângele intră în rădăcinile aortei dorsale situate simetric pe ambele părți ale corpului. Astfel, în ciuda simplitatea sistemului circulator ca întreg este deja în Amphioxus sunt principala caracteristica artera trunchi de vertebrate, inclusiv la om: este aorta abdominală este transformată ulterior în inima aortei ascendente și rădăcina arterei pulmonare; aorta dorsală devenind mai târziu o aorta adecvată și somnolentă.

Formarea creierului este numită cephalization. Evoluția comună a organelor senzoriale și a creierului conduce la apariția unei coordonări dinamice între receptorii olfactivi și brațul prealabil al auditivului vizual și secundar și posterior. În interiorul creierului și măduvei spinării există o cavitate comună corespunzătoare neurocelului. În măduva spinării este canalul spinal și în vezicula cerebrală a creierului.

Pagina anterioară

Pagina următoare