Istoria cântecului coral
Cântecul coral, de la antichitate până în prezent, este foarte popular. Acesta este un fel de artă vocală destul de complexă, care își are originea din timpuri imemoriale. În multe țări, au fost propriile lor școli vocale, fiecare contribuind la dezvoltarea cântării corale din lume.
Una dintre astfel de școli creative a fost școala romană, care a apărut în secolul al XVI-lea în "orașul etern" al Italiei - Roma. Componenta religioasă spirituală a avut o mare influență asupra modului de a cânta această școală. Stilul școlii romane diferă liniștea modelului melodic și a purității speciale. Majestic, pacificat, imbold cu idei spirituale ridicate au fost create. După ce a făcut motivul cât mai clar și mai clar posibil, iar textul - simplu și ușor de înțeles, fondatorii școlii romane au câștigat locul cântării polifonice în biserică.
În toate patrimoniul creativ al Renașterii muzicale, fenomenul cel mai semnificativ a fost lucrările reprezentanților școlii olandeze. Gloria școlii olandeze a venit în secolele XV-XVI, când țara, eliberată de protecționismul spaniol, a început să ocupe posturile de conducere din Europa în domeniul artei și științei.
Școala olandeză a combinat și a dezvoltat realizările cântării corale franceze și engleze a direcțiilor seculare și spirituale. În patrimoniul său creativ, locul principal este ocupat de astfel de genuri muzical-corale ca motet și masă. În același timp, a existat o aprofundare a dezvoltării cântării polifonice. Acestea au fost lucrări vocale foarte complicate, unde numărul de voci a ajuns câteodată treizeci și șase.
Școala corală vocală venețiană este o continuare logică a tradițiilor școlii olandeze. Școala venețiană a fost formată în Veneția în secolele XVI-XVII. La izvoare au fost marii compozitori italieni ai acelor timpuri, A. Gabriel și D. Gabriel. Pentru creativitatea corală a acestei școli se caracterizează stilul multicolor, un număr mare de voci vocale, includerea frecventă a părților solo virtuozice, utilizarea acompaniamentului muzical cu o culoare timbră luminată.
În domeniul alegerii mijloacelor de exprimare, școala venețiană poate, probabil, să pretindă titlul de cea mai nerestrăvită și imorală - fără modestie. Dimpotrivă, exagera grotesc toate sentimentele transmise, creând imagini muzicale hipertrofate. În lucrările acestei școli, introducerile muzicale ale corurilor au adesea un adevărat caracter dramatic, ele sunt stilul lor de marș sau fanfară, ca și cum ar anunța acțiunea viitoare, chemând publicul la joc.
În secolul VI d.Hr. - Evul Mediu, în Europa, nașterea unei noi religii - creștinismul, propovăduind ideea de bine și egalitatea tuturor oamenilor înaintea lui Dumnezeu - a început. Înflorirea religiei a influențat atât arta, cât și cultura acestei epoci. Imnurile din catedrale, numite coruri gregorice, au însoțit ritualul sacru și au fost efectuate de corul masculin într-o singură voce în limba latină.
Melodia cântecului gregorian în zilele obișnuite a fost restrânsă și strictă. În timpul slujbelor divine festive, ea a posedat mai multe cântări syllabice bogate, de exemplu, strigătul lui Alleluia! În secolul al IX-lea apare un nou cânt - o secvență.
Polifonie a pătruns în muzica bisericii la începutul secolului al X-lea și a trecut printr-o cale dificilă. Clasificarea vocii cântând de poziția sunetului față de tenor a fost creată: treble (mai târziu - soprano), viola, tenor, bas. În zilele noastre, cântecele bisericii însoțesc închinarea și aduce armonie sufletelor celor care se roagă.
Cântecul coral a devenit popular în timpul Renașterii. În acest moment, numărul iubitorilor de muzică a crescut semnificativ. Muzica corală a fost interpretată în casele oamenilor bogați, și ea a sunat și în sălile de zi ale aristocraților. Genurile de masă și motet au constituit baza muzicii corale din acea epocă. În același timp, muzica seculară a devenit o parte integrantă a lucrărilor compozitorilor. Un astfel de gen ca madrigalul se opunea masei și motetului. Ca bază literară în genul lui Madrigal, a fost folosită poezia lirică. În cele din urmă, el a dobândit o anumită sofisticare aristocratică rafinată.
Principalul tip de muzică bisericească a acestei epoci este masa polifonică corală. Tot ce se acumulează în această zonă face posibilă luarea în considerare a stilului ideal al poloneziei bisericești renascentiste. A fost cel care a găsit întruparea în sunetul corului a'capella. La urma urmei, corul era la acel moment standardul frumuseții sunetului muzical.
Nu este nevoie să vă faceți griji cu privire la adevărul vocii cântăreților, tehnologiile informatice nu sunt folosite aici, dar scorurile corale pot fi acum compilate de un calculator folosind software special. Acum aceste lucruri sunt considerate o regulă de bun gust.
Ideea principală a Academiei este aceea de a continua și de a dezvolta în noile condiții istorice tradițiile lungi ale artei cântece ruse care au apărut după botezul Rus (988) în sânul culturii ortodoxe.
Choirmaster este capul corului. corale dirijor. Cuvântul german Meister este tradus ca maestru. specialist, cunoscător, șef. Cuvântul "maestru" apare în termeni precum un dirijor, acompaniator. Choirmaster este un "maestru coral".
Coordonatorul corului conduce (conduce) corul în timp ce practică, repetează și interpretează părți corale. Choirmaster este și liderul artistic al corului, care este responsabil pentru asigurarea nivelului artistic al activității creatoare a corului.
Până la mijlocul secolului al XIX-lea, conducerea corului era o parte integrantă a activităților conducătorului, regentului, cantorului și dirijorului. Aproape de funcțiile dansatorilor din școlile de cantat și bisericile franceze au fost realizate de capul capelei (maotre de chapelle).
Apariția profesiei de profesor al corului este asociată cu dezvoltarea performanțelor muzicale, cu separarea artei corale seculare într-un domeniu independent, cu divizarea sferelor de performanță muzicală și cu activitatea muzicală și pedagogică.
În Rusia până la conductoarele 1917 formarea corale (Regents, profesorii școlii de canto) a fost concentrată în cele două-moo zykalnyh instituțiile de învățământ profesional: Curtea Capela din Sankt-Petersburg și Sinodal Școala de Muzică bisericească Moscova.
În URSS, formarea corilor este realizată la departamentele corurilor dirijorale și la departamentele universităților muzicale, muzicale și pedagogice, colegii, institute de artă și cultură.
Pe parcursul anilor de independență a Ucrainei au existat tendințe semnificative în renașterea artei corale în noua bază de organizare și-ing să păstreze, îmbogățit în mod semnificativ și a extins repertoriul asociațiilor datorită implicării active a tinerei generații de compozitori pentru lucrări corale și a reveni la stratul său puternic de bogăția spirituală a poporului - produse de cult ortodoxe. Este în zona cântării religioase au cunoscut cele mai mari schimbări: mii de noi temple, biserici de diferite confesiuni care au deschis în țară, este necesar un număr mare de profesioniști corale - cântăreți și cor, instruiți profesional și bine versat în vocabularul religios.
Choirmaster se confruntă adesea cu problema dezvoltării unui singur sunet. În fața lui sunt cantareții care au o varietate de tehnici (școli) cântând. De aceea, corulistul trebuie să lucreze zilnic cu privire la calitatea sunetului vocal al corului.
Bineînțeles, conducătorul corului trebuie să aibă suficientă pregătire în problemele culturii vocale. În special acest lucru se aplică tehnicii tehnicilor vocale. Conductorul, care nu poate deține propria voce, slab versat în teoria și tehnica de a cânta, nu știe formarea CCA-singularitate de sunet, prezintă riscuri pentru cor de cerințe back-rupere, care nu se va îmbunătăți, și înrăutăți sunetul. Dacă conducătorul corului deține propria sa voce, înțelege clar întreaga tehnologie a formării sunetului, știe să formuleze cu cuvinte simple recepții și știe unde și cum sunt aplicate; în cazul în care conductorul său este prezent ca nick-definit „Vocal“ ductilitate gest și partea emoțională, un astfel de conductor va aduce calitatea de performanță la un nivel ridicat de tehnică și artistică.
Studierea și practicarea muzicii cu horommozhno principal împărțită în două faze fazy.Pervaya - o „pregătire“ tehnică funcționează cu corul: învățarea textului muzical și literar, activitatea privind puritatea intonației, claritatea de ritm, dictie, sunet, etc.
Cântarea (solfeggingul) unei părți corale pe o vocală sau pe o silabă separată asigură un atac corect și simultan al sunetului, direcția lui. Pe de o parte, această tehnică accelerează produs Practica de corale și pe de altă parte - cimenturi, sunet de ansamblu-ciment ruet și îi conferă o integritate de sunet și subțirime. În această etapă a lucrărilor asupra partidului cor realizat persistent și pentru o lungă perioadă de timp, t. Pentru a. Este aici ca vyrabatyvaetsyaintonatsionny și fundație vocale, care sonoritatea corale, Koto-o mulțime în viitor construi o realizare de intenții artistice.
După ce a finalizat acest aspect al lucrărilor tehnice, conducătorul corului conduce la un studiu aprofundat al textului verbal. Cea mai corectă și mai productivă metodă de a studia aceasta va fi citirea ei în ritmul în care fiecare parte corală este scrisă. Având grijă la sunete convenite la nivel rostit acută, scurt și au o lungime minimă de sunet proporțional, conductorul realizează un sistem complet pronunții jar-TION ca propoziții întregi, sau silabe individuale. Se recomandă citirea ritmică preliminară pentru a realiza părți corale separate, grupuri de corzi și, în viitor, întreaga compoziție a corului.
După pregătirea preliminară în toate părțile corale, în grupuri și în întreg corul, dirijorul începe să lucreze pe partea muzicală. În primul rând, componenta vocală a părților individuale și a întregului sunet coral sunt egale. Registrele sunt șterse, cele mai dificile locuri din respectul vocal sunt elaborate. Apoi conductorul urmărește îndeaproape performanța caesurii, semnele respirației, semnele dinamice, loviturile de performanță și alte detalii puse în joc.
A doua fază este stăpânirea muncii corului ca întreg artistic, a creației dirijorului și a întregului colectiv. Dacă prima fază poate fi împărțită în părți separate ale lucrării, atunci perioada artistică în lucrarea asupra lucrării nu poate fi împărțită în câteva secțiuni. Dar nu ar trebui să te gândești că lucrezi pe partea tehnică, poți renunța la planul artistic și invers - să lucrezi la o imagine artistică, să uiți de partea tehnică.
Acest proces, asociat cu o dezvăluire cuprinzătoare a imaginii muzicale, este cel mai intens și responsabil. Cunoașterea artistică și creativă a acestei lucrări prin voința dirijorului se transformă treptat în conștiința și în sensul colectivului coral. Lucrările de repetiție ridică nivelul de performanță al corului și promovează creșterea creativă a dirijorului ca artist-interpret.
După ce planul de repetiție pentru învățarea lucrării cu corul este finalizat, este pregătită o repetiție pentru a verifica rezultatele obținute și maturitatea performanței piesei corale. Finalizarea acestui proces complex este realizarea lucrării în fața audienței ascultătorilor, în care dirijorul și colectivul coral acționează ca interpreți.
Deși arta dirijorului în sensul modern, ca un fel independent de interpretare muzicală, a dezvoltat cu privire la nou-TION (al doilea trimestru al secolului al 19-lea), originile sale pot fi urmărite cele mai vechi timpuri. Mai multe despre egiptene și asiriene basoreliefuri găsit imaginea performanței în comun a muzicii, în principal pe instrumente muzicale omogene, mai multe muze Quentin condus de un om cu o tijă în mână. În primele etape ale dezvoltării practicilor coralelor folclorice, dirijarea a fost realizată de unul dintre cântăreți - solistul. În Grecia antică, liderul corului este Corifeu. El a stabilit ordinea și armonia motivului ("a păstrat tonul"), a indicat tempo-ul și nuanțele dinamice. Câteodată el număra bătaia, bătând sau atingând piciorul. Astfel de tehnici metrice organiza o performanță comună (picioare pritoptyvanie, bătând din palme, jucând instrumente de percuție) și conservate în secolul al 20-lea. pentru unele grupuri etno-grafice. (- mână, nomos - legea, regula xeir greacă) În cele mai vechi timpuri (Egipt, Grecia), iar apoi conducerea corului (biserica) cu heyronomii la putere a fost larg răspândită în Evul Mediu. Baza acestui tip de sistem efectuarea de depunere condiționată (simbol ical), mișcări ale mâinilor și degetelor, care sunt susținute de mișcări ale capului și corpului corespunzător. Utilizarea lor, Diri-zhor a subliniat tempo coristă, metru, ritm, vizual reproduce conturul melodiei (mișcarea în sus sau în jos). Gesturile indicau de asemenea nuanțe, iar plasticitatea lor trebuia să corespundă naturii generale a muzicii efectuate. Complexitatea tot mai mare de multe, voce, sistem de mensural aspect face tot mai clar organizarea necesară ritmică en ansamblu de. Împreună cu heyronomiey dezvoltă un nou mod de a conduce cu ajutorul „Battuta“ (stick-uri, de la battere italian - bate-UD ryat) concluzionează într-o bate destul de tare (cu „conducție zgomotoase“). În Grecia antică, corul în îndeplinirea tragedii a marcat ritmul bat picioarele, utilizarea de pantofi cu tălpi metalice.
Odată cu dezvoltarea sistemului basului general (secolele XVII-XVIII), spectacolul era adesea controlat de un organist sau de un harpsichord, care stătea în spatele instrumentului. A avut loc și o dublă dirijare: în plus față de harpsichord, conducătorul concertului de vioară (care ulterior, cu moartea basului general, a devenit singurul dirijor). Au existat și triple conduceri, atunci când jucătorul de clapetă, concertmasterul și dirijorul care le-au unit au participat la conducerea spectacolului.
Trimiteți-le prietenilor: