Baletul este o artă de poezie. Are teme de sublim, eroic, liric. Lumea fabulos minunată a imaginilor de dans profund îngrijorează și trezește aspirațiile nobile.
Baletele îmbinare poveste fascinantă, creat de scriitor, muzica compusă de compozitor, un dans inventat de artistul coregraf și performanță, peisajul pitoresc și costumele realizate de artist.
Această artă complexă sa dezvoltat destul de târziu. Baletul are puțin peste patru sute de ani, deși arta dansului a existat de mai multe milenii (vezi articolul "Dansul folcloric").
Născut balet în Italia în secolul al XV-lea. Din dansurile populare, numele "balletti" (italianul "ballaré" - pentru a dansa și "baletul" - dansuri) a trecut la dansuri mai complexe efectuate la bilele de curte. La curțile oamenilor bogați, costumele erau adesea aranjate cu dans, cântând și recitând, în care au participat curții înșiși. Aceste prime balete au constat din "ieșiri" de caractere, cele mai des luate din mitologia greacă. O pereche bogată și magnific îmbrăcată a fost înlocuită cu o altă pereche. După toate "ieșirile", a început un dans general sau "mare balet".
Această idee a fost aranjată în Italia la o mare sărbătoare din Tortona (1489). Zeii vechi și eroii, dansați, îi servesc pe oaspeți cu mâncare. Divinitățile de mare purtau vase de pește, zeități de fertilitate servesc fructe și dulciuri. Acest balet gastronomic a culminat cu aspectul magnific al lui Bacchus, zeul vinului. Idei similare au apărut în multe instanțe europene.
Treptat, baletele instanță de eroi mitologici deplasa măști de benzi desenate care descriu oameni din popor - spălătorese, hangii, cizmari, etc. Toate rolurile din balete doar de bărbați ...
Robletele și măștile membrilor baletului curții erau greoaie și incomode. De exemplu, un pantofar a trebuit să danseze într-un pantof imens ce acoperă capul, iar costumul violonistului consta dintr-o vioară mare. Eroii antichității purtau de asemenea un costum greu, care amintea de o rochie de la curte. A fost foarte dificil să dansezi în astfel de costume, astfel încât toate mișcările de balet erau limitate la mersul neted, arcurile grațioase și pozițiile grațioase. În plus, în cazul în care în bilele de curte femeile au participat împreună cu bărbații, atunci pe scenă rolurile feminine au fost efectuate de băieți în măști și peruci.
Curtenii au dansat diferit, deoarece regulile pentru realizarea miscarilor de dans nu existau inca.
Conform decretului regelui francez Louis XIV, pentru a dezvolta reguli și un sistem de dansuri, Academia Regală de Dans a fost înființată în 1661. A fost inclusă treisprezece profesori de dans numiți de rege. În 1669 a fost fondat teatrul muzical (Academia Regală de Muzică), unde în baleturile de operă au fost dansați mai întâi curtenii. La început, performanțele de balet aproape că nu diferă de performanțele instanțelor. Muzica, dansul și cântările au fost asociate unele cu altele și nu au produs o impresie artistică întreagă. Dansurile erau aceleași ca la curte - minuetă lentă, băieți, departe de sursa lor populară. Femeilor li sa permis să apară pe scenă abia în 1681. Au trebuit să danseze în rochii lungi lungi și pantofi cu toc înalt. Astfel de costume au împiedicat dansatorii să realizeze dansuri virtuoase complexe și, prin urmare, stăpânirea dansurilor de sex masculin a depășit dansurile femeilor cu grație, grație, netezime și tehnică.
În Italia, moda pentru baletul de curte a fost mult mai devreme, iar arta dansului a devenit pe deplin profesională. Dansatorii italieni au fost renumiți pentru virtuozitatea tehnicii de dans. Dar totuși a împiedicat baletul să devină o adevărată artă - și versurile însoțitoare, costumele voluminoase și o mască care ascunde întreaga față a artistului.
Numai în 1773 dansatorul Maximilian Gardel a aruncat pentru prima oară masca tradițională. Un pic mai târziu dansator Marie Camargo atins o anumită libertate de mișcare, fusta trunchiat chiar deasupra gleznei si calcai abandonarea și Marie Salle au dansat în haine de lumină gratuite care seamănă cu o tunica grecească. Dansul a devenit din ce în ce mai semnificativ.
O contribuție deosebită la dezvoltarea baletului vest-european a fost realizată de coregraful francez Jean-Georges Noverre (1727-1810). În „Scrisori pe dans“ lui (1760), el a chemat să creeze „eficace“, adică. E. Un dans semnificativ și expresiv în care sentimente, gânduri și evenimente vor fi descoperite într-o pantomimă și dans mișcări. Aceste idei inovatoare ale Noverre ar putea fi realizate doar parțial în spectacolele de balet desfășurate la curtea ducală din Stuttgart și în alte scene.
Opiniile lui Noverr au avut o mare influență asupra dezvoltării ulterioare a baletului. Din costumul și masca tradițională au fost refuzate. Dansatorii de balet au început să danseze într-un mod gratuit, ușor
haine. Dansurile mișcărilor lor au devenit mai naturale, mai expresive și mai diverse. Ucenicii și urmașii lui Noverr au creat primele spectacole de balet din istoria coregrafiei, unde muzica, costumele, decorurile și dansul sensibil și inspirat au fuzionat împreună. Livrat de Doberwal cu mai mult de o sută cincizeci de ani în urmă, baletul "Vain Precaution" continuă să trăiască astăzi pe scenele teatrelor de balet.
În anii revoluției burgheze franceze, arta de balet a fost îmbogățită cu elemente de dans popular, anterior inacceptabile pentru artiștii de curte. Arta erei revoluționare sa transformat în imagini eroice ale antichității.
Una dintre producțiile coregrafice remarcabile ale timpului, "Oferirea spre libertate", a fost creată de coregraful Pierre Gardel. A fost introdus dans, interpretat cu muzica "Marseillaise".
În secolul al XVIII-lea. Coregrafia a fost îmbogățită cu mijloace expresive. Dansatorii de balet, îmbrăcați în tunici ușoare și sandale, puteau deja să danseze pe degetele de la picioare. Mișcările mâinilor au devenit libere și plastice; în expresii, mișcări, gesturi, actori încercau să transmită sentimentele eroilor lor.
În jurul anului 1800, a fost inventat un tricou (picioare bine fixate și un corp cu un costum tricotat colorat în carne), iar mișcările dansatorilor au fost complet libere. Nivelul de calificare de dans a crescut semnificativ. Cu toate acestea, dansul de sex masculin a continuat să fie mai virtuos decât dansul feminin.
Pe baza realizărilor artei italiene de balerină și profesor Carlo Blasis (1803-1878) a dezvoltat un sistem de formare de dans, fiind construit pe cinci poziții de pornire ale picioarelor. Blazis a folosit "arsenalul" mișcărilor, împrumutat de generații de artiști și coregrafi din dansuri folclorice și de curte, de la arta antică. Acest sistem a fost denumit mai târziu "clasic".
În prima jumătate a secolului al XIX-lea. Școlile italiene și franceze de balet clasic au fost formate în cele din urmă.
Teatrul de balet italian a fost caracterizat prin tehnica virtuozică, salturi complexe, mișcări ascuțite și dure. Uneori, de dragul de strălucire exterioară și virtuozitate de interpreți donate de înțelegere și dans expresiv. Lone a rămas în Milano teatru „La Scala“, coregraful S. Vigano, care a pus cu succes un serioase și dificile balete la muzica lui Beethoven, pe parcelele de tragedii ale lui Shakespeare, și așa mai departe. D.
Spre deosebire de italiană, școala de balet franceză era renumită pentru grație, plasticitatea, liniștea liniilor, dar în același timp era caracterizată de o răceală de execuție. Performanță de balet în Franța a secolului al XVIII-lea. de obicei pus pe un complot antic sau mitologic.
Artiștii teatrului regal nu au încercat nici măcar să reproducă în mod sincer caracteristicile istorice sau naționale, ci au imitat maniere și costume de curte. Păstorii grecești vechi s-au dus pe scenă în pantofi cu tocuri roșii, pe modelul dandiilor de curte, în peruci de pudră cu cărți. Toate acestea au dat naștere la frustrarea muzicii clasice pentru mulți coregrafi și artiști, i-au împins să găsească noi mijloace care să transmită mai mult adevărul vieții.
În Rusia, arta profesionala de balet a apărut în secolul al XVIII-lea. Deși la început profesorii și directorii erau străini, dansatori ruși percepute creativ de la ei, care respectă cerințele strâns legate de dans popular cultura de dans rusesc, care îmbogățește și înnobilează. Ei au căutat să umple elementele împrumutate cu un spirit național.
Didelo a introdus ca mijloc de expresie artistică "baletul zburător", adică zborurile artiștilor pe scenă, efectuate cu ajutorul dispozitivelor mecanice.
Pe scena engleza, Didllo a început să pună în scenă baletele realiste. Dar creațiile cele mai remarcabile Didlo au fost puse la ele în balete dramatice rusești „Prizonierul din Caucaz“ (de Alexander Pușkin), „colibă maghiară«»Fisuri Raulde“. Didlo, pe care contemporanii au numit „Shakespeare și Byron scena de balet“, abil alternând între episoade amuzante și dramatice, face ca privitorul cu simpatie profundă pentru a urmări soarta eroilor. Adevărat, au existat mult mai multe pantomime în baletele lui Didlo, iar dansul avea un caracter auxiliar, din moment ce personajele dansau în principal la sărbători și la tot felul de sărbători.
În Rusia, Didllo a adus asemenea balerine celebre precum Avdotya Istomina și Maria Danilova. După Didlo, fiecare nouă generație de balet rus a devenit mai originală.
Olandezii coregrafi Valberkh și Glushkovsky au introdus teme naționale în balet.
Imaginația creativă Didlo a dat naștere la baletul romantic, exprimând dorința unui vis exaltat, poetic și un basm. Eroii de balet romantic în sine au fost tot felul de creaturi fantastice - elfi, sylphs, fantome și umbre. Balerina Maria Taglioni și tatăl ei, coregraful Philippe Taglioni, au fost în anii '30. Secolul al XIX-lea. cei mai tipiști reprezentanți ai acestui nou balet.
Cel mai bun balet al porumului romantic "Giselle" a fost organizat în 1841 la Paris. Ea descrie tragedia unei fete pure, încredințată, profund șocată de infidelitatea unui iubit. Giselle moare de durere și se transformă într-un zăpadă de pădure. Acest balet vreodată tânăr vorbeste limba dansului despre sentimente mari și este încă inclus în repertoriul teatrului sovietic și al străinului.
creație Nu mai puțin interesant al epocii romantice - baletul „Esmeralda“, livrat remarcabil coregraf francez Jules Perrot (1810-1892) pe romanul lui Victor Hugo „Notre Dame de Paris“ (a se vedea articolul „Victor Hugo“ ..). Nu era o singură creatură fantastică aici. Perrault a încercat să exprime direct acțiunea dramatică în dans. Talentul acestui coregraf nu a primit recunoaștere la domiciliu și a înflorit cu adevărat în Anglia și mai ales în Rusia.
Lucrand pe "Frumoasa Adormita", Ceaikovski a cerut in mod repetat sfaturi minunatului coregraf Marius Petipa (1822-1910). Un francez la naștere, a dat aproape șaizeci de ani baletului rusesc. O mare cunoscator al balete clasice de dans Petipa nu a reușit mai ales „Frumoasa din pădurea adormită“, „Don Quijote“, „La Bayadere“, în care dansează deși fuzionat cu muzica.
Un alt director remarcabil al baletele lui Ceaikovski, Lev Ivanov (1834 -1901), creat în „Lacul Lebedelor“ uimitoare lebede dans liric (acte 2 și 4 ale baletului). Ivanov sa străduit să-și exprime în dans toată bogăția conținutului muzicii.
O fuziune completă a muzicii, dansului și picturii în balet a avut loc la începutul secolului al XX-lea. coregrafii M. Fokin și A. Gorsky. Ei au reușit nu numai să reproducă cu adevărat viața pe scena baletului, ci și să găsească mijloace expresive unice pentru fiecare balet. Cooperând cu cei mai buni artiști, Gorsky și Fokine au ridicat la un nivel înalt arta decorării spectacolului.
În Occident, în a doua jumătate a secolului al XIX-lea. Balletul a căzut în decădere, și-a pierdut semnificația independentă și sa transformat într-o anexă la operă, în timp ce arta baletului rus a continuat să dezvolte cele mai bune trăsături ale baletului clasic.
Balletul clasic se distinge printr-un model strict de mișcare, puritate nobilă și spiritualitate de execuție.
Toate mijloacele de expresivitate din baletul clasic servesc pentru a descoperi conținutul profund, experiențele complexe ale personajelor.
Baletul rusesc din Paris și Londra (la începutul secolului XX) a produs o impresie uimitoare asupra publicului occidental. Balerina rusă remarcabilă Anna Pavlova a fost recunoscută ca fiind una dintre cele mai mari dansatoare ale școlii clasice. În dansul "The Swing Dying" (muzica de Saint-Saens, în care a fost prezentat de M. Fokine), care a durat doar trei minute, Pavlova a dezvăluit o serie întreagă de experiențe. Stăpânirea strălucită a coregrafilor și artiștilor ruși, arta inspirată a lui Anna Pavlova a avut un impact imens asupra renașterii baletului european. Pavlova, iar în spatele ei și a altor profesori a fost deschisă în Anglia, școala de dans clasic. Artiștii talentați pregătiți de ei au format trupe profesionale existente în zilele noastre (Ballet Marie Ramber, Royal Ballet - fostul Sadler Wells). În repertoriul lor există nu doar balete ale compozitorilor ruși, ci și operele remarcabile ale lui Ceaikovski.
În anii '30. XX secol. a reînviat baletul național în Franța, Italia și în alte țări. A împrumutat mult de la școala dansului clasic rusesc și sovietic, care este extrem de populară în Occident.
Cea mai bună mostenire clasică a școlii rusești a fost dezvoltată în continuare în baletul sovietic. Poate fi considerat pe bună dreptate un nou stadiu al artei coregrafice. Dansul clasic în baletul sovietic, în conformitate cu cerințele erei noastre, se dezvoltă continuu, se îmbunătățește și se îmbogățește, absorbind cele mai bune trăsături ale artei dansului din țara noastră.
Pe scena sovietică, Lacul lebedelor, Frumoasa Adormită și Giselle trăiesc o nouă viață. După păstrarea a tot ceea ce este valabil din producțiile anterioare, ele sunt impregnate de o percepție diferită a muzicii, un nou concept al măreției și frumuseții vieții, plin de o tensiune dramatică specială. Arta baletului sovietic încearcă să dezvăluie cele mai bune din om, întreaga bogăție a lumii sale interioare. Nu numai că îi place ochiul, ci trezește în audiență aspirațiile nobile, sentimentele și gândurile înalte.
Arta de balet sovietică merită creditat pentru crearea unor mari balete realiste dedicate eroilor populare și luptătorilor de libertate din diferite țări și epoci. Acesta este "Popul roșu" al lui Gliere (vezi articolul "RM Glier"), livrat de V. Tikhomirov și L. Lashchilin; B. Flacăra lui Paris B. Asafiev, coregraf Vainonen; "Spartacus" Khachaturian (vezi articolul "Aram Khachaturian"); A.L. Laurence A. Crane, coregraf V. Chabukiani; "Calea Thunder" de Kara Karaev, coregraf K. Sergeev; "Piatra de flori" S. Prokofiev, coregraf Yu Grigorovici.
Poporul sovietic sunt mândri de astfel de artiști restante ca Ulanov (a se vedea. Art. "GS Ulanova"), Maya Plisetskaya, O. Lepeshinskaya, Struchkova R., K. Sergeev, V. Chabukiani, și mulți alți elevi de balet sovietice glorioase școală.
Admirat pe scară largă de spectatori străini touring provocat artiști sovietici care au fost capabili să transforme, împreună cu directorii de balet în „stadializarea dramatică intensă, plină de vioiciune, ficțiuni coregrafice ... efecte scenice și emoție“ - așa cum a scris presa străină. Discursurile baletului sovietic din mai multe țări din Europa și America au fost considerate "evenimente de importanță istorică".
Articole similare
Trimiteți-le prietenilor: