Nici unul dintre cei patru artiști, cunoscut sub numele de post-impresioniști, nu a numit niciodată acest cuvânt acest cuvânt. Într-un moment în care Paul Cezanne, Vincent van Gogh, Paul Gauguin și Georges Sera căutau noi căi și mijloace de exprimare, un astfel de termen pur și simplu nu exista.
A apărut în 1910, mulțumită lui Roger Fry, un artist britanic, critic și curator al muzeului. El a găzduit o expoziție la Londra, unde s-au demonstrat lucrări ale unor artiști complet diferite și un nume colectiv necesar pentru a le uni.
Sarcina nu era ușoară, având în vedere că Van Gogh și Sara erau numiți neoimpresioniști, Cezanne era un impresionist (cel puțin așa se credea), iar Gauguin a fost numit printre simbolisti. În plus, expoziția a inclus lucrarea lui Edward Manet, care ar fi trebuit să fie principala croșetare pentru public. În cele din urmă, Fry a numit expoziția "Manet și post-impresioniști", prin urmare, în cele mai bune tradiții ale artei contemporane, oferind o definiție a noii tendințe în pictura.
Termenul sa obișnuit, însă expoziția a primit răspunsuri negative și publică publică. În general, acest lucru, de asemenea, perfect se încadrează în tradiție)
Cu toate acestea, acum putem spune cu încredere că Fry a fost un excelent curator, vizionat și sensibil. Cei patru artiști, ale căror lucrări le-a ales pentru expoziție, au devenit fondatorii principalelor tendințe artistice ale secolului XX.
Vincent Van Gogh (1853-1890) - Expresionism.
S-ar putea să nu știm o singură fotografie a lui Van Gogh, dar amintiți-vă în mod clar despre urechea tăiată și sinuciderea. Într-adevăr, biografia acestui artist surprinde. Camille Pissarro sa prezentat frumos:
"Știam în prealabil că această persoană ar fi fie nebună, fie ne va lăsa cu mult în urmă, dar nu am știut că o va face pe amândouă".
Vincent Van Gogh, Autoportret, 1887
Van Gogh sa născut în satul olandez Grot-Zundert, cel mai mare dintre cei șase copii. Tatăl său, Theodore, era preot și unchiul său era co-proprietar al unei societăți care se ocupă de artă. El la ajutat pe Vincent să se antreneze acolo. Van Gogh sa dovedit a fi un tip capabil și a continuat să lucreze în compania unchiului său, unde fratele său mai mic Theo a venit puțin mai târziu, cu care Vincent și-a păstrat corespondența pentru tot restul vieții.
În scrisori au discutat pictură, literatură, idei noi și, treptat, au început să se strecoare în dezamăgirea crescândă a lui Van Gogh în vânzarea operelor de artă. Van Gogh era un credincios și mercantilism, o lăcomie de profit, fără de care afacerea nu poate face, era străină de el. Drept urmare, el a părăsit compania și sa stabilit într-un mic oraș, pregătindu-se să devină preot. Dar decizia sa nu era definitivă - Van Gogh s-a grabit, îndoielnic pentru calea aleasă. Theo ia dat un sfat neobișnuit - să devină artist.
Vincent a fost de acord să încerce. Următorii cinci ani a petrecut în Olanda, făcând schițe, umpluindu-și mâna și încercând pentru intonația sa artistică. Theo ia ajutat financiar pe fratele său, însă ia plătit câteva picturi de pictura, totuși, de fapt, Van Gogh și a rămas autodidact.
În 1885 a scris prima sa pavilion legendar. "Mancatorii de cartofi" rămân neobservate de contemporani.
Vincent Van Gogh, consumatori de cartofi, 1885
Van Gogh a căutat să devină artist al vieții țărănești. După cum spun ei acum, am vrut să scriu o "rețea socială".
Pe această pânză este deja stilul vizibil. Nu puteți ști numele, nu știți nimic despre intenția artistului și spuneți cu siguranță - oamenii din imagine trăiesc o viață mizerabilă, o muncă fizică greoaie și foame. Despre acest lucru spune culoare, spun degete fragile, pozitii indoite. Cu toate acestea, liniile drepte creează un sentiment că cel puțin acești oameni sunt greu, dar nu sunt rupți. Poate că acum pentru noi în această lucrare nu vom fi ceva special, dar înainte ca Van Gogh să nu scrie.
Pentru comparație - țărani Millet, de exemplu. Sau Pissarro.
Jean Francois Millet, Colectori de urechi, 1857
Camille Pissarro, Țărănistă, pieptănată din lână, 1875
Van Gogh se familiarizează cu arta avangardistă din acea vreme și adoptă un tampon impresionist, tehnica impasto (când vopseaua este suprapusă pe un strat gros), descoperă din nou grafica japoneză.
Fiind în extaz perfect, apucând totul la rând și, în cele din urmă, decide să respire în mediul rural. Van Gogh merge la Arles. În sudul Franței, înflorirea verde, marea, soarele. Aici artistul deschide un "al doilea vânt" - scrie pentru o scurtă perioadă aproximativ 200 de picturi, printre care faimoasele "Floarea-soarelui", "Nopțile vechi peste Rhone", "Terrace Café".
Vincent Van Gogh, Floarea soarelui, 1888
Vincent Van Gogh, Nocturnă peste rhone, 1889
Și din nou erau japonezi. În scrisorile către Theo, artistul a spus că dorește să obțină aceeași simplitate și claritate care există în amprentele japoneze. "Japonezii, cu câteva lovituri de încredere, creează o imagine cu o asemenea ușurință, pe măsură ce ne apucăm hainele". Și din nou, folosind momentul, voi arăta ceva de grafică japoneză)
Bayrei Kono, a doua jumătate a secolului al XIX-lea
La Arles, un prieten al lui Paul Gauguin (1848-1903) sa alăturat lui Van Gogh. Timp de o lună și jumătate au lucrat alături, inspirându-se unii pe alții. Dar pentru că mai mulți prieteni temperamentali nu erau suficienți - după o altă încurcătură furioasă, Van Gogh și-a tăiat furios un lob de urechi.
Paul Gauguin, Van Gogh, desenând floarea-soarelui, 1888
Cu toate acestea, această perioadă sa dovedit a fi foarte fructuoasă pentru ambele. Amândouă încercări pentru o altă metodă artistică. În Van Gogh este o expresie a propriilor sentimente.
Picturile lui cresc, se mișcă, trăiesc. La distanță, ele par a fi voluminoase. Artistul a folosit un cuțit palet și propriile sale degete - o tehnică folosită de Rembrandt și Velasquez. Paint devine un participant activ în imaginea însăși, nu doar un mijloc de transmitere a imaginilor.
Impresioniștii au încercat să surprindă ceea ce au văzut, să transmită adevărul în mod obiectiv, așa cum vede ochiul. Van Gogh decide să meargă mai departe și să dezvăluie adevărul mai adânc - statul intern. Scopul său nu este de a reprezenta ceea ce a văzut, ci de modul în care a simțit-o.
Cu toate acestea, chiar și un geniu ca Van Gogh sa bazat în căutarea descoperirilor comandanților trecutului. Formele întinse, alungite și unghiurile neașteptate au fost cartea de vizită a unui alt artist.
El Greco, Muntele Sinai, 1570
Apropo, ambii artiști au fost foarte religioși. Cu toate acestea, comparând El Greco cu Van Gogh - există o diferență în percepția realității. El Greco atrage subiecte mistic și religioase, iar Van Gogh - lucruri mult mai prozaice: cafenele, flori, țărani, camere))
Vincent Van Gogh, Camera din Arles, 1888
În 1890, nebunia care a însoțit artistul o mare parte din viața sa a luat mâna și Van Gogh sa sinucis prin împușcare în piept. Câteva luni mai târziu, fratele său Theo a murit de sifilis.
Deși la acel moment artistul a fost obscur și nerecunoscut, după trei ani apare Edward Munch "Scream", care poate fi numit un fel de dedicație pentru Van Gogh.
Edward Munch, Creek, 1893
Munch folosește metoda de răsucire și denaturare a figurii pentru a transmite emoții profunde. Imaginea a devenit profetică. În oroarea acestui tip care țipă, se reflectă oroarea secolului următor.
Francis Bacon, Strokes la portretul Papei Innocent X din Velasquez.
Bacon a spus odată că "pictura este o reflectare a sistemului nervos pe pânză". Aceste cuvinte ar putea aparține lui Van Gogh. Acestea caracterizează perfect una dintre cele mai importante tendințe din arta secolului XX, pe care Van Gogh anticipase - expresionismul.
DOMENIUL GOGENULUI (1848-1903). Simbolism.
Gauguin nu se deosebea de modestie și de vulnerabilitate. El sa considerat un mare artist, pe care nu a ezitat să-l informeze ocazional și a spus că Van Gogh îi datora mult mai mult decât datora. Cu toate acestea, a fost un om curajos, și cel mai important - un artist curajos.
Paul Gauguin, Autoportret, 1903
În 1882, după prăbușirea bursei, tânărul finanțator Paul Gauguin. decide să devină artist și să se alăture tusovarei impresioniștilor, a cărui picturi el, apropo, a strâns. Cu toate acestea, deja la sfârșitul anilor '80 a fost separat de ei, numind aderarea impresioniștilor la naturalism o greșeală monstruoasă.
Paul Gauguin, Bretonka cu gâscă, 1888
Primul, care indică o ruptură cu impresionismul, este, desigur, culoarea. Al doilea este complotul. picturile lui Gauguin au fost, să-l puneți blând, departe de realitate, și copleșit de sensurile și simbolurile secrete. În cazul în care colegul său - Van Gog- de culoare folosite pentru a exprima sentimentele, Gauguin crește intensitatea paletei de dragul parcelei.
Paul Gauguin, Viziunea după predică sau Bătălia lui Iacov cu Îngerul, 1888
Această imagine este un eșantion al lucrărilor timpurii ale lui Gauguin în perioada post-impresionistă. În inima acestei povestiri se află o poveste despre modul în care grupul Bretonului, după predică, a fost vizitat de viziunea divină a luptei lui Iacov cu îngerul. Culoarea din această imagine poartă o încărcătură exclusiv simbolică. Dacă femeile în prim plan arată destul de realiste, atunci în a doua jumătate a tabloului, Gauguin "sa despărțit". O iarbă roșie portocalie domină totul. Ramura care împarte pânza în două părți este o graniță alegorică între planetă și cerească.
Ficțiune în "Viziunea după predică" - un avertizor de suprarealism. Frații săi anticipează tahitienii săi, care au inspirat numeroasele genii ale secolului XX, de la Pablo Picasso și Matisse, încheind cu Giacometti și Rousseau.
Această imagine a transformat iubitul lui Gauguin în Gauguin, liderul avangardist. El a fost clasat ca o mișcare simbolistă, care a apărut datorită literaturii. Gauguin a continuat să lucreze în această direcție, criticând impresioniștii pentru incapacitatea lor de a lua în considerare orice dincolo de realitatea care se află înaintea nasului lor. Viziunea lor rațională asupra vieții, în opinia sa, a privat arta celui mai important lucru - imaginația. El a fost obosit nu numai de abordarea impresioniștilor, ci și de complotul lor principal - viața modernă.
Materialismul este rău, a decis fostul finanțator Gauguin și sa dus la Tahiti (lăsând soția și copiii săi) să caute o inspirație între natura prăznuită și atitudinea tahitiană.
Într-adevăr, acolo își găsește repede stilul. Inspirat de folclorul, iluminarea și culorile strălucitoare, Gauguin a scris o serie de tablouri care prezintă o viață primitivă și primitivă - cea care, în opinia sa, este cea mai naturală.
Criticând impresioniștii, Gauguin, totuși, folosește metoda lor. O imagine bidimensională, folosind blocuri de culori-inginerie, testată mai întâi de către Manet și ulterior dusă în slujba lui Monet și Degas, a făcut imaginile lui Gauguin ca un desen al unui copil. Această impresie a fost întărită de faptul că artistul ia exagerat, distorsionând complet culoarea naturală.
O pictura tipică a perioadei Tahitiene a lui Gauguin este pictura "De ce te enervezi?".
Paul Gauguin, de ce ești supărat. 1896
Se pare că totul este clar - o scenă din viața localnicilor. Dulce, atmosferă pastorală. Trei femei stau în partea dreaptă a palmierului, iar trei stau în stânga. Dar nu este așa de simplu. Două femei intenționează să intre în colibă, iar una dintre ele a tăiat pieptul, coborând rochia. Și fata din sarong albastru arată cu dispreț față de cuplul de sub palmier. Simbolism, care dă privitorul să înțeleagă că în fața lui scena aproape de bordel, devine mai evident - o femeie în picioare la coliba păstrat cu demnitate - onoarea lor nu este pătată, spre deosebire de fetele care stau în prim-plan. Gauguin transmite magistral drama vieții - corupției, extinderea companiei, care a fost o dată curat și tselostno.Vopros în imaginea din titlu retoric - Gauguin deplange modul imaculată de viață, care este distrus „colonizatori“ albe, și colegii săi cetățeni.
Tablourile lui Gauguin sunt foarte recunoscute. Picturile lui par a fi puțin naiv, dar încă uimitoare cu complexitatea lor. Aceasta nu este doar o imagine a localnicilor semi-goi. Uită-te atent și vei fi surprins de cât de psihologic sunt aceste lucrări.
Gauguin, răzvrătiți împotriva impresionismului, Arta a revenit la domeniul imaginației și a simbolurilor, pentru care următoarea generație de artiști va fi foarte recunoscător pentru el.
Articole similare
-
Expoziție de artă contemporană din Kazahstan - fața mirelui - în muzeu perm
-
Medvedev a exclus din consiliul pentru cultură și artă Mikhalkov și Piotrovsky
-
Arta imaginii este arta imaginii, centrul imaginii este imaginea ta
Trimiteți-le prietenilor: