Nașterea limbii cinematografice
Între imagine și cadru
Pe drumurile gândirii și sentimentelor
Câte măsurători sunt pe ecran
Cinematografia este un fenomen al culturii tehnologice
Lista literaturii utilizate
Cinematografia este una dintre cele mai tinere și, în același timp, una dintre cele mai populare arte. Povestea lui, comparativ cu istoria milenară a muzicii, a picturii sau a teatrului, este scurtă. În același timp, milioane de spectatori își umple sălile de cinema în fiecare zi și chiar și mai mulți oameni urmăresc filmele la televizor. Cinema are un impact puternic asupra inimilor și minților nu numai a tinerilor, ci și a persoanelor de vârstă. Desigur, a atras atenția sociologilor, estetiștilor, istoricilor de artă, teoreticienilor culturali - tuturor celor care sunt interesați de problemele creativității și percepției artistice, mass-media, dinamica sentimentelor publice și așa mai departe. În primul rând, cinematograful diferă de alte tipuri de artă (în special din teatru) prin faptul că ocupă mult mai mult un spațiu socio-cultural, depășește cercul artistic. Strict vorbind, dacă teatrul este asamblat în jurul artei, atunci cinematograful își acoperă influența literalmente totul, de la idealuri spirituale la etichete și modă.
În acest eseu, acest subiect este foarte important deoarece cinematograful, se poate spune, unește persoane diferite de vârste diferite și de gusturi diferite; a devenit atât de popular încât a deplasat teatrul în fundal și totuși: spre deosebire de teatru, cinema poate fi cognitiv, iar în teatru admirăm jocul actorilor!
Primele zece filme pot părea întâmplătoare, printre care o cronică a evenimentelor, câteva scene comice, schițe zilnice: cum vin muncitorii din fabrica Lumiere, cum se scaldă copiii în mare ...
Istoria nu a păstrat impresiile primilor spectatori de filme. Dar aproape că nici unul dintre ei nu a bănuit că, înainte de a se vedea, arta se naște, ceea ce va determina chipul secolului al XX-lea - "cinema", arta ecranului.
Frații Auguste și Louis Lumière au fost moștenitorii proprietarului unei fabrici de hârtie fotografică și înregistrări în Lyon. Ei nu numai că aveau o experiență în tehnologie, ci și fotografi buni. Ei au inventat dispozitivul cel mai ușor și mai compact. Testează-o, frații Lumiere au împușcat câteva clipuri și, după ce au luat programul, au organizat primul screening public la Grand Cafe de pe Boulevard de Capuchin.
Astfel crește arborele genealogic al speciilor și genurilor de cinematografie. Wood-grove; că numai aici nu crește, formând toate ramurile noi!
Dar totul a început cu o sesiune de masă a unei "jucării tehnice amuzante" pe bulevardul Capuchinok.
Către artă
Secolul al nouăsprezecelea se apropia de apusul soarelui. Cinematografia - sau deja înființată în majoritatea țărilor și limbile "cinematografia" - a marcat triumfător prin țări și continente. Filmele scurte sunt doar o oglindă a vieții, dar noul spectacol se bucură de o popularitate puternică și un succes fără precedent. Mai mult - și în filme vor exista actori. Mai întâi, fără nume; atunci numele lor vor fi întruchiparea viselor a milioane de spectatori. Cinematografia va primi un nume bine meritat - Marele Mute. Între timp ...
În timp ce în toate țările lumii, oamenii cu camere de film din frații Lumiere pleacă. Acești oameni fac ei înșiși fotografii, se arată și prezintă filmele în sine. Omul care a văzut în cinematografe oportunități mari - Georges Meles - la sugerat pe Louis Lumiere "toată averea pentru dreptul la cinematograf". Dar răspunsul lui Lumiere a fost: "Spune mulțumesc că invenția mea nu este de vânzare. În caz contrar, te-aș fi ruinat. Ca o curiozitate științifică, cinematograful va fi recunoscut într-o zi, dar nu are perspective comerciale! "După cum puteți vedea, cuvântul" artă "nu a sunat încă aproape de cuvântul" cinema ". Dar omul care dorea să dea totul pentru acest "minunat tot ce avea, a făcut mult pentru a face cinema o artă. Refuzul lui nu la descurajat deloc. Învățând că același echipament este vândut în Anglia, Meles a cumpărat-o acolo. Omul cu ochiul artistului, instinctul regizorului și priceperea mecanicului, a primit o cameră de luat vederi în mâinile sale - și-a dat seama imediat că acest aparat era plin de posibilități uimitoare! Melyes a descoperit întâmplător unul dintre cele mai simple și mai eficiente cascadorii ale filmului - abilitatea de a transforma un obiect în altul prin oprirea filmului în timpul filmării. Mai târziu, a început să folosească influxul, întunecând, împușcând fundalul de catifea închisă. Acest lucru a dat naștere unui gen special - extravaganță, o poveste magică a filmului.
Pentru o vreme, Melles a fost uitat de filme, dar acum numele său ocupă un loc meritat în istoria filmelor tăcute.
Nașterea limbii cinematografice
Între imagine și cadru
Informațiile principale din lumea întreagă trec prin ochi. Iar mișcarea lumii, reflectată pe ecran și închisă în cadrul cadrului, ne fascinează literalmente. În viață, nu observăm întotdeauna frumusețea unei case, a unui copac, a unei persoane; Ecranul poate sublinia acest lucru, evidențiind subiectul din restul lumii cu cadrul cadru. Cadrul este adesea denumit ilustrație într-o carte sau într-o revistă. Kadrik - reflectă doar o singură particulă (fază) a acțiunii. Douăzeci și patru de cadre pe secundă, fiecare dintre ele schimbându-se subtil - astfel încât mișcarea este transmisă, astfel încât cadrul apare. Sute și sute de poze care fuzionează într-o singură imagine în mișcare. Mii de kadriks fuzionează în sute de cadre, din care face parte întregul film. Și nu de asta înțelegem atât de ușor cinematograful, că de mii de ani ochiul nostru sa adaptat să creeze și să vadă imaginea? De fapt, între imagine și cadru există multe lucruri comune. Atât cadrul, cât și imaginea utilizează un cadru. Iar imaginea, iar rama funcționează o imagine plat - chiar dacă rama are iluzia de adâncime și spațiu, încă - este situată pe același plan a ecranului, și, prin urmare, legile compoziții care milenii dezvoltat percepția imaginilor, și acționează în cadru. Suntem obișnuiți, vorbind despre cinema, să auzim termenii: "mare", "mediu", "plan general". Și dacă îi întrebăm pe oricare dintre noi cum să sunăm cadrul în care vedem fața persoanei, răspundem imediat: "Close-up". Și vom avea dreptate. Masuram automat in raport cu scara la care suntem obisnuiti cu pictura. Pentru pictura, centrul și semnificația lumii sunt omul. În film, realizăm, de asemenea, amploarea subiecților descriși în cadru, numai în relație cu persoana. Peisaj, unde o persoană poate fi văzută în plină creștere; - un plan general; Un peisaj în care o persoană ar arăta ca o figură mică este un plan îndepărtat. Portretul complet sau în talie corespunde percepției noastre față de planul mediu; Regizorul american D.U. Griffith a introdus planul american mediu - tragând aproximativ pe genunchi. Dar cinematografia a mers mai departe decât pictura, doar o față umană ar putea apărea în imagine; în cadru spectatorul putea vedea nu numai chipul pe care puteți citi emoții vii, dar și o parte a feței - un ochi sau un buze. Un astfel de plan super-mare este numit un detaliu. Dezvoltarea unor noi forme de cinematografie nu a coincidență cu sosirea în masă a actorilor teatri în cinematografie, care au stăpânit perfect expresiile faciale și arta de a experimenta sau, cel puțin, de a expune reprezentarea emoțiilor. Pictura a lucrat activ asupra problemelor legate de culoarea și forma obiectelor. Acest lucru este foarte important atât pentru fotografie, cât și pentru film. Ce culori vă vor ajuta să creați o stare de spirit veselă? Tristețe? Tristețe ușoară? Cum ar trebui să fie reprezentat obiectul, astfel încât forma sa să devină "mesajul" artistului către spectator? Dacă ne uităm la viața în continuare a artistului P. Petrov-Vodkin, vom vedea cum se transformă lumea în noi. Obiectele par a fi pline de strălucire, sunt puțin neregulate în formă - de parcă le privim printr-o minge mare, cristal transparentă. Toate obiectele pe care le vedem sunt ca și cum mintea noastră se mișcă deasupra lor: aceasta este o mișcare subtilă, această schimbare în spațiu și îi conferă observatorului un zbor. Revenind la istoria cinematografiei, observăm că multe tendințe artistice din cinematografie au fost direct influențate de pictura contemporană - cum ar fi expresionismul german și suprarealismul francez. Dacă punem o serie de picturi din anii 1920 și cadre din aceste filme, vedem că căutarea unui nou mod de a vedea lumea în diferite arte a fost foarte asemănătoare. În cele din urmă, problemele de perspectivă, adică profunzimea imaginii, au fost, de asemenea, investigate de maeștrii de pictură! Și aceasta este deja o legătură directă cu compoziția fotografiei și a filmului. Și nu numai cu compoziția, deoarece în film, oamenii pot încă, și se deplasează în direcții diferite. Există deja o problemă de mise-en-scène - cea mai interesantă și avantajoasă pentru fotografierea locației personajelor din cadru. Și mise-en-scena a fost elaborată în detaliu în teatru și alte tipuri de spectacole spectaculoase. Se pare un plexus interesant al tradițiilor tuturor artelor.
O fereastră se deschide într-o lume specială. Și deși această lume conține lucrurile la care suntem obișnuiți - copaci, case, obiecte - există ceva în ea care nu este destul de obișnuit. În această lume, poate exista chiar și ceea ce nu este în realitatea noastră.
Pe drumurile gândirii și sentimentelor
Cinematografia a învățat să vadă lumea în pictura și fotografie. Dar începutul filmului, primele sale pași - rolele de film, care sunt doar imagini singulare animate. Pentru a exprima un gând lung și mai complex, mai multe fragmente de film trebuiau conectate. Ceea ce unește mai multe cadre cu un bun simț și există un principiu foarte important, baza artei filmului este principiul editării. Cel mai adesea, folosindu-se cuvântul "montaj", înseamnă că, atunci când se îmbină bucăți de film, apare un înțeles care nu era în niciun cadru luat.
Chiar și în primele experimente de montare Lev Vladimirovici Kuleshov una și aceeași persoană Ivan Mozzhukhina împușcat „neutru“, fără nici o stare de spirit specifică, publicul perceput în moduri diferite: dintr-un compus din două cadre a apărut al treilea înțeles, complet diferit! Sa născut o stare de spirit, care nu a fost - furie, tristețe, bucurie. Mai târziu, în Serghei Mikhailovich Eisenstein, semnificația experimentelor sale de editare a fost exprimată printr-o formulă elegantă și neobișnuită: 1 + 1 = 3. Uneori, două cadre pot să nu fie suficiente pentru a exprima pur și simplu în mod clar alte sentimente umane cunoscute. Uneori pentru asta aveți nevoie de o întreagă "frază de editare" - un număr de cadre. Și apoi, în fața noastră, nu mai există pur și simplu o "formulă de sentiment", ci o scurtă poveste, care oferă nuanțe de sentimente diferite. Cum ar putea fi combinată asamblarea "feței umane + o navigație albă îndepărtată în mare"? Amintiți-vă de liniile celebre ale lui Lermontov; viziunea poetului este incomensurabil mai profundă, el conectează diferite timpuri și spații într-o singură imagine a lumii. Există deja o serie întreagă de sentimente. Aveți două sau trei cadre pentru a vă exprima gândurile cele mai intime, în mod clar, din păcate și cu precizie.
Câteodată nu observăm cum limba din ecran devine din ce în ce mai complicată din an în an. Du-te la filme noi, există noi tipuri de editare. Și percepția noastră se schimbă - și din nou necesită actualizarea limbajului ecranului.
Câte măsurători sunt pe ecran
Pe ecran este un moment special. Ecran special - ecran.
Timpul pentru noi curge inegal. Știm cu toții că momentele neplăcute au capacitatea de a se întinde și, în nici un caz, ei nu pot ajunge la capăt și uneori toată ziua zboară aproape literal ca o clipă. În timp ce același film - timp de ecran - zboară, care trece ore, săptămâni și luni, trăgând-le în a doua, momente de acțiune tensionată „stop“, întinse într-o asemenea măsură, încât avem inima-oprire: Ei bine, în cazul în care este de ajutor? Modifică ecranul timpul? Dar este posibil? Vă amintiți cazul când ecranul v-a spus: "Ani au trecut" (ore, zile), fără a folosi cuvinte în același timp? De exemplu: în seara stradă se aprind luminile. În următorul cadru - pe aceeași stradă, dar în lumina puternică a zilei. Astfel de "fraze de ecran" sunt capabile să spună mult mai mult decât orice titlu sau text vocal. Ele creează o stare de spirit, o atmosferă de acțiune. Ecranul creează un timp special. Viața unei persoane, arătată în două ore. Anii comprimați în câteva secunde. Minute, întinse atât de mult încât în percepția noastră par a fi secole. Deci, dimensiunile principale ale ecranului sunt timp și spațiu.
Semnificația a ceea ce vedem pe ecran nu este epuizată de suma cadrelor individuale, scenelor, episoadelor. Întregul film își creează mereu propria sa lume de ecran specială care reflectă realitatea în felul său.
Cinematografia este un fenomen al culturii tehnologice
Unul dintre principalele fenomene ale culturii societății tehnocrate din secolul al XX-lea a fost cinematografia. Apariția sa a devenit posibilă datorită descoperirilor științifice moderne și a realizărilor tehnice. Crearea filmului nu este doar o căutare artistică, ci și un proces complex de producție care necesită o bază industrială puternică. Nu este o coincidență faptul că centrul industriei cinematografice americane din Hollywood a primit numele de "fabrica de vis", caracteristică epocii. Inventat de frații Lumiere (1895), un aparat de filmare a obiectelor în mișcare pe un film fotosensibil în scopul demonstrării ulterioare a acestora pe ecran a transformat noțiunea de spațiu și timp. Cinematografia a fost prima artă făcută de om, care a dat imaginii planului bidimensional imaginea dinamică a mișcării în timp. Deja în primele nume ale cinematografiei - "iluzie", "atracție", "un vis electric în realitate" (Blok) - natura sa complexă sa manifestat. Cinematograful, conform lui M. McLuhan, "a distrus pereții care separă somnul și realitatea". Cinematografia este disponibilă pentru ceea ce alte tipuri de artă nu au - să reprezinte o lume inexistentă (visuri, vise, mirage, iluzii, iluzii) ca realitate reală. Odată cu inventarea cinematografiei, a început arhizarea culturii. Potrivit lui McLuhan, lumea sa întors acum 3000 de ani - la metafore vizuale preverbale. În cinematografie, în lumina unui lantern magic, se naște mituri ale societății de masă. Cinematografia, care combină acțiuni vizuale, sonore și ritmice, întoarce o persoană la ritualul sincretic antic. Mijloacele specifice de expresivitate artistică au creat o nouă artă cathartică, egală în puterea impactului tragediei antice. Picturile, concepute pentru un public larg, directorul realizează expertul funcția, șamanul, realizat prin reacția publicului, și modul în care el manipulează cu pricepere publicul, succesul filmului. Acesta este motivul popularității extraordinare a filmelor de la Hollywood. Explicând ceea ce îi place filmele americane, H. Ortega y Gasset a scris: "Filmele cu artiști frumoși pot fi urmăriți fără sfârșit, fără a avea cea mai mică plictiseală. Nu contează ce se întâmplă - ne place cum acești oameni intră, pleacă, se mișcă în jurul ecranului. Indiferent ce fac, dimpotrivă, totul este important, pentru că o fac.
Cinema este o artă sintetică: unește teatru, literatură, pictura, grafică, muzică. Limba de film - cadru și de instalare (de la Adunarea franceză.) - permite cineaști să realizeze ideile artistice cele mai îndrăznețe și mai sofisticate, de echilibrare pe punctul de iluzie și realitate. Instalarea în cinema are două semnificații legate, dar diferite. Pe de o parte, finalizarea producției filmului, pe parcursul căreia materialul încapsulat trece mai multe etape de procesare, și cele mai bune cadre sunt combinate într-o compoziție completă. Pe de altă parte, instalația - un sistem de sens, zvukozritelnyh și relațiile ritmice dintre fotografii, care, sub rezerva directorului artistic intenționată, treptat, compuse și fixe în filmul finit. La sursele filmului de editare s-au aflat D.U. Griffith, T. Ins, S. Eisenstein, L. Kuleshov. Istoria cinematografiei ruse datează din 1908 - adaptarea melodiilor lui A. Drankov despre "Ponizovaya Volnitsa" a lui Stenka Razin, care a devenit primul film de lung metraj. Cinematografia din Rusia de la înființarea ei a fost afirmată ca o artă națională originală. În căutarea temelor sale fondatorii artei moderne a făcut apel la literatura rusă ( „Cântecul Merchant Kalashnikov“, „idiot“, „Fântâna Bakhchisarai“) și istoria Rusiei ( „Moartea lui Ivan cel Groaznic“, „Petru cel Mare“)
Lista literaturii utilizate
Articole similare
Trimiteți-le prietenilor: